lunes, 30 de mayo de 2011

Las Peores Versiones de la Historia de la Música... según la Revista NME

New Musical Express, popularmente conocido como NME, es un semanario musical del Reino Unido que ha estado publicándose desde marzo de 1952. Se hizo particularmente popular durante la era punk. Sin embargo, al mismo tiempo, la revista ha sido criticada desde algunos sectores por su inclinación hacia formaciones indie y también ha recibido críticas que aseguran que promociona bandas para luego destrozarlas. Sin embargo, se mantiene como uno de los puntales de referencia de la música popular británica.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/NME


1. Britney Spears - I love rock and roll (Joan Jett & the Blackhearts):

Vale, Britney está muy sexy y tal, pero ese sonido prefabricado da mucha, pero que mucha grima. ¡Viva Joan Jett!

Para oir la versión original, CLICK AQUÍ...

2. Ronan Keating Feat. Moya Brennan - Fairytale of New York (The Pogues):


Que seas de Dublín no te da derecho a interpretar este temazo de los Pogues. Y menos con esa voz tan meliflua. Por dios…

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3. Céline Dion & Anastacia - You shook me all night long (AC/DC):


Hay algunas canciones que son tan buenas que es imposible hacer una versión mala. Hasta que llegó Céline Dion… Ese movimiento de air guitar de la canadiense es tan pijo que… ¿Qué pensará Angus de esto? Obviamente, el genial guitarrista prefiere escuchar a Chuck Berry.

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4. Take That - Smells like teen spirit (Nirvana):

Atención a cómo se rompe la camiseta el cantante al principio. Imposible no mosquearse. Y esa guitarra de orquestilla, en las antípodas de la distorsión de Cobain. En fin…

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5. M People - Itchycoo park (Small Faces):

Una joya del pop psicodélico de los 60 de los Small Faces convertida en una empalagosa pieza para las discotecas rancias.

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6. Robbie Williams - Song 2 (Blur):

Los grititos de Robbie del principio te preparan para lo peor que, obviamente, llega a continuación. Se puede comprobar que por aquella época Robbie no hacía dieta.

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7. Will Young - Light my fire (The Doors):


De un plumazo este inglesito del Operación Triunfo británico le quita toda la agresividad al salvaje tema de Jim Morrison. Triste.

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8. Madonna - American Pie (Don McLean):

Es como si nuestro Maneras de vivir, de Leño, lo interpretara Soraya. Pues eso, que este himno para los americanos lo convierte Madonna en un pastelito de sabor a nada.

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9. Limp Bizkit - Faith (George Michael):

Vale, la canción de George Michael no es que sea la bomba, pero al pasarla por el metal-rap de los Bizkit parece incluso peor.

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10. Mark Ronson Feat. Domino - No one knows (Queens of Stone Age):

No todo se puede pasar por el soul moderno. Esta canción oscura y feroz de Queens of Stone Age suena ortopédica en las manos del productor de Amy Winehouse.

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Fuente: http://www.rollingstone.es/noticias/view/las-peores-versiones-de-la-historia

jueves, 26 de mayo de 2011

Dexter... El Mejor Serial Killer de la Tv

Dexter es una serie de televisión de la cadena estadounidense Showtime en la que cuenta la historia de un forense especializado en análisis de salpicaduras de sangre en el Departamento de Policía de Miami, un freak de la sangre -para algunos-, y psicópata justiciero cuando termina su horario laboral, buscando a criminales cuestionables para su particular moral y dandoles matarile, siguiendo siempre una especie de código que le inculcó su padre adoptivo "Harry", que fue el único que se dió cuenta de quien era realmente Dexter, un asesino.

La serie está enfocada desde el punto de vista del protagonista (en primera persona), al que interpreta un impresionante Michael C. Hall (sin él no habría serie, él es la serie). La acción transcurre en la ciudad norteamericana de Miami, en la comisaria de policia, en barrios residenciales, y a veces en el barrio latino. 

miércoles, 25 de mayo de 2011

TOP 100 Los Mejores One-Hit Wonders 2ª Parte (Del 80 al 61)

Continuación del Top 100 de los mejores One-Hit Wonders de la Historia, según la opinión del Blog. Aquí os dejo las 20 canciones comentadas anteriormente en la primera parte, si queréis ver el post completo, CLICK AQUÍ...

martes, 24 de mayo de 2011

Medianoche en París (2011)... Una Película de Woody Allen

Woody Allen es uno de los más respetados, influyentes, y prolíficos cineastas de Hollywood en la historia. Famoso por sus diálogos ingeniosos, sus grandes comedias, como por ejemplo Annie Hall (1977) protagonizada por Diane Keaton y él mismo. ganadora de cuatro premios Óscar y considerada la mejor comedia de la historia del cine; y por realizar grandes retratos de las ciudades que le han hechizado, primero fue Nueva York, y en estos últimos años han sido Londres, Barcelona, París, y proximamente Roma.
La película que nos abarca es una de las mejores películas que el maestro Allen ha hecho en mucho tiempo, genialmente protagonizada por Owen Wilson (sin duda su mejor interpretación), Carla Bruni, la primera dama francesa esta realmente perfecta, Rachel McAddams, y un elenco de secundarios de lujo, como Kathy Bates, una arrebatadora y maravillosa Marion Cotillard, Michael Sheen, o Adrien Brody.

Esta magnífica y encantadora película recuerda a su obra maestra ochentera "La Rosa Púrpura del Cairo" (1985), y al famoso cuento de hadas "La Cenicienta". Con unos hilarantes gags marca de la casa, una visión nostálgica y deliciosa de la ciudad parisina, y una vuelta a sus origenes.

El genio neoyorkino presentó la película en la premiere del prestigioso festival de Cannes, llevandose grandes aplausos por parte de la crítica y prensa especializada, la cual calificaron la película de "una ingeniosa comedia muy divertida y con mucho encanto".

La película narra como un escritor norteamericano algo bohemio (Owen Wilson) llega con su prometida Inez (Rachel McAdams) y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde conocerá a Hemingway, Scott Fitzgerald, Dalí y Picasso, entre otros artistas.

Ha habido un sector de la crítica que considera este film como una obra menor, pero huelga decir que el maestro neoyorkino Allen, a sus 75 primaveras demuestra estar en plena forma, filmando una película por año, y siendo o no obras menores, muestra una calidad envidiable y una frescura que ya les gustaría a muchos de los cineastas jovenes que pueblan el actual panorama cinematográfico.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Woody_Allen
http://www.filmaffinity.com/es/film567174.html

lunes, 23 de mayo de 2011

Mecanoscrito del Segundo Origen... Una novela de Manuel de Pedrolo

Mecanoscrito del segundo origen ("Mecanoscrit del segón origen" en su título original) es una obra escrita por Manuel de Pedrolo el año 1974 que tuvo gran éxito de ventas, sobre todo entre el sector juvenil. Es uno de los libros más vendidos de la literatura catalana.

Manuel de Pedrolo (L'Aranyó, 1918- Barcelona, 1990) es uno de los autores más importantes de la literatura catalana del siglo XX. Gran dominador del lenguaje y apasionado renovador de la forma, sus textos revelan un enorme interés por la comunicación y la libertad humanas, lo cual le acarreó problemas durante la censura franquista. Prosista, poeta, dramaturgo y ensayista, es en la novela donde realiza su aportación máxima.

Escritor siempre para adultos, Pedrolo ha conseguido su mayor éxito de público con Mecanoscrito del segundo origen, gracias a la clamorosa acogida obtenida por parte de los lectores jóvenes, que han hecho posible que sea del libro más leído de toda la historia de la literatura catalana.

En esta novela se explica la historia de Alba y Dídac, de 14 y 9 años respectivamente, que viven en un pueblo de Cataluña (España) llamado Benaura y que se convierten en prácticamente los únicos supervivientes de la Tierra después de que unos extraterrestres eliminen a casi toda la humanidad. Durante los cuatro años siguientes deberán valerse por ellos mismos para sobrevivir y enfrentarse a toda clase de problemas y dificultades.

El libro explora la relación entre los dos jóvenes y la recreación de un mundo distópico. La narración se estructura en capítulos que comienzan siempre igual, situando la edad de Alba y su virginidad o no. El narrador es omnisciente y emplea muchas descripciones.

El poder de sugerencia de la obra nace de sus metáforas, el nuevo mundo se compara con el actual y se indican nuevas posibilidades de existencia. El descubrimiento de muchos aspectos por parte de la pareja (como el papel de la cultura o la sexualidad) explican que el libro haya gustado tanto a adolescentes, que se sienten identificados con los protagonistas, aunque la novela no fuera escrita específicamente para ellos.

Fue llevada a la televisión por medio de una serie de gran éxito producida y emitida por TV3. Recientemente la productora catalana Antàrtida Produccions de Carles Porta ha adquirido los derechos de adaptación cinematográfica de la popular novela de Manuel de Pedrolo, que está preparando su producción para el salto al cine. La película estará dirigida por el director de cine Bigas Luna y el guión lo firma el propio Luna, el productor Carles Porta y los guionistas Marcel Barrena y David Victori.

FRAGMENTO DEL LIBRO:

Cuaderno de la destrucción y de la salvación


TT/1

(1) Alba, una muchacha de catorce años, virgen y morena, regresaba del huerto de su
casa con un cestillo de higos negros, de cuello largo, cuando se detuvo para reprender a dos chicos que pegaban a otro y le hacían caer en la alberca de la esclusa, y les dijo:
–¿Qué os ha hecho?
Y ellos le contestaron:
–No lo queremos con nosotros, porque es negro.
–¿Y si se ahoga?
Y ellos se alzaron de hombros, ya que eran dos muchachos formados en un ambiente cruel, con prejuicios.

(2) Y entonces, cuando Alba dejaba el cestillo para lanzarse al agua sin ni siquiera quitarse la ropa, puesto que tan sólo llevaba unos shorts y una blusa sobre la piel, el cielo y la tierra empezaron a vibrar con una especie de trepidación sorda que se iba acentuando, y uno de los chicos, que había alzado la cabeza, dijo:

–¡Mirad!

Los tres pudieron ver una gran formación de aparatos que se desplegaban lentamente desde la lejanía, y eran tantos que cubrían el horizonte. El otro chico dijo:

–¡Son platillos volantes, tú!

(3) Y Alba miró aún un momento hacia los extraños objetos ovalados y planos que avanzaban con rapidez hacia el pueblo mientras el temblor de la tierra y del aire aumentaba y el ruido crecía, pero pensó de nuevo en el hijo de su vecina Margarida, Dídac, que había desaparecido en las profundidades de la esclusa, y se lanzó de cabeza al agua, dejando atrás a los chicos, que se habían olvidado totalmente de su acción y ahora decían:

–¡Mira como brillan! ¡Parecen de fuego!

(4) Y dentro del agua, cuando ya nadaba hacia las profundidades, Alba se sintió como arrastrada por la potencia de un movimiento interior que quería llevársela de nuevo hacia la superficie; pero luchó enérgicamente y con todo su brío contra las olas y los remolinos, que alteraban la calma habitual de la alberca, y braceó con esfuerzo para acercarse al lugar donde había visto desaparecer a Dídac. Otra conmoción del agua, más intensa, la apartó de la ribera sin vencerla, puesto que ella le opuso toda su voluntad y los recursos de su destreza y, por debajo del vórtice que estaba a punto de dominarla, se sumergió aún más y nadó hacia las lianas que aprisionaban al chico.

(5) Y sin tocar tierra, ahora en un agua que se había calmado repentinamente, arrancó a Dídac de las plantas trepadoras, entre cuyos zarcillos otros niños habían hallado la muerte, y sin que él le diera ningún trabajo, puesto que había perdido el conocimiento, lo arrastró con una mano, mientras con la otra y las piernas abría un surco hacia la superficie, donde su contenida respiración estalló, como una burbuja horadada, antes de seguir nadando hacia allí donde la ribera descendía al nivel del agua. Encaramándose ella e izando el exánime cuerpo del chico, aún tuvo tiempo de ver como la nube de aparatos desaparecía por el horizonte de levante.

(6) Y sin entretenerse, Alba tendió a Dídac de bruces sobre la hierba de la ribera, le hizo sacar tanta agua como pudo, lo giró boca arriba al comprobar que aún no daba señales de vida, y hundió la boca entre los labios del muchacho para insuflarle el aire de sus propios pulmones, hasta que el chico parpadeó y se movió, como si aquella boca extraña le molestara.

Le quitó la ropa empapada para que el sol secara su cuerpo, lo friccionó, inclinada sobre él, y tan sólo entonces, cuando ya se recuperaba, se le ocurrió pensar que resultaba extraño que los dos chicos que lo habían empujado no hubieran acudido.
  
(7) Y entonces vio que estaban tendidos en el suelo, inmóviles y con las facciones contraídas, como fulminados por un ataque de apoplejía que les había dejado la cara rosado–amarillenta. El cestillo se había volcado y a su alrededor se esparcían los higos, pero no los habían probado, pues tenían los labios sin mancha alguna. Dídac, que se incorporaba, preguntó:

–¿Qué están haciendo, Alba?
–No lo sé... Vámonos, no te quieren.
–¿Quieres decir que no están muertos?

(8) Y entonces, Alba, girando sobre sí misma al advertir un gran desgarrón en su blusa, alzó la vista hacia el pueblo y abrió la boca sin que de ella brotara ningún sonido. Ante ella, a trescientos metros, Benaura parecía otro, más plano; bajo el polvo que colgaba sobre él, como una bruma sucia y persistente, las casas se amontonaban las unas encima de las otras, como aplastadas por una enorme y torpe mano. Volvió a cerrar los labios, los abrió de nuevo y exclamó:

–¡Oh!


E inmediatamente, sin acordarse de que la blusa ya no le ocultaba los pechos, echó a

correr camino abajo.

(9) Y en el pueblo no quedaba nada en pie. Los edificios se habían desmoronado sobre 
sí mismos, como si de golpe sus paredes hubieran flaqueado, y sobre sus escombros 
habían caído los tejados. Montones de piedras y de tejas partidas estaban diseminadas por las calles y cubrían principalmente las aceras, pero el hundimiento había sido demasiado a plomo como para dejar intransitables las vías más anchas, por donde ya corría el agua de las cañerías reventadas que, en algunos lugares, alzaban impetuosos géiseres entre la polvareda.


En muchos lugares, los muros seguían erguidos, como para contener en su interior el 
derramamiento de los pisos altos amontonados, en algunos casos, entre paredes que,
pese a estar agrietadas, habían resistido el feroz impulso de un ataque aniquilador. 
Porque todo aquello lo habían hecho aquellos aparatos misteriosos. Alba estaba segura de ello.


(10) Y por todas partes, medio sepultados por los escombros, en el interior de los 
coches detenidos, por las calles, había cadáveres, gran cantidad de cadáveres, muchos con el rostro contraído en un rictus extraño y la piel rosado–amarillenta.

Fuentes:
El Fragmento está extraido del propio libro.


SI QUERÉIS COMPRAR EL LIBRO:

jueves, 19 de mayo de 2011

TOP 100 Los Mejores One-Hit Wonders 1ª Parte (Del 100 al 81)

En la industria musical, un one-hit wonder (en español: maravilla de un éxito) es un artista que generalmente es conocido por un sólo sencillo exitoso. Ya que los one-hit wonder son populares durante un periodo corto, sus éxitos suelen tener gran valor nostálgico, y suelen aparecer en recopilaciones de épocas y en bandas sonoras. A pesar de que el término se usa a veces de forma despectiva, los fanáticos suelen tener gran pasión por estas canciones memorables y los artistas que los crearon. Los one-hit wonder son comunes en cualquier época de la música pop, pero son más comunes de dentro de periodos de géneros musicales que no duran más que unos pocos años, como el disco y new wave.

miércoles, 18 de mayo de 2011

Artistas que solo han dirigido una película...

A lo largo de la historia del cine, han habido artistas, ya sean actores, escritores, o directores que solo han realizado una película como director, y los motivos por los que solo lo han hecho una vez son dispares, desde una muerte prematura, pasando por el fracaso que les supuso la experiencia, y también por su propia decisión. En este especial del blog me gustaría destacar a unos cuantos, de los miles que hay, que especialmente, por un motivo u otro, me han llamado la atención...


PETER LORRE Der Verlorene 1951
Peter Lorre (nacido László Löwenstein) fue un actor de cine y teatro austríaco de origen húngaro. Fue conocido por su clásica interpretación de un psicópata asesino de niñas en la obra maestra de Fritz Lang "M, el vampiro de Düsseldorf" (1931), también por participar en la primera versión de "El hombre que sabía demasiado" (1934) del maestro del suspense Alfred Hitchcock, que rodaria en inglés, a pesar de sus limitaciones con este idioma.  
Otros de sus filmes muy populares, fueron El halcón maltés (1941), Casablanca, (1942), Arsénico por compasión (1944), 20.000 leguas de viaje submarino (1954), y La vuelta al mundo en ochenta días (1956).
Su único largometraje como director fue "Der Verlorene" (titulada en España El Hombre Perdido), película realizada entre 1950 y 1951 en Alemania, en la que adaptaba su propia novela, coescribiendo el guión con Axel Eggebrecht, y Benno Vigny, y protagonizandola realizando una excelente interpretación. En la época fue un fracaso rotundo, algo que hizo que Peter no dirigiera más películas en su carrera, pero años más tarde, la crítica reconocería la originalidad y el valor de Der Verlorene, donde se puede seguir el rastro de la influencia de ese cine alemán de entreguerras, a cuyo prestigio contribuyese durante la República de Weimar y, en especial, de quien le lanzó al estrellato, Fritz Lang, casi tan poco afortunado como él, tras su regreso a Alemania.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Lorre
http://www.filmaffinity.com/es/film646831.html

DALTON TRUMBO Johnny cogió su fusil 1971
Dalton Trumbo fue un novelista y guionista de cine estadounidense perseguido por el macarthismo (fue uno de los Diez de Hollywood). Se vio obligado a testificar delante del Comité de Actividades Antiestadounidenses en 1947, dentro de la búsqueda de elementos comunistas en la industria del cine. Debido a esto, tuvo que usar seudónimos en sus trabajos. Entre sus películas destaca Johnny cogió su fusil, Papillon y el guión de Espartaco. Nacido en la localidad de Montrose (Colorado) en 1905, Trumbo se graduó en el Grand Junction High School. Acudió durante dos años a la Universidad de Colorado, donde ahora la fuente central lleva su nombre. Comenzó a trabajar para la revista Vogue. En 1937 se inicia en el mundo del cine y en la década siguiente se convierte en uno de los guionistas mejor pagados de Hollywood gracias a películas como Treinta Segundos sobre Tokio (1944), Our Vines Have Tender Grapes (1945) o Kitty Foyle (1940), en la que fue nominado al Oscar al mejor guión adaptado.

En el campo de la novela, en 1939 consiguió el National Book Award por Johnny Got His Gun, de inspiración pacifista que surgió a raíz de la impresión que le transmitió la imagen de un soldado desfigurado en la Primera Guerra Mundial.

En los años 50, el célebre guionista, autor de Espartaco, Johnny cogió su fusil (basada en su propia novela) o Treinta Segundos sobre Tokio, fue víctima de la caza de brujas contra el comunismo emprendida por el senador McCarthy en Estados Unidos. El guionista fue acusado por el comité de actividades antiestadounidenses (arma política encargada de vigilar la "peligrosa influencia comunista" en Hollywood durante la guerra fría). Él prefirió seguir fiel a sus principios y fue encarcelado durante 11 meses y exiliado posteriormente en México. Desde allí, continuó escribiendo con extraordinario talento, para defender la libertad de expresión y siempre bajo diferentes pseudónimos.

Ganó dos Oscar por trabajos muy distintos: Vacaciones en Roma (1953) y El bravo (1956) y en secreto, gracias a colegas y seudónimos. En este segundo caso, la Academia de Hollywood lo reconoció como legítimo ganador de la estatuilla en 1975, un año antes de su muerte, mientras que en el primero, su victoria se oficializó póstumamente en 1983.
Su única película como director fue la adaptación de su novela "Johnny got his gun", una brutal y desasosegante película antibelicista, en el que también se trata de una contundente apología de la eutanasia. Sin duda, una de las películas más duras y comprometidas de la historia del cine.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Dalton_Trumbo
http://www.filmaffinity.com/es/film746268.html


MARLON BRANDO El rostro impenetrable 1961
Marlon Brando fue un actor estadounidense. A lo largo de su carrera, Brando recibió múltiples reconocimientos por sus logros actorales, entre ellos dos premios Óscar, dos Globos de Oro y tres BAFTA. Fue el más relevante discípulo del Actors Studio, donde estudió el método Strasberg. Recibió su primer premio Óscar por Mejor actor por su trabajo en "La ley del silencio" en 1954. En 1972 ganó su segundo galardón Óscar, por su actuación en El Padrino pero lo rechazó enviando a la ceremonia a una actriz estadounidense de origen indio, que se manifestó en contra del tratamiento que recibía su pueblo en las películas de Hollywood y por los acontecimientos que ocurrían por aquel entonces en Wounded Knee.

También realizó grandes interpretaciones en Un tranvía llamado deseo (1951), Viva Zapata! (1952), Julio César (1953), Sayonara (1957), Rebelión a bordo (1962), La jauría humana (1966), La condesa de Hong Kong (1967), El último tango en París (1972), Apocalypse Now (1979), Una árida estación blanca (1987), y Cristóbal Colón: el descubrimiento (1992).

Su última película fue la decente The Score (Un golpe maestro) (2001). Tres años después falleció a la edad de 80 años debido a una fibrosis pulmonar.

Su única incursión en la dirección fue en 1961 en la película "Un rostro impenetrable", que en un principio la empezó a dirigir el perfeccionista Stanley Kubrick aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con Marlon Brando, quien terminó dirigiendo la película. Se trata de un Western sin precedentes de traiciones y venganzas. Gran parte de la crítica consideró que El rostro impenetrable era un megalómano vanity film y un ejercicio narcisista de su director-actor. Si en embargo su repercusión en Europa fue muy buena, de tal modo que en julio de 1961 recibió la Concha de Oro en el Festival Internacional de cine de San Sebastián. En los Estados Unidos la respuesta no fue tan positiva y solo recibió la nominación Charles Lang.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/El_rostro_impenetrable
http://www.filmaffinity.com/es/film911449.html

STEPHEN KING La rebelión de las máquinas 1986
Stephen King es un escritor estadounidense conocido por sus novelas de terror. Los libros de King han estado muy a menudo en las listas de superventas. En 2003 recibió el National Book Award por su trayectoria y contribución a las letras americanas, el cual fue otorgado por la National Book Foundation.

King, además, ha escrito obras que no corresponden al género de terror, incluyendo las novelas Different Seasons, El pasillo de la muerte, Los ojos del dragón, Corazones en Atlántida y su autodenominada "magnum opus", La Torre Oscura. Durante un periodo utilizó los seudónimos Richard Bachman y John Swithen.

Sus novelas más famosas son Carrie (1974), El Misterio de Salem's Lot (1975), El resplandor (1977), La zona muerta (1979), Cujo (1981), Christine (1983), Pet Sematary (1983), It (1986), y Misery (1987). Es uno de los escritores que más adaptaciones cinematográficas han hecho de su obra. Su única incursión como director fue en 1986 en la película "La Rebelión de las máquinas", un bodrio protagonizado por un patético Emilio Estevez que narraba como un cometa hizo que las maquinas cobraran vida y se revelaran contra la raza humana. Ni la buena banda sonora que hizo AC/DC pudo salvar semejante despropósito, incluso el mismo King llegó a afirmar que era la peor película de la historia del cine, por detrás de "Plan 9 del espacio exterior" del carismático Ed Wood.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Stephen_king
http://www.filmaffinity.com/es/film713446.html

JAMES CAGNEY Short Cut to Hell 1957

James Cagney fue un actor de cine estadounidense. Ganador de premios importantes y actor en distintos papeles, es recordado por sus papeles como duro. Destacó en la década de 1930 en la empresa cinematográfica Warner Bros y mantuvo su relevancia durante las décadas de 1940 y 1950. Ganador del premio Óscar 1943 al Mejor actor principal, en el filme Yanqui Dandy (1942). Su primera película importante fue El enemigo público de William A. Wellman. Volvió a realizar el papel de gángster en dos películas dirigidas por Raoul Walsh: Los violentos años veinte y, sobre todo, en Al rojo vivo, donde dirá su frase más famosa, "En la cima del mundo, mamá".

Pero Cagney fue un actor muy versátil que intervino en toda clase de películas, desde comedias hasta dramas, pasando por westerns e incluso adaptaciones de obras de Shakespeare. Destacan en su filmografía "Desfile de candilejas", "El guapo", "Ha entrado un fotógrafo" y Ángeles con caras sucias, en los años treinta. 
En los cuarenta continuó siendo uno de los actores favoritos del público y continuó participando en grandes películas. Una de boxeo, llamada "Ciudad de conquista", y la biografía idealizada de Yanqui Dandy, interpretación con la que ganó el Óscar al mejor actor. Este éxito le hizo romper con la Warner y fundar su propia productora, con la que no obtuvo ningún éxito por lo que tuvo que volver a la productora de los hermanos Warner. En los cincuenta volvió a trabajar en algunas grandes películas como el "León de las calles", "Ámame o déjame", "Escala en Hawái" o "El hombre de las mil caras". Finalmente, acabó su carrera temporalmente en 1961, cuando protagonizara la comedia "Uno, dos, tres", dirigida por Billy Wilder. En 1981 volvió a actuar en Ragtime, donde de nuevo demostró su gran talento interpretativo. Fue su última película. Su única película como director fue "Short Cut to Hell" (1957) que adaptaba la novela homónima de Graham Greene, y pasó sin pena ni gloria por la cartelera, algo que hizo que no repitiera más en la labor de dirección.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/James_Cagney
http://www.imdb.es/title/tt0050964/  


CHARLES LAUGHTON La noche del cazador 1955


Charles Laughton fue un actor y director de cine y teatro nacido en el Reino Unido y nacionalizado ciudadano estadounidense en 1950. Más conocido por el público de hoy en día como el director de "La Noche del cazador", Charles Laughton fue también un actor grande entre los grandes, tanto en el teatro como en el cine. Billy Wilder dijo de él que era el mejor actor con quien nunca había trabajado... de hecho, añadía Wilder con entusiasmo, en su opinión, Laughton era "el más grande de todos los actores". Laughton era conocido por su intensa implicación en el trabajo, que él consideraba, más que una profesión, un arte creativo a la altura de las creaciones musicales, pictóricas o literarias. James Mason, comentando la revolución en el arte de la actuación que supuso la irrupción de Laughton, le definió como "un actor del método sin sus tonterías". El mismo Laughton diría respecto al Actors Studio: "Un actor del Método te ofrece una fotografía: yo prefiero hacer una pintura al óleo". Algunos historiadores cinematográficos, desde el punto de vista de la teoría crítica vigente, (según la cual el director es el autor indiscutible de un film) clasifican a Laughton como un actor caprichoso y difícil de trabajar con él. Básicamente, estas afirmaciones se basan en los testimonios de Joseph Sternberg y Alfred Hitchcock, que le dirigieron en "Yo, Claudio" y en "Jamaica Inn", respectivamente. Hay que mencionar entonces que directores como, por ejemplo, Ernst Lubitsch, Jean Renoir, James Whale, Leo McCarey, Robert Siodmak, Billy Wilder u Otto Preminger quedaron muy satisfechos de su trabajo con Laughton y que, en muchos casos su colaboración dio paso a una gran amistad. Evidentemente, de esto se puede deducir que según el grado de congenialidad y del método de trabajo de cada director, Laughton podía ser un actor muy "difícil" o todo lo contrario. Finalmente, hay que recordar que cuando Laughton pasó al otro lado de la cámara, en "La noche del cazador", trató a los actores y a los miembros del equipo técnico con gran respeto por su trabajo y potenciando su creatividad: una actitud claramente democrática en claro contraste con los métodos más autocráticos de algunos directores cinematográficos. 
En su fructífera carrera realizó clásicos como El caserón de las sombras (1932) de James Whale, Entre la espada y la pared (1932) de Marion Gering, La vida privada de Enrique VIII (1933) de Alexander Korda, Los miserables (1935) de Richard Boleslawsky, Rebelión a bordo (1935) de Frank Lloyd, La posada de Jamaica (1939) de Alfred Hitchcock, Casi un ángel (1941) de Henry Koster, El fantasma de Canterville (1944) de Jules Dassin, Arco de triunfo (1947) de Lewis Milestone, El proceso paradine (1948) de Alfred Hitchcock, Testigo de cargo (1957) de Billy Wilder, y Espartaco (1960) de Stanley Kubrick entre otros.
Su única película como director es la magnífica obra maestra "La noche del cazador" de 1955, protagonizada por un impresionante Robert Mitchum como reverendo siniestro. Incomprendida en la época, teniendo poco éxito en la cartelera, hizo que Laughton no volviera más a dirigir. Hoy en dia se considera una joya imprescindible, un maravilloso cuento cinematográfico de una capacidad hipnótica visual nunca superada.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Laughton
http://www.filmaffinity.com/es/film488593.html

DAVID DUCHOVNY House of D 2004
David William Duchovny es un actor estadounidense de origen judío, conocido por su papel como el agente especial del FBI Fox Mulder en Expediente X y actualmente por el de Hank Moody en Californication. Empezó rodando anuncios y papeles de segunda en películas de serie B hasta que un golpe de suerte hizo que empezara a ser un secundario conocido en el mundillo por películas como Kalifornia (junto a Brad Pitt y Juliette Lewis) o Beethoven. En la pequeña pantalla se dio a conocer por su papel de agente travestí de la DEA en la galardonada y afamada serie Twin Peaks. También hizo sus pinitos como narrador y presentador en la serie erótica de Showtime, Red shoe diaries. Sin duda su carrera despegó en 1993 cuando le dieron el papel protagonista en la serie de FOX, The X-Files, convirtiéndolo en una de las caras más conocidas de la pequeña pantalla. En la serie interpretaba al agente especial del FBI Fox Mulder, obsesionado por la abducción cuando era un niño de su hermana pequeña Samantha. Toda la serie gira en torno a la búsqueda de su hermana y la resolución de los Expedientes X, además de intentar descubrir toda una conspiración del gobierno que intenta que no se sepa nada de lo que en realidad ocurre. En la serie, su fiel compañera es Dana Scully, interpretada por Gillian Anderson. Ambos se convirtieron en la pareja más famosa de la televisión por la diferencia de pensamientos de ambos y lo bien que se compenetraban, teniendo en vilo a millones de fans deseosos de ver un acercamiento cariñoso entre ambos. El episodio donde Mulder y Scully se besan por primera vez fue uno de los más vistos de la historia. Casi desde el principio la serie tomó el apelativo de serie de culto, enganchando a millones de personas en todo el mundo, deseosos de saber lo que realmente oculta el gobierno y saber si hay alguien ahí aparte de nosotros. La serie duró nueve temporadas, pero Duchovny decidió que el personaje era tan inmenso que podría encasillarse y decidió abandonar la serie al finalizar la séptima temporada. Durante la octava temporada se le pudo ver en algunos episodios y tan solo salió en el último capítulo de la novena y última temporada para poner el broche de oro a una de las mejores series de la historia de la televisión. Además de actuar, David escribió y dirigió varios episodios de The X-Files. La serie fue un éxito desde su estreno, colocando a Fox como canal líder. Tal fue el éxito de la serie, que a finales de la quinta temporada se estrenó la película The X Files: Fight the Future (1998), en el que Mulder y Scully volvían a investigar una conspiración del gobierno con personajes muy importantes de la historia de la serie como El Fumador, Alex Krycek y Los Pistoleros Solitarios. La película recaudó millones de dólares en todo el mundo. Diez años después del estreno de la primera película y después del fin de la serie, Duchovny y Anderson volvieron a interpretar a sus personajes en la película The X-Files: I Want to Believe, desmarcándose de la vertiente extraterrestre y resolviendo un misterio inexplicable, otra de las líneas arguméntales de la serie. De nuevo la película ha sido un éxito, sobre todo entre los fans que han podido volver a ver en acción a sus ídolos. Se espera una tercera película para los próximos años. Desde mediados de Expediente X y después de dejarla, David protagonizó películas como Evolution, Trust the Man con Julianne Moore, Hechizo al corazón, El Secreto, Cosas que perdimos en el fuego con Benicio del Toro y Halle Berry y su ópera prima como director, House of D, junto a Robin Williams y su esposa Téa Leoni.
También ha protagonizado papeles secundarios en películas como Connie y Carla, Full Frontal con Julia Roberts, Zoolander, entre otras. Desde 2007 produce y protagoniza la serie Californication, papel por el que ganó el Globo de Oro como mejor actor de comedia en 2007 y consigió la nominación en 2008 y 2009. Gracias a este segundo Globo de Oro se puede decir que es el único actor en la historia de estos premios que ha ganado un Globo de Oro en cada categoría, por Drama y Comedia. Esta serie, en la que interpreta a un escritor que vive su peor momento, adicto al sexo, recién separado y que ha perdido la inspiración, ha devuelto a David la primera plana, consiguiendo desmarcarse de la sombra de Mulder. La serie que se emite en Showtime es todo un éxito por sus guiones ácidos y la interpretación brillante de sus actores, sobre todo David. En la actualidad se está emitiendo la cuarta temporada y ya está confirmada la quinta, cuyo rodaje comenzará en abril. Su única película como director es "House of D" titulada aquí en España "Delitos Menores" que obtuvo poco éxito de crítica y público en Estados Unidos, a pesar de ser un drama bastante decente.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/David_Duchovny
http://www.filmaffinity.com/es/film148793.html 

HAROLD PINTER Butley 1974
 
Harold Pinter fue un dramaturgo, guionista, poeta, actor, director y activista político británico, ganador del Premio Nobel de Literatura en 2005. Escribió para teatro, televisión, radio y cine. Sus primeros trabajos fueron frecuentemente asociados al teatro del absurdo. Pinter nació en el barrio de clase obrera de Hackney, Londres, dentro de una familia judía, y, durante dos semestres, estudió en la Academia Real de Arte Dramático. De joven publicó poesía, y comenzó a trabajar en el teatro como actor bajo el seudónimo de David Baron. Su primera obra, The Room, fue representada por primera vez en la Universidad de Bristol por los estudiantes de la misma. The Birthday Party (1958) fue inicialmente un fracaso, a pesar de la crítica positiva aparecida en The Sunday Times por parte del crítico de teatro Harold Bobson, pero el autor conseguiría el éxito con The Caretaker en 1960. Este éxito le ayudó a establecerse. Las mencionadas obras, y otros de sus trabajos tempranos como The Lover [1] en 1962 o The Homecoming (1964), han sido muchas veces etiquetados como "teatro del absurdo". En ellas se parte usualmente de una situación aparentemente inocente, situación absurda y amenazante debido a la conducta peculiar de algún personaje que resulta incomprensible para el público, y en ocasiones para el resto de los personajes. La obra de Pinter muestra una marcada influencia de los primeros trabajos de Samuel Beckett, con quien mantuvo una larga amistad. En España, piezas como The Lover han sido llevadas a escena en excelentes versiones donde la idiosincracia británica ha sabido adaptarse, manteniendo el tono que imprimió Pinter en los originales, a la cultura propiamente mediterránea. Así, The Lover, fue puesta en escena en Madrid (2008) bajo el título D4DR The Lover dirigida por Rafael Negrete, cuya traducción y adaptación corrió a cargo de Knight R. Crow. Pinter empezó a dirigir más frecuentemente durante los setenta, convirtiéndose en el director asociado de Royal National Theatre en 1973. Sus obras tardías tienden a ser más cortas, y los temas más políticos, utilizando muchas veces alegorías de la represión. Fue alrededor de 1970 cuando Pinter comenzó a manifestarse más claramente en el aspecto político, adoptando una postura izquierdista. Pinter se esfuerza continuamente por atraer la atención pública sobre las violaciones de los derechos humanos y la represión. Sus escritos se han publicado de manera habitual en los periódicos Británicos, como The Guardian y The Independent.
En 1985 Pinter viajó a Turquía con el escritor estadounidense Arthur Miller y conoció a muchas víctimas de la represión política. En la función en honor a Miller en la embajada estadounidense, en lugar de intercambiar cortesías, Pinter mencionó a personas que habían recibido descargas eléctricas en sus genitales, declaraciones que hicieron que lo echaran. (Miller, en apoyo, abandonó la embajada con él). La experiencia de Pinter en la represión turca y la supresión del idioma kurdo inspiraron la obra de 1988 Mountain Language. En 1999 Pinter se convirtió en un crítico ferviente de los bombardeos a Kosovo autorizados por la OTAN. También se opuso a las invasiones de Afganistán en 2001 y de Iraq en 2003. En 2005, anunció que se retiraba del teatro para dedicarse a la acción política. Junto a otras personalidades judías acordó no aceptar la ciudadanía israelí ni celebrar el 60 aniversario de este Estado por condenar sus atentados contra la vida de los palestinos. Pinter fue nombrado “Companion of Honour” en 2002, título honorífico británico, después de haber rechazado el título de Sir. En octubre del 2005, la academia sueca anunció a Pinter como el ganador del Premio Nobel de Literatura 2005, con la motivación de: “Quien en sus obras se descubre el precipicio bajo la irrelevancia cotidiana y las fuerzas que entran en confrontación en las habitaciones cerradas”. En su discurso de agradecimiento leyó Explico algunas cosas de Pablo Neruda. Murió de cáncer a los 78 años, en diciembre de 2008. Apoyaba al partido político de izquierdas Respect. 
Su única incursión en la dirección cinematográfica fue en 1974 con Butley, en la que adaptó la obra homónima de Simon Gray, película que tuvo una floja aceptación en el público y la crítica, motivo por el cual decidió no dirigir más películas.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Harold_Pinter
http://www.filmaffinity.com/es/film154227.html 

JAMES WILLIAM GUERCIO La piel en el asfalto 1973

James William Guercio, en ocasiones Jim Guercio, nacido en 1945, en Chicago (illinois), es un productor, guitarrista y compositor norteamericano, conocido sobre todo por haber descubierto al grupo Chicago, cuyos primeros álbumes produjo. También ha producido a otras bandas, como Blood, Sweat & Tears (con quienes obtuvo un Grammy), The Beach Boys o The Buckinghams.

Trasladado a Los Ángeles en 1960, se convirtió en un reputado músico de sesión y compositor, contribuyendo entre otros, en el primer disco de Frank Zappa. En 1973 entró en la producción de cine con el film Electra Glide in Blue (en España llamada La piel en el asfalto), cuya banda sonora también coordinó. Esta sería su única incursión como director dinematográfico. Una muy buena película en la que el paso del tiempo ha hecho que caiga en el olvido. Guercio produjo también una película de Robert Blake, Second-Hand Hearts, en 1981. Era propietario, además, de los Estudios Caribou, donde han grabado gente como Billy Joel, Rod Stewart, Carole King, Stephen Stills, Waylon Jennings, Amy Grant y Supertramp, aunque en 1985 un incendio acabó con él.


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/James_William_Guercio
http://www.filmaffinity.com/es/film375361.html 

STEVE GORDON Arthur el soltero de oro 1981
Steve Gordon fue un guionista y director  de cine norteamericano conocido por escribir y dirigir la exitosa comedia de 1981 Arthur un soltero de oro, protagonizada por Dudley Moore, Liza Minelli, y John Gielgud (interpretación que le valdría un Oscar). La película fue nominada a cuatro premios Oscar, ganando dos de ellos. Debido a su prematura muerte, un año después por un infarto, esa fue su única película como director, tenía 44 años. También es conocido por su faceta de guionista televisivo, en la que escribió los guiones de varios episodios en las series Lotsa Luck (1973), The New Dick Van Dyke Show (1974), Paul Sand in Friends and Lovers (1974), Chico and the Man (1974), Vida y milagros del Capitán Miller (1975). En 1976 creo la serie The practice, una serie de éxito moderado sobre abogados que tuvo dos temporadas. Esta serie inspiraría a David E. Kelley en 1996 para hacer la serie de "El Abogado". En 1980 creó también la serie cómica de éxito en Estados Unidos Good Time Harry, que solo tuvo una temporada, y en la que Gordon dirigió cinco de los siete episodios emitidos.

Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Steve_Gordon_%28director%29
http://www.imdb.com/name/nm0330619/
http://www.filmaffinity.com/es/film325165.html

lunes, 16 de mayo de 2011

10 Grandes Despedidas de Directores en la Historia del Cine

DAVID LEAN (1908-1991)

Sir David Lean fue un director de cine británico. Nació en Croydon, Surrey, Inglaterra el 25 de Marzo de 1908. Se inició en la industria haciendo labores domésticas en 1927 en Gaumont Pictures, ascendió a mejores posiciones: en 1930 era editor de noticias y en 1934 editaba películas. Editó películas como Escape Me Never (1936), Pigmalion (1938), Paralelo 49 (1941), y One of our Aircraft is missing (1942). Sus primeros cuatro trabajos como director fueron basados en obras de Noel Coward, con quien co-dirigió la primera de ellas, In Which We Serve (1942). La más notable de este grupo fue Brief Encounter (1945), que compartió una Palma de Oro en Cannes. Más tarde dirigió dos adaptaciones de obras de Charles Dickens, Grandes Esperanzas y Oliver Twist. 
Las superproducciones por la que es más recordado comenzaron en 1957 con "El puente sobre el río Kwai", por la que ganó un New York Film Critics Award, y un Óscar. Recibió otro Óscar por "Lawrence de Arabia" (1962). Después del éxito de "Doctor Zhivago" (1965), vino la no tan exitosa "La hija de Ryan" (1970). Después de un hiato de 14 años, dirigió la que sería su última película "Pasaje a la India" (1984). Murió en Londres el 16 de Abril de 1991 mientras planeaba una película basada en la obra "Nostromo", de Joseph Conrad. 

Fuente:
http://es.wikipedia.org/wiki/David_Lean


SERGIO LEONE (1929-1989)

Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano. Es uno de los directores más famosos de la historia del cine, y es sobre todo conocido por sus spaghetti western. Nació en Roma, Italia el 3 de Enero de 1929. Sergio desde muy joven entra en la industria del cine, y con 20 años es actor y asistente de dirección de Ladri di biciclette (1948) de Vittorio de Sica. Después estaría en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Entre ellas Quo Vadis (1951) de Mervyn Le Roy, Helena de Troya (1955) de Robert Wise, Ben-Hur (1959) de William Wyler o Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann. En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir, por enfermedad, al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya, aunque no pudo firmar la película. Su primera película oficial fue El coloso de Rodas (1960) y dos años más tarde sustituiría de nuevo a un director, Robert Aldrich, en Sodoma y Gomorra. Aldrich fue una influencia clave para Leone, con películas como Veracruz (1954), donde el perfil clásico del western se desdibuja con personajes más ambiguos y carentes de valores. A partir de aquí comienzan sus obras más personales, que se inicia con la famosa trilogía western, también conocida como Trilogía del dólar, en coproducción con varios países europeos y rodada en la árida región de Tabernas, Almería (España), así como en las proximidades de Carazo en la Sierra de la Demanda, Burgos. La trilogía obtuvo un inesperado gran éxito, conduciendo el western a su último período cinematográfico, el llamado spaguetti western, género muy cultivado en el cine de los 70, además de aportar dos nuevos talentos al medio, el compositor Morricone, amigo desde la infancia del director, y el actor Clint Eastwood, desconocido hasta entonces, al que el director contrata entre un grupo de actores. El personaje creado para Eastwood, "el hombre sin nombre", es el prototipo de antihéroe del spaguetti western. Hombre duro y solitario, sin escrúpulos ni sentimientos y movido por el dinero. De esta manera Leone crea un icono del cine, personalidad ruda, pocas palabras, mirada de hielo, invencible en múltiples duelos. Siempre vestido con un poncho raído y un cigarro en los labios, es capaz de matar a sangre fría, si es necesario por la espalda, para conseguir su objetivo. Es un personaje que se convertirá en esteroetipo en múltiples films y que influirá de forma decisiva a directores, actores e incluso a los dibujantes de cómic actuales. Como anécdota curiosa, destacar que Por un puñado de dólares tuvo ciertos problemas legales al plagiar una película anterior de Akira Kurosawa titulada Yojimbo (1961). Tras esta trilogía no deja la temática del western y filma una de sus obras maestras, Hasta que llegó su hora, un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la mayor parte de sus películas su admirado John Ford. Tras un período más dilatado, vuelve al cine, casi por obligación, con ¡Agáchate, maldito!, que tiene menos éxito que sus películas precedentes y basada en la revolución méxicana. Esta película la dirige a última hora debido a problemas con el director elegido. 
Por último, dirige la que muchos consideran su obra maestra, Érase una vez en América, un "western moderno" basada en la época de los gángsters. En Europa tuvo gran éxito a pesar de las cuatro horas de duración, pero en EE. UU. se ofrece una versión recortada a casi dos horas, además de alterar su montaje (la historia fue contada linealmente y no como en la original en que se utilizan flashback). Sergio tuvo siempre a su lado a un amigo de la infancia, que hizo más grande aún sus películas, el compositor Ennio Morricone. Sergio Leone falleció en 1989, cuando estaba preparando la película Leningrado, debido a los problemas de corazón que sufría desde que entró en juicios con la Warner Bros por la película Once Upon A Time In America. La productora recortó en más de una hora el film y contrató para esta labor al encargado de montaje de Loca academia de policía. Leone, que planeaba retomar el género que le llevó a la fama, el western, tiene una calle dedicada con su nombre en la ciudad de Almería, España.


Fuente:
http://es.wikipedia.org/wiki/Sergio_Leone


INGMAR BERGMAN (1918-2007)

Ingmar Bergman fue un cineasta, guionista y escritor sueco, tanto de obras de teatro como de cine. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, para muchos es el director más importante de la cinematografía mundial. Nació en Uppsala, Suecia, en 1918. Hijo de un estricto pastor protestante, Bergman cursó estudios en la Universidad de Estocolmo y obtuvo la licenciatura en literatura e historia del arte con una tesis sobre Strindberg. Hasta 1942 dirigió el teatro universitario y, posteriormente, fue ayudante de dirección del Gran Teatro Dramático de Estocolmo. En 1943, la productora Svensk Filmindustri (SF) lo contrató para el departamento de guiones. El cine de Bergman recoge la influencia formal del expresionismo y de la tradición sueca, en especial la de Victor Sjöström, y destaca por su gran sentido plástico, casi pictórico, y el aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro. Además, gira en torno de una serie de constantes temáticas, en especial la muerte y el amor, marcadas por las preocupaciones existencialistas y religiosas del autor, y abordadas con un tono metafísico y una densidad de diálogos motivada por sus inicios en el teatro. En el amplio conjunto de su obra ha escrito, producido y dirigido películas que abarcan desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo. En sus comedias, el contenido sexual está en mayor o menor medida presente, si bien tratado con extremo lirismo. Sus mejores películas son El séptimo sello (1956), que constituye una lúgubre alegoría que indaga en la relación del hombre con Dios y la muerte, para la cual empleó recursos narrativos basados en la iconografía cristiana, aunque incorporando audacias personales de gran eficacia; Fresas salvajes (1957), que recrea su propia infancia para la que utilizó una estructura de narraciones superpuestas; Persona (1966), donde destacan las simetrías compositivas, los primerísimos planos y el empleo evocador del sonido y la música; Gritos y susurros (1972) que es una feroz diatriba sobre la muerte y la incomunicación, sobre el valor de la vida y las convenciones sociales siempre castradoras, es uno de esos films difíciles de olvidar; Sonata de otoño (1978) que es la única ocasión en que dos de los mayores mitos del cine sueco compartieron cartel: Ingmar e Ingrid Bergman, película que ha alcanzado el rango de mítica, se ha versionado-homenajeado-copiado libremente en multitud de ocasiones, sin hacerle sombra; Fanny y Alexander (1982) autobiografía y ficción, la infancia y la inocencia perdida por la fuerza, los usos sociales, la vanidad, el amor, la amistad y la familia, el mundo adinerado y del teatro, etc se dan cita en la película más reconocible y popular de Bergman para espectadores de todas las generaciones, y casi su mejor película. 
La última película del maestro sueco sería Saraband (2003), Liv Ullmann y Erland Josephson encabezan reparto en una producción rodada en video de alta definición, lanzada en Cannes para el mercado internacional de cine, que recupera los personajes de "Escenas de un matrimonio". Estructura teatral, monólogos o escenas dialogadas entre los personajes dos a dos, conforman una obra con miras al pasado pero aportando nuevas vías de expresión a su manera de narrar, que evidencia la lucidez de un director que permanece escrito con letras de oro en la historia del cine. El director falleció el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, a la que se había retirado, el mismo día que falleció el director italiano Michelangelo Antonioni.

Fuentes:
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bergman.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Ingmar_Bergman

JOHN FORD (1894-1973)

John Ford  fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio Óscar. John Ford está considerado uno de los realizadores más importantes del periodo clásico de Hollywood (entre finales de los años 20 y 60 del siglo XX). De todos los grandes cineastas americanos ha sido uno de los que más influencia ha tenido en el cine posterior. Poco tiempo después de llegar a Hollywood logró el aplauso y admiración de los productores. Fue uno de los miembros más activos del Sindicato de Cineastas Americanos. Aunque es popular sobre todo por sus western en su filmografía se encuentran todo tipo de personajes: gente normal, granjeros, emigrantes, obreros, militares oscuros, indios... esta cantidad de personajes pintorescos permiten a Ford hablar con realismo y humor de la gran diversidad del género humano. En todos ellos se muestra (de manera más o menos clara) el carácter católico y patriota del director. De la misma manera está considerado un cineasta de grandes escenarios y paisajes grandiosos.
John Ford, es después de D. W. Griffith, la imagen del cine americano. Cuando se atrevía a demostrar sus sentimientos, sus películas derrochan una lírica insuperable. Películas de tono épico, sabía conjugar perfectamente el drama con cinceladas de verdadera hilaridad. Fue un maestro del tiempo, un gran director de actores a los que sacaba, a veces cruelmente, sus mejores interpretaciones. Es uno de los directores más reconocidos, como ejemplos decir que el Ford de Francis Ford Coppola es en su honor y que Orson Welles cuando le preguntaron por sus tres directores favoritos respondió: John Ford, John Ford y John Ford.

Ha dirigido más de 60 películas y es de destacar el magnífico tándem que formaba con el actor John Wayne, al que dirigió en 20 largometrajes. En su filmografía se encuentran clásicos como La Diligencia (1939), El joven Lincoln (1939), Las uvas de la ira (1949), Hombres intrépidos (1940), Que verde era mi valle (1941), Pasión de los fuertes (1946), El Fugitivo (1947), Fuerte apache (1948), Rio Grande (1950), Caravana de valientes (1950), El hombre tranquilo (1952), Mogambo (1953), Cuna de heroes (1955), Escala en Hawái (1955), Centauros del desierto (1956), Dos cabalgan juntos (1962), o El hombre que mató a Liberty Valance (1962). Su última película fue la transgresora Siete Mujeres (1966) que contaba con una gran interpretación de Anne Bancroft. Murió el 31 de agosto de 1973 en Palm Desert a la edad de 79 años. Se dice, según testigos, que sus últimas palabras fueron: "¿Alguien tiene un cigarro?".

Fuente:
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Ford_%28director_de_cine%29

AKIRA KUROSAWA (1910-1998)

Akira Kurosawa (Kyūjitai: 黒澤 明, Shinjitai: 黒沢 明) fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Comenzó su carrera con Sugata Sanshiro (La leyenda del gran Judo), dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los siete samuráis, Rashōmon o Dersu Uzala. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria. Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que le había dado a sus películas un aspecto único. Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. También le gustaba usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos. Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era el empleo de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre). Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente, "El Emperador"), por su estilo dictatorial como director. 
Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado. En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película. Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren. Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solucionarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto eran granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje. Kurosawa también pensaba que una música "acabada" no pegaba en el cine. Al elegir una pieza musical para acompañar a una escena, solía reducirla a un solo elemento (por ejemplo, sólo trompetas). Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más "acabada". Aunque algunos críticos japoneses acusaron a Kurosawa de ser "demasiado occidental", también estaba profundamente influido por la cultura de su país, sobre todo por el teatro Kabuki y Noh, y del género Jidaigeki del cine japonés. Sus películas han tenido una gran influencia en el cine mundial, y todavía inspiran a muchos directores. Rashōmon no sólo logró hacer conocido el cine japonés en todo el mundo, sino que dio nombre a un tipo de narrativa fragmentada e inconsistente, conocida como el efecto Rashōmon. Además está considerada la primera película judicial de la historia del cine. Su última película fue Madadayo (1992) (Espera un poco / Todavía no), un exquisito y sereno retrato de las costumbres y de la vida diaria japonesa. El 6 de septiembre de 1998 a sus 88 años falleció.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Akira_Kurosawa
http://www.filmaffinity.com/es/film413655.html


LUIS BUÑUEL (1900-1983)

Luis Buñuel Portolés fue un director de cine español naturalizado mexicano. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine. Nació en Calanda el 22 de febrero de 1900. Su conversión total al cine se produjo tras ver la película Las tres luces (Der müde Tod) de Fritz Lang. Varias semanas después se presentó en un rodaje al conocido director de cine francés Jean Epstein y se ofreció a trabajar en cualquier labor a cambio de aprender todo lo que pudiera acerca del cine y Epstein acabó permitiéndole desempeñar el cargo de ayudante de dirección en el rodaje de sus películas mudas Mauprat y La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher), de 1928. También en estos años colaboró como actor en pequeños papeles, como el de contrabandista en la película Carmen, de los estudios Albatros, con Raquel Meller, y en La Sirène des Tropiques con Joséphine Baker. Todo este bagaje le familiarizó con el oficio cinematográfico y le permitió conocer a buenos profesionales y actores que después habrían de colaborar con él en Un perro andaluz y La edad de oro, sus dos primeras películas. Como crítico, elogió el cine de Buster Keaton y atacó, por considerarla pretenciosa, la vanguardia cinematográfica francesa, en cuyas filas militaba el propio Jean Epstein. Es conocida su ruptura con éste al negarse el aragonés a trabajar en el nuevo proyecto del más reputado de los directores vanguardistas franceses, Abel Gance. En 1928 preparó un guión cinematográfico sobre Francisco de Goya con motivo del centenario de su fallecimiento, patrocinado por una comisión zaragozana. El proyecto no llegó a buen término por falta de presupuesto, como tampoco otro basado en un guión de Ramón Gómez de la Serna que iba a titularse El mundo por diez céntimos, en el que el hilo conductor iban a ser los sucesivos cambios de dueño de una moneda. Este mismo año se adhirió al grupo surrealista de París. En colaboración con Ramón Gómez de la Serna terminó el guión de Caprichos, que nunca se llega a rodar. En enero de 1929, Buñuel y Dalí, en estrecha colaboración, ultimaron el guión de un film cuyo proyecto se titularía sucesivamente El marista en la ballesta, Es peligroso asomarse al interior y, por fin, Un perro andaluz. La película se comenzó a rodar el 2 de abril con un presupuesto de 25.000 pesetas aportadas por la madre de Buñuel. Se estrenó el 6 de julio en el Studio des Ursulines, un cine-club parisino, en el que alcanzó un clamoroso éxito entre la intelectualidad francesa, y permaneció en exhibición nueve meses consecutivos en el Studio 28. A partir de la proyección de Un perro andaluz, Buñuel fue admitido de lleno en el grupo surrealista, que se reunía diariamente en el Café Cyrano para leer artículos, discutir sobre política y escribir cartas y manifiestos. Allí, Buñuel forjó amistad con Max Ernst, André Bretón, Paul Éluard, Tristan Tzara, Yves Tanguy, Magritte y Louis Aragon, entre otros.  A fines de 1929 se volvió a reunir con Dalí para escribir el guión de lo que sería más tarde La edad de oro, pero la colaboración ya no resultó tan fructífera, pues entre los dos se interpone el gran amor de Dalí, Gala Eluard. Buñuel comenzó el rodaje de la película en abril de 1930, cuando el pintor se encontraba disfrutando de unas vacaciones con Gala en Torremolinos. Cuando descubrió que Buñuel ya había acabado la película con el sustancioso mecenazgo de los Vizcondes de Noailles, que deseaban producir una de las primeras películas sonoras del cine francés, Dalí se sintió marginado del proyecto y traicionado por su amigo, lo que originó un distanciamiento entre ellos que se fue incrementando en el futuro. A pesar de aquello, felicitó a Buñuel por el largometraje, asegurando que le había parecido "una película americana". El estreno tuvo lugar el 28 de noviembre de 1930. Cinco días más tarde grupos de extrema derecha atacaron el cine donde se proyectaba y las autoridades francesas prohibieron la película y requisaron todas las copias existentes, comenzando una larga censura que duraría medio siglo, pues no sería distribuida hasta 1980 en Nueva York y un año después en París. En 1930 Buñuel viajó a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer, como «observador», con el fin de que se familiarizara con el sistema de producción estadounidense. Allí conoció a Charles Chaplin y Serguéi Eisenstein. En 1933, financiado por su amigo Ramón Acín, filmó Las Hurdes, tierra sin pan, un documental sobre esa comarca extremeña. La derecha y la Falange Española comenzaban a rebelarse en España y la película fue censurada por la joven y débil Segunda República Española por considerarla denigrante para España. Ese mismo año firmó un manifiesto contra Hitler con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Sender, Ugarte y Vallejo. El golpe de estado franquista sorprendió a Buñuel en Madrid. Así como Dalí se alineó con Franco y simpatizó con el bando nacionalista, Buñuel siempre permaneció fiel a la democracia de la República. No obstante, no dejó por ello de ayudar a amigos suyos del bando franquista cuando estuvieron en peligro de muerte; así, logró que liberasen a José Luis Sáenz de Heredia (primo hermano de José Antonio Primo de Rivera, fundador de Falange), que simpatizaba con Franco, pues habían trabajado juntos en Filmófono. El 18 de agosto de 1936 es asesinado Lorca. En septiembre de 1936 salió de Madrid en un tren abarrotado hacia Ginebra, vía Barcelona. Allí lo había citado para una entrevista Álvarez del Vayo, ministro de Asuntos Exteriores de la República, quien lo mandó a París como hombre de confianza de Luis Araquistáin, embajador en Francia, para realizar diferentes misiones, principalmente de inteligencia. Supervisó y escribió junto a Pierre Unik el documental España leal en armas. Realizó su bautismo aéreo en varios viajes relámpago a España, en misiones de guerra. Terminada la Guerra, en 1941, cuando comenzaba el rodaje de Cargo of Innocents, la asociación general de productores estadounidenses prohibió toda película en contra de Franco, lo que significó el fin del proyecto, en el que estaba implicado Buñuel. Sin trabajo y con poco dinero, y ya con su mujer e hijos reunidos con él, aceptó el encargo que le ofrece el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, como productor asociado para el área documental y supervisor y jefe de montaje de documentales para la Coordinación de Asuntos Interamericanos, que dirigía Nelson Rockefeller. Su misión era seleccionar películas de propaganda antinazi; tenía despacho propio y personal a su cargo. Pero fue despedido en 1943 a raíz de la publicación del libro La vida secreta de Salvador Dalí, donde el pintor tachaba a Buñuel de ateo y hombre de izquierdas. Un periodista del Motion Pictures Herald atacó a Buñuel en un artículo donde advertía acerca de lo peligroso que resultaba la presencia de este español en un museo tan prestigioso. Buñuel se reunió con Dalí en Nueva York para pedirle explicaciones y esa entrevista significó la ruptura de sus relaciones. Volvió a Hollywood y se puso a trabajar para la Warner Brothers como jefe de doblaje de versiones españolas para América Latina. Acabada la colaboración con la Warner en 1946, se quedó en Los Ángeles en busca de un trabajo relacionado con el cine y de que le concedieran la nacionalidad estadounidense, que había solicitado. En 1950 Buñuel realizó Los olvidados, película con fuertes vínculos con Las Hurdes, tierra sin pan, y que en un primer momento no gustó a los mexicanos ultranacionalistas (Jorge Negrete el primero), ya que retrataba la realidad de pobreza y miseria suburbana que la cultura dominante no quería reconocer. No obstante, el premio al mejor director que le otorgó el Festival de Cannes de 1951 supuso el reconocimiento internacional de la película, y el redescubrimiento de Luis Buñuel, y la rehabilitación del cineasta por parte de la sociedad mexicana. Actualmente, Los olvidados es una de las dos únicas películas reconocidas por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad. En 1951 filmó Susana y Él, película que constituyó un fracaso comercial pero que sería revalorada en los años venideros. En 1952 salió de Ciudad de México para filmar Subida al cielo, cinta simple donde un sueño del protagonista da el toque surrealista de Buñuel y que le valió ir nuevamente a Cannes. Ese mismo año filmó Robinson Crusoe, primera película que se rodó en Eastmancolor (todos los días se enviaban las copias a California para comprobar los resultados), y, junto con La joven, que dirigió en 1960, una de las dos únicas películas que rodó en inglés y con coproducción estadounidense. En 1953 dirigió La ilusión viaja en tranvía, una de las películas consideradas "menores" pero que por su frescura y sencillez, y respaldada por escritores como José Revueltas y Juan de la Cabada, sobrevive al paso de los años. En 1954 dirigió El río y la muerte y es elegido miembro del jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes. En 1955, año en que filmó Así es la aurora en Francia (lo que le brinda la oportunidad de visitar a su madre en Pau), fiel a sus ideas, firmó un manifiesto en contra de la bomba atómica estadounidense, lo que, unido a su apoyo a la revista antifascista España Libre (posicionada en contra de EE. UU.), supuso su inclusión en la lista negra estadounidense hasta 1975. A partir de ese momento, cada vez que pasaban por EE. UU., tanto él como su familia eran interrogados. No obstante, Buñuel dijo que EE. UU. era la tierra más hermosa que había conocido. Cuando alguien le preguntaba si era comunista siempre contestaba que era un español republicano. Tras Ensayo de un crimen (1955), en 1956 realizó La muerte en ese jardín, con guión de Luis Alcoriza y Raymond Queneau que adaptaba la novela homónima de Lacour. The National Film Theatre of London realizó una retrospectiva de su obra. Nazarín (1958), Palma de Oro del Festival de Cannes de 1959, es la primera de las tres películas que realizaría con el actor Paco Rabal. Ese mismo año rodó Los ambiciosos, cine de compromiso político y social. En 1960 dirigió por última vez una obra teatral, Don Juan Tenorio, en México, y realizó y estrenó en EE. UU. La joven. Después regresó a España para dirigir Viridiana, coproducción hispano-mexicana con guión escrito junto a Julio Alejandro. La película fue producida por Gustavo Alatriste (por parte mexicana) y por Pere Portabella y Ricardo Muñoz Suay, por parte de las productoras españolas UNINCI (Unión Industrial Cinematográfica) y Films 59. Estuvo protagonizada por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey. Viridiana fue presentada a concurso en el festival de Cannes de 1961 como representante oficial de España y obtuvo la Palma de Oro, que recogió el entonces Director General de Cinematografía, José Muñoz Fontán. Sin embargo, después de que el periódico vaticano L'Osservatore Romano condenara la cinta, a la que tachaba de blasfema y sacrílega, la censura española prohibió la cinta y Muñoz Fontán fue obligado a dimitir. Viridiana no se pudo proyectar oficialmente en España hasta 1977. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes por el gobierno de México en 1977. En 1962 rodó El ángel exterminador, una de sus películas más importantes y personales y en la que aludía a varias bromas privadas de su época de la Residencia de Estudiantes y del periodo surrealista transcurrido en Francia. Ya en su etapa mexicana Buñuel había rodado varias películas de producción francesa tras las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, Así es la aurora o La muerte en el jardín, pero su verdadera reentrada en la cinematografía francesa se produjo en 1963 con Diario de una camarera (Le Journal d'une Femme de Chambre), adaptación de la novela de Octave Mirbeau. Comienza así su cooperación con el productor Serge Silberman y el guionista Jean Claude Carrière. En 1964 filmó su última película mexicana, Simón del desierto, que no acabó como estaba proyectada por falta de presupuesto. Aun así, obtuvo el León de Plata de la Mostra de Venecia al año 1965, año en que junto a Carrère, preparó las adaptaciones de El monje y Là-bas. En 1966, año en que Dalí le telegrafió desde Figueras ofreciéndole preparar la segunda parte de Un perro andaluz. Ese mismo año se estrenó Belle de jour, que obtuvo en 1967 el León de Oro en la Mostra de Venecia. Esta película obtuvo en Francia un extraordinario éxito de público y a partir de entonces los estrenos de Buñuel se convirtieron en acontecimientos culturales, lo que motivó que Silberman le concediera completa libertad creativa y los recursos suficientes para la producción de sus filmes, lo que caracterizó la etapa final de su obra. En 1969 la Mostra le otorgó el gran premio de homenaje por el conjunto de su obra. En 1970 volvió a España para rodar, esta vez en régimen de coproducción, Tristana, protagonizada por Catherine Deneuve, que ya había desempeñado el papel principal en Belle de jour. 
En 1972 se convirtió en el primer director español en conseguir el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, por El discreto encanto de la burguesía (Le Charme Discret de la Bourgeoisie), película que se iba a rodar en España, lo cual resultó imposible debido a la censura. Esta película, junto con La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1968) y El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la Liberté, 1974), conforman una especie de trilogía que ataca los cimientos del cine de narrativa convencional y el concepto causa-consecuencia, abogando por la exposición del azar como motor de la conducta y del mundo. Ese mismo año de 1972 visitó Los Ángeles, donde vivía su hijo Rafael, y George Cukor ofreció en su casa una cena en honor de Buñuel a la que asistieron, además de su hijo Rafael y Carrière, importantes cineastas como Alfred Hitchcock, Billy Wilder, G. Stevens, William Wyler, R. Mulligan, Robert Wise o Rouben Mamoulian. En 1977 Buñuel puso el colofón a su obra con su última película Ese oscuro objeto del deseo (Cet Obscur Objet du Désir), que recibió el premio especial del Festival de Cine de San Sebastián. En la película, que revisa temas tratados anteriormente en Viridiana o Tristana, Carole Bouquet y Ángela Molina interpretan al alimón el personaje femenino que da réplica a Fernando Rey. Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 por la madrugada, a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer.


ANDRÉI TARKOVSKI (1932-1986)

Andrei Arsenyevich Tarkovsky (ruso: Андрей Арсеньевич Тарковский) fue un director de cine, actor y escritor ruso. Se le reconoce como uno de los más importantes e influyentes autores del cine soviético y uno de los más grandes de la historia del cine. Nacido en la localidad de Zavrazhe, Ivánono, Unión Soviética (ahora Rusia) el 4 de Abril 1932. Su padre fue el reconocido poeta Arseni Tarkovski. En su juventud, estudió música, pintura y escultura, aprendió lenguas orientales en Moscú antes de interesarse por el cine; también trabajó como geólogo por un tiempo en Siberia. Se inscribió en la aclamada Escuela de Cine VGIK (Instituto Estatal de Cinematografía de todas las Rusias),realizó cortometrajes y conoció a quienes serían sus mejores amigos y compañeros de clase, Sergéi Parajanov y Mijaíl Vartanov; al tiempo que estudiaba cine también estudiaba violín, al punto que el film con el cual obtuvo la graduación es: La apisonadora y el violín. Tarkovski pronto fue el centro de atención de todo el mundo con su primer largometraje, La infancia de Iván (1962), que obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia, Italia (ex-aequo con Cronaca familiare de Valerio Zurlini). Sin embargo, pronto Tarkovski cayó bajo la estricta vigilancia de las autoridades rusas, que temían que sus siguientes filmes no siguiesen los lineamientos del Partido Comunista de la Unión Soviética (no mostrar imágenes religiosas, p. ej.) y mostrasen el otro rostro de la Unión Soviética, de este modo se le recortó el presupuesto para filmar El idiota de Fiódor Dostoyevski y se le negó enteramente el rodaje de una película dedicada al Evangelio de Lucas. Eran los años de la Guerra Fría y cualquier denuncia —ya fuera de manera directa o velada— hacia el régimen en cualquiera de las facetas artísticas era pronto reprimida. Como resultado de esa vigilancia, el siguiente film de Tarkovski, Andréi Rubliev (1966), fue prohibido hasta 1971. Andréi Rubliev fue exhibida a las cuatro de la mañana del último día en el Festival de Cine de Cannes, Francia, por orden expresa de las autoridades rusas con el fin de evitar cualquier posible nominación a los premios (de hecho, no ganó ninguno) y fue distribuida parcialmente para salvaguardar las apariencias. A pesar de que no tenía control sobre el destino final de sus filmes, Andréi Tarkovski siguió filmando. Su siguiente filme, Solaris (1972), fue pronto aclamada en el Este y considerada por muchos como la respuesta soviética a la película 2001: Una odisea del espacio, del director estadounidense Stanley Kubrick, aunque Tarkovski siempre afirmó que no la había visto. De acuerdo a su libro póstumo Esculpir el tiempo y a su propio testimonio dentro del documental Tempo di viaggio, Andréi Tarkovski consideraba Solaris como su película menos lograda porque no había conseguido escapar de las reglas del género de ficción científica. Sin embargo, trabajar en la Unión Soviética significaba trabajar siempre con las limitaciones, tanto creativas como cinematográficas, impuestas por las autoridades rusas. Sobrepasar tales limitaciones significaba problemas fuertes para cualquier cineasta ruso. 
En 1975, Tarkovski tuvo un problema con las autoridades, que por poco le costó la cárcel, a raíz de su película Zerkalo (El espejo), una densa y autobiográfica película con una radical e innovadora estructura narrativa. Su siguiente película, también de ficción científica, Stalker (1979), tuvo que ser filmada de nuevo, con una dramática reducción económica en la producción, después de que un accidente en el laboratorio destruyese totalmente la primera versión filmada. Nostalgia (1983), filmada en Italia, fue su última película realizada bajo la estricta vigilancia de la Unión Soviética, ya que poco después de su filmación Tarkovski huyó con su esposa a Suecia, cansado de las maniobras represivas de las autoridades hacia su obra cinematográfica. Su última película, Sacrificio (1986), fue filmada en Suecia con la ayuda de los colaboradores habituales del cineasta sueco Ingmar Bergman, ganó cuatro premios en el Festival de Cine de Cannes, un hecho sin precedentes en la historia del cine ruso. Sin embargo, en esos meses Andréi Tarkovski estaba sufriendo los estragos del cáncer y le fue imposible asistir a recoger el Premio Especial del Jurado que obtuvo esta película, y fue su hijo Andriushka quien lo recogió ante un aplauso general que se prolongó durante varios minutos. Andréi Tarkovski, a la edad de 54 años, completamente alejado de su tierra natal y meses después de la filmación de Sacrificio, murió de cáncer pulmonar el 29 de diciembre de 1986, en París.

Fuente:
http://es.wikipedia.org/wiki/Andrei_Tarkovsky

JOHN HUSTON (1906-1987)

John Huston fue un director, guionista y actor de cine estadounidense naturalizado irlandés que realizó numerosos clásicos del cine de Estados Unidos. Fue un personaje inquieto, ya que también fue boxeador, periodista, novelista, militar, criador de caballos, cazador, coleccionista de arte... De hecho, en su adolescencia llegó a ser un campeón de boxeo y ejerció como agregado militar estadounidense en el ejército mexicano. Contrajo su primer matrimonio a la temprana edad de 20 años. Vivió como pintor callejero en París durante una temporada, trabajó como actor y fue redactor en una revista neoyorquina. Comenzó en el cine como extra en alguna película, como El testaferro, Santos del infierno o The Storm. Gracias a su padre, que era actor, fue guionista de varias películas de William Wyler (La casa de la discordia o Jezabel) y trabajó en una cantidad impresionante de guiones durante los años 1930 y principios de los años 1940 (El sargento York, El doble crimen de la calle Morgue, El último refugio, entre otras). Su primera película como director, de la que también fue guionista, El halcón maltés, sigue siendo considerada una obra maestra de la historia del cine, con Humphrey Bogart como protagonista. Sus siguientes películas importantes también estuvieron protagonizadas por Bogart: El tesoro de Sierra Madre y Cayo Largo. La reina de África, otra de sus obras maestras, rodada en 1951, demostró a su equipo hasta dónde estaba dispuesto a llegar para rodar una película, rodando en el Congo, con mosquitos, calor y todo tipo de enfermedades. Errol Flynn y Trevor Howard también sufrieron grandes penalidades durante el rodaje de Las raíces del cielo en el Chad. Sin embargo, su carrera tuvo cierta irregularidad, al aceptar dirigir películas como La Biblia, producida por Dino de Laurentiis; Annie; Evasión o victoria, o Casino Royale, película de James Bond que contó con cinco directores distintos. 
A pesar de eso, siguió haciendo grandes películas posteriormente, como Reflejos en un ojo dorado o Bajo el volcán. Tuvo ocasión de dirigir a su propio padre, el oscarizado actor Walter Huston, en al menos cinco largometrajes, y también dirigió a su hija, Anjelica Huston, en El honor de los Prizzi y en Dublineses, entre otras. Precisamente esta, Los Dublineses fue su última película, considerada por los críticos españoles como la mejor película de los ochenta, "Dublineses" es una de esas joyas que hace de la simplicidad y la transparencia su mejor virtud. Fue rodada por Huston en silla de ruedas y con máscara de oxígeno. Falleció en Middletown, Rhode Island el 28 de Agosto de 1987 de un enfisema. Se puede afirmar que Huston es uno de los grandes directores de la historia reciente del cine. John Huston tiene su estrella en Paseo de la Fama de Hollywood en 1765 Hollywood Boulevard.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Huston
http://www.filmaffinity.com/es/film160639.html


SIDNEY LUMET (1924-2011)

Sidney Lumet fue un director, productor y guionista estadounidense. Nacido en Filadelfia el 25 de Junio de 1924, sus padres fueron el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y actuó en teatros judíos de Broadway durante la década de 1930 hasta que debutó en el cine con la película One Third of a Nation (1939). En 1947 empezó a dirigir sus propias obras de teatro en el off-Broadway y dirigió a actores como Yul Brynner, Eli Wallach y otros miembros del Actor's Studio. Lumet hizo su debut detrás de la cámara al principio de la década de 1950 como director de televisión en la CBS. En ella destacan los 150 episodios de la serie "Danger" (1950) y los 26 de "You Are There" (1953). Fue uno de los más destacados miembros de la denominada "Generación de la Tv", junto a Robert Mulligan, John Frankenheimer, Martin Ritt, o Arthur Penn. El comienzo en el cine de Lumet fue prometedor, con el éxito comercial y de crítica de 12 Hombres sin Piedad (1957). Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación al Premio Oscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado. En su filmografía se encuentran clásicos como Larga jornada hacia la noche (1962), El prestamista (1964), La colina (1965), Serpicó (1973), Asesinato en el Orient Express (1974), Tarde de perros (1975), Network, un mundo implacable (1976), El príncipe de la ciudad (1981), Veredicto final (1982), Un lugar en ninguna parte (1988), o Declaradme culpable (2006).
Se despidió de la gran pantalla con la obra maestra Antes de que el diablo sepa que has muerto (2007), cuya trama gira en torno a dos hermanos que organizan el robo de la joyería de sus propios padres, protagonizada por unos inmensos Phillip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, y un impresionante Albert Finney. El 9 de Marzo de 2011 fallecía en su casa de Manhattan a los 86 años de edad a causa de un linfoma.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Sidney_Lumet
http://tavernamasti.blogspot.com/2011/05/homenaje-sidney-lumet-el-cronista.html


CHARLES CHAPLIN (1889-1977) 

Sir Charles Spencer Chaplin fue un actor, cómico, compositor, productor y director cinematográfico y escritor inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo. Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas "Kid Auto Races at Venice" de 1914, "La quimera del oro" de 1925, "Luces de la ciudad" de 1931, "Tiempos modernos" de 1936 y "El gran dictador" de 1940. Fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith. Influenciado por el francés Max Linder, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses. 
Su última película fue "Candilejas" de 1952 en la que es para algunos, por su sensibilidad y originalidad, su mejor película, aunque es, hasta el día de hoy, uno de sus filmes menos conocidos, debido a la censura impuesta en los EE.UU. por su anterior trabajo, Monsieur Verdoux. Esta película podría considerarse una despedida de dos grandes genios del cine mudo, Chaplin y Keaton, dioses del pasado que ceden resignados el relevo a las nuevas generaciones. Tiene por tanto un tinte autobiográfico, reflejado magistralmente cuando Thereza es contratada y Calvero queda solo en un escenario en el que se apagan una a una las luces. La banda sonora de la película, compuesta por el propio Chaplin y arreglada por Ray Rasch y Larry Russell, es considerada entre las mejores partituras de la historia del cine. En 1973, 21 años después, Chaplin recibió su único Óscar competitivo por esta magistral melodía, a los 83 años de edad.


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Chaplin
http://es.wikipedia.org/wiki/Candilejas