viernes, 30 de septiembre de 2011

Superheavy (2011) El Supergrupo de Mick Jagger...

SuperHeavy es una superbanda formada por el legendario Mick Jagger, genial vocalista de The Rolling Stones; Dave Stewart guitarrista y fundador del grupo de pop Eurythmics; la excelente cantante de soul Joss Stone; el hijo de Bob Marley Damian Marley; y el fantástico teclista indio A. R. Rahman, responsable de excelentes bandas sonoras como Slumdog Millionaire (por la cual fue premiado con dos Óscar (mejor banda sonora y canción)), o 127 horas.

Antes de entrar de lleno en el álbum, es necesario decir que no se trata de un disco para nada heavy, y tampoco es comercial, aunque eso sí, estamos ante un disco de estilos variados en el que se dan rienda suelta al rock, pop, soul, reggae, y hasta música india, del que Mick Jagger dijo:

"Queríamos una convergencia de diferentes estilos musicales... Siempre estábamos mezclando estilos, sin embargo eran por separado".
Para empezar tenemos el imponente tema épico que da nombre al disco, una excelente canción cantanda magistralmente a cuatro voces (Marley, Jagger, Stone, y Rahman). Luego tenemos un genial tema de reggae también cantando a cuatro voces llamado Unbelievable. El tercer tema es el primer sencillo, la estupenda Miracle Worder, un tema también reggae cantando a tres voces (Marley, Jagger, y Stone), y con unos estupendos coros de Rahman.
 

El cuarto tema es uno de los puntos álgidos del disco, el rockero tema Energy interpretado a tres voces (Marley, Stone y Jagger), y con un acompañamiento y solo de armónica muy bueno. Este estupendo tema da paso al que posiblemente sea el mejor de todos, la impresionante Satyameva Jayathe, un himno hindú, un mantra en el que Jagger canta incluso en sancrito. El tema es el enblema de la India el Leon de la capital de Asoka. El mismo león que es la portada de Superheavy.


El sexto tema es otro de los puntos álgidos del disco, la excelente balada One Day One Night, con ritmo de reggae en el que destaca el acompañamiento de teclados del genial músico hindú Rahman, con un solo buenísimo, y el duelo de voces entre Jagger y Stone hacia el final del tema. Acto seguido tenemos la balada acústica a lo Rolling Stone de Mick Jagger Never Gonna Change, es un buen tema pero es de los más flojos. Después de este pequeñísimo bajón tenemos el estupendo tema reggae con pinceladas pop Beautiful People, en el que destaca el genial estrivillo cantando por Jagger y Stone.





El noveno tema es Rock Me Gently, un tema que empieza lento y luego coge un poco de ritmo reggae, muy bien cantado a dos voces por Marley y Stone, y con un muy buen solo de guitarra eléctrica de Stewart. Luego tenemos el estupendo tema hard rockero a lo rolling stone I can't Take it no More cantando como siempre magistralmente por Jagger, y con unos coros de Joss Stone bastante buenos. Acto seguido tenemos otro tema reggae con pinceladas pop llamado I don't mind cantando por Jagger, Marley, y Stone que es un buen tema, pero también es de los más flojos del discos. Y por último tenemos la impresionante World Keeps Turning que cierra el disco a lo grande, un tema pop soulero cantado por Joss Stone, y en el que destaca el acojonante estribillo.





Para terminar esta reseña, cabe decir que hay una edición deluxe de este disco que contiene varios temas extras, como el estupendo tema hindú Mahiya, interpretado por Rahman, Stone, y Marley; el potente tema Warring people cantado a tres voces Jagger, Stone, y Marley, y en el que destaca el fragmento hindú cantado por Rahman hacia el 2:31 minutos; que bien estos dos temas podrían estar en el disco convencional, una lástima.


También está  Common Ground, un tema pop bastante bueno cantado por Stone, Marley, y Jagger; y el genial tema discotequero Hey Captain.


Se trata de un discazo, que me ha gustado, y que bien merece la pena, y mucho.



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/SuperHeavy
http://es.wikipedia.org/wiki/A._R._Rahman#.C3.93scar
http://www.plasticosydecibelios.com/superheavy-critica-favorable/

miércoles, 28 de septiembre de 2011

Especial Mejores Bandas de la Historia: R.E.M. 1ª Parte: Inicios, Crecimiento & Consolidación...

R.E.M. se formó en Athens, un pequeño pueblo universitario en el noreste del estado de Georgia, Estados Unidos. Descubriendo que tenían gustos musicales similares, el vocalista Michael Stipe (nacido el 4 de enero de 1960 en Decatur, Georgia) y el guitarrista Peter Buck (nacido el 6 de diciembre de 1956 en Berkeley, California) empezaron a trabajar juntos, y con el tiempo conocieron al bajista Mike Mills (nacido el 17 de diciembre de 1958 en el condado de Orange, California) y al baterista Bill Berry (nacido el 31 de julio de 1958 en Duluth, Minnesota). En abril del año 1980 la banda debutó bajo el nombre de Twisted Kites en la fiesta de cumpleaños de su amiga Kathleen O'Brien. Para el verano del mismo año, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M. Este nombre fue elegido aleatoriamente con la ayuda de un diccionario, y en realidad designa una fase del sueño (Rapid Eye Movement, en inglés, M.O.R Movimientos Oculares Rápidos, en español), que es aquella en la que ocurren los ensueños más profundos. En esta misma época, la banda conoció a Jefferson Holt, quien se convertiría en el mánager del grupo después de haber visto la primera actuación de la banda fuera de su estado (Georgia), concretamente, en Carolina del Norte. Más tarde, los miembros de la banda dejaron la universidad, con la firme intención de concentrarse en su carrera musical.

En el siguiente año y medio, la banda hizo una gira por todo el sur de su país, tocando una gran variedad de versiones. En este período, Peter Buck comenzó a desarrollar su distintivo estilo al mismo tiempo que Stipe comenzó a escribir sus primeras letras, muy enigmáticas y crípticas. En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio Free Europe", producido por Mitch Easter, que incluía como cara B la canción "Sitting Still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone Records (en realidad, el estudio casero de un amigo del grupo), del que apenas se editaron 1.000 copias. El sencillo se convirtió en un éxito inmediato en las radios independientes que tenían una gran influencia en colegios y escuelas de todo el sur. Las letras indescifrables de Stipe y su distintiva voz hicieron del sonido de R.E.M. un sonido único e inimitable en los tiempos que corrían.



Gracias a la favorable respuesta que obtuvo el single "Radio Free Europe", sellos discográficos independientes de mayor tamaño comenzaron a interesarse en la banda. Así, R.E.M. firmaron un contrato con I.R.S. Records, sello bajo el cual publicaron su primer EP, Chronic Town (así como sus primeros cinco álbumes de estudio). Para promocionar la grabación, la banda se fue a California y, una vez allí, grabó un videoclip para la canción "Wolves, Lower". No obstante, Michael Stipe no quedó contento con el resultado y optaron por no utilizar el vídeo para promocionar el EP.


El primer álbum de estudio, Murmur, fue lanzado en el año 1983. El disco debut obtuvo un gran apoyo por parte de la crítica, sin ir más lejos, la revista musical Rolling Stone declaró a Murmur el mejor álbum del año 1983, y, aún hoy en día la gran mayoría de los críticos consideran a Murmur uno de los mejores álbumes de los años ochenta. Por otra parte, el álbum también obtuvo un considerable éxito comercial, llegando al puesto número 36 en la lista de álbumes de Estados Unidos (Billboard 200). El primer single del disco fue "Radio Free Europe", que fue regrabado. También se encontraban en el mismo disco "Sitting Still" (anteriormente grabada como cara b del single "Radio Free Europe" "Hib-Tone" y "Talk About The Passion", que fue lanzado como single en el año 1988. Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. llegaron a hacer su primera aparición en la televisión, en el programa "Late Night With David Letterman", donde tocaron "Radio Free Europe" y "So. Central Rain (I'm Sorry)" (que después aparecería en su segundo álbum de estudio), si bien no tenía título cuando el grupo actuó en el programa ya mentado. 




Su segundo álbum de estudio, Reckoning, se publicó en el año 1984, después de haber sido grabado en un tiempo récord (sólo en doce días). De la misma manera que en el anterior trabajo, Stipe continuó escribiendo letras ambiguas y casi indescifrables. El primer single fue el ya mencionado "So Central Rain", y como segundo single la banda optó por "(Don't Go Back To) Rockville", canción compuesta por Mike Mills. Si bien el álbum fue criticado por ser poco comercial por parte de las radios principales (mainstream), las radios independientes acogieron cálidamente el álbum.

En Reckoning, Dixon y Easter buscaron capturar la energía del sonido en directo de R.E.M. Dixon no había visto a la banda tocar en directo antes de trabajar en Murmur; tras que lo hizo, tuvo una visión más acertada de los puntos fuertes y débiles de la banda. Dixon quiso que las guitarras sonaran más similares a como la hacían en los conciertos, pero hubo resistencia por parte del grupo y la discográfica. Sin embargo, en el tiempo que R.E.M. empezó a grabar, Dixon dijo que el grupo «quería rockear un poco más». 





Dixon estaba enamorado de la técnica de grabación biaural e hizo amplio uso de ella en el álbum. Easter recuerda que Dixon «hizo esta clase de cabeza biaural falsa con una caja de cartón y puso dos micrófonos en ella» para grabar al grupo. En la opinión de Easter, el método hizo que las parte del baterista Bill Berry tuvieran un «sonido más fresco». Este tipo de grabación también permitió que la voz del bajista Mike Mills sonara fuerte sin tapar la de Stipe. Dixon explicó que «Mike Mills solía cantar a doce o quince pasos de los micrófonos que grababan su parte, pero como estaba en un estudio con campo biaural, tendemos a escucharlo detrás [de Stipe]».
El biógrafo David Buckley comentó: «Mientras que la música dejó de tener esa vaga sensación de falta de aire de Murmur, su temática era un poco más oscura». Buck comentó en una entrevista de 1988 que las imágenes sobre el agua eran abundantes en el álbum. Buckley interpretó que estas imágenes representan el cambio que el repentino éxito de la banda produjo, como así la cambiante escena musical de Athens, Georgia, su ciudad natal. La canción «Camera» hace referencia a un amigo del grupo de Athens que murió en un accidente automovilístico. Easter comentó: «La voz de Stipe estaba muy expuesta en el tema y debido a eso, realmente podía mostrar algunas imperfecciones técnicas con respecto al tono». El productor trató de que Stipe cantara una toma mejor, pero el cantante estaba concentrado en transmitir correctamente el mensaje de la canción y llegado un punto se negó a seguir grabando. Si bien muchas canciones del álbum eran composiciones nuevas, algunas habían estado en el programa de conciertos de R.E.M. durante años. En particular, «Pretty Persuasion» y «(Don't Go Back To) Rockville» se había tocado desde octubre de 1980. La banda era reacia a grabar la primera, ya que la consideraba demasiado vieja, pero Dixon y Easter convencieron al grupo para hacerlo. R.E.M. originalmente quería lanzar «(Don't Go Back to) Rockville» como un sencillo sin álbum entre Reckoning y su siguiente disco. Cuando la grabó para el álbum, el grupo arregló la canción y le dio un estilo de música country en tributo a su abogado Bertis Downs, IV, un fan de dicho tipo de música.




Para el tercer álbum, Fables of the Reconstruction, la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica. Para ello, el grupo optó por viajar a Londres, justo a tiempo para disfrutar de un frío y húmedo invierno. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho más complicadas de lo que la banda había previsto. Surgieron grandes tensiones, que más tarde la banda consideró fruto del frío al que tan poco estaban acostumbrados y la nostalgia, y la banda estuvo a punto de romper. Estas circunstancias tan tristes y oscuras que rodearon las sesiones de grabación, a la postre proporcionaron al álbum una identidad propia, un álbum muy oscuro que difería mucho de sus anteriores trabajos. En cuanto a las letras del trabajo, Stipe comenzó a escribir unas letras más comprensibles y se centró en las fábulas e historias de la mitología sureña. Según Michael, en una entrevista que concedió en el año 1985, se inspiró en "la idea de ancianos sentados alrededor del fuego y contando leyendas y fábulas a sus nietos".







Para su cuarto álbum la banda quedó poco satisfecha con Fables of the Reconstruction y cambiaron a un rumbo un poco más alegre y pop, de aquí nació Lifes Rich Pageant. Este álbum tuvo buena respuesta con sus sencillos "Fall On Me" y "Superman", que se convirtieron en éxitos en la lista US Mainstream Rock llegando al #5 y #17, respectivamente.




Tras el ligero éxito de Lifes Rich Pageant, R.E.M. lanzó el álbum Document. Éste se convirtió en su primer disco de platino y el mejor hasta la fecha llegando al número #10 en el Billboard 200 y en el #28 en la lista del Reino Unido, y The One I Love alcanzó el número 9.

Algunas canciones del álbum hacen referencia a la situación de Estados Unidos en la época en la que se lanzó el disco, como el excepticismo americano surgido durante la era de Ronald Reagan, especialmente en relación a la situación con Irán.

La canción "Strange" fue originariamente grabada por la banda pos-punk Wire, aunque se hicieron algunas modificaciones en la letra.





Aunque "The One I Love" y "Finest Worksong" se convirtieron en éxitos, el favorito de los fans se convirtió su canción apocalíptica "It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)". Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros., el contrato más caro de ese tiempo, ya que el que los unía a I.R.S. había terminado.



Su sexto álbum, Green fue lanzado en noviembre de 1988. Green fue el primer álbum de R.E.M. en que dos canciones suyas llegaron al número 1 en el Modern Rock Tracks norteamericano, fueron "Orange Crush" y "Stand".

Tras el lanzamiento de su álbum Document, los R.E.M. habían cumblido su contrato con I.R.S. Records y decidieron hacer un contrato con una empresa de mayor renombre para también promocionarse fuera de los Estados Unidos. En 1988 R.E.M. firmó un contrato de 10 millones de dólares con la empresa Warner Bros. Records por sus próximos 5 álbumes. En los términos del contrato se establecía que todas las canciones del grupo serían propiedad de la empresa. Green fue el primer álbum con Warner Bros. y llevó cuatro meses grabarlo y mezclarlo. Finalmente se publicó el 7 de noviembre de 1988. Un día anterior de las elecciones estadounidenses de 1988.




También fueron éxito (pero en menor medida) el sencillo "Pop Song 89", y "Turn You Inside Out". Después de este álbum, la banda se fue de gira.



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/R.E.M.#Inicios_.281980.E2.80.9382.29
http://es.wikipedia.org/wiki/R.E.M.#Crecimiento_y_consolidaci.C3.B3n_.281982.E2.80.931989.29
http://es.wikipedia.org/wiki/Reckoning
http://es.wikipedia.org/wiki/Document
http://es.wikipedia.org/wiki/Green_%28%C3%A1lbum%29

martes, 27 de septiembre de 2011

Interpretaciones en lengua no inglesa ganadoras del premio Oscar...


En este especial trataremos aquellos actores y actrices que han sido galardonados con el premio Oscar por realizar una interpretación en habla no inglesa en la historia del cine. Grandes interpretes, algunos europeos, algunos sudamericanos, y algunos hasta norteamericanos, siete en total que, a lo largo de la historia del celuloide, deleitaron a propios y extraños con su interpretación, y pasando a la historia...





SOFIA LOREN por Dos Mujeres [La ciociara] (1960) de Vittorio de Sica (ITALIANO)...

Sofía Loren, es una actriz italiana ganadora de unos 50 premios internacionales, entre ellos dos premios Oscar (uno de ellos honorífico), un premio BAFTA y varias nominaciones a los Globos de Oro. Su carrera inició en 1950, cuando fue descubierta por el productor Carlo Ponti, más tarde su marido. Desde entonces ha actuado en decenas de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica cinematográfica, entre las que destacan producciones como El pistolero de Cheyenne, Dos mujeres (por la cual ganó 22 premios, entre ellos su primer Oscar) y El Cid.

Es una de las actrices más destacadas de la segunda mitad del siglo XX y considerada como uno de los Mitos del séptimo arte. En 1999, el American Film Institute la nombró una de las intérpretes más importantes de todos los tiempos y una de las últimas leyendas supervivientes del cine clásico de Hollywood.

 
En la película italiana de Vittorio de Sica "Dos Mujeres", ella encarna a una madre, violada junto con su hija, durante la Campaña de Italia (1943-45). Ganó 22 premios de interpretación, entre ellos los más prestigiosos: los de mejor actriz en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, así como el premio Oscar. Fue la primera persona que lo ganaba con una actuación en un idioma no inglés.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Sophia_Loren
http://www.filmaffinity.com/es/film122819.html 


ROBERT DE NIRO por El Padrino II Parte [The Godfather: Part II] (1974) de Francis Ford Coppola (ITALIANO)

Robert de Niro está considerado como uno de los actores más importantes del cine estadounidense. Ganador de dos premios Óscar, es ampliamente conocido por sus papeles de gángster y de personajes conflictivos y turbulentos, así como también uno de los más versátiles y camaleónicos, ya que ha interpretado personajes de toda clase de géneros, así como de terror, drama, e incluso de comedia. Entre sus interpretaciones más importantes se encuentran: el joven capo de la mafia siciliana, Vito Corleone, en El Padrino II; Travis Bickle, un perturbado taxista en Taxi Driver; el soldado Michael Vronsky en The Deer Hunter; el boxeador Jake La Motta en Toro salvaje; David Noodles Aaronson en Érase una vez en América; el mafioso Jimmy Conway, en Goodfellas; un paciente catatónico en Despertares; Max Cady, un peligroso ex-convicto en El Cabo del Miedo; Sam "Ace" Rothstein, el jefe de un casino de la mafia, en Casino o la interpretación de Al Capone en el film de Brian de Palma: Los intocables.

En 1974, De Niro participó en El Padrino II, dirigida Francis Coppola, en el papel del joven Don Vito Corleone. En la primera entrega este personaje fue interpretado por Marlon Brando y de hecho se negoció con el actor para que volviese a interpretar el papel en la segunda parte, pero debido a que tenía problemas con la productora, rechazó el papel. Su actuación le dio su primer Óscar al mejor actor de reparto, y es el primer actor estadounidense en haber sido galardonado por realizar una interpretación en habla no inglesa.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_De_Niro


ROBERTO BENIGNI por La Vida es Bella [La vita è bella] (1997) de Roberto Benigni (ITALIANO)

Roberto Benigni, es un actor y director italiano de cine y televisión. Casado con la también actriz Nicoletta Braschi, Benigni ganó un Óscar al mejor actor en 1998 por su papel protagonista en La vida es bella (1997). Con ella, no sólo consiguió el habitual y estrepitoso éxito de público, sino que también numerosos reconocimientos internacionales entre los cuales cabe destacar el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y tres Oscar (mejor actor, mejor película extranjera y mejor banda sonora). 

En ella interpreta a Guido, un hombre italiano descendiente de judíos, que vive en Arezzo en 1939. Con el ambiente de fondo de la Segunda Guerra Mundial, el poder fascista y el antisemitismo; él, su hijo, su tio, y su esposa son recluidos en un campo de concentración. Viendo la terrible situación, Guido decide hacer creer a su hijo Josué que todo se trata de un juego en el que sólo ganará si no se deja ver por los "gruñones" guardias alemanes. Para ello, cada día inventa nuevos juegos en los cuales dice ganar puntos para conseguir el premio final "un tanque".

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Roberto_Benigni
http://es.wikipedia.org/wiki/La_vida_es_bella

BENICIO DEL TORO por Traffic [Traffic] (2000) de Steven Soderbergh (ESPAÑOL en parte)

Benicio del Toro, es un actor puertorriqueño ganador del Premio Óscar, Globo de Oro, SAG, BAFTA y ganador del premio al mejor actor en el Festival de Cannes. Es conocido por papeles como Fred Fenster en The Usual Suspects, Javier Rodríguez en Traffic, Jack "Jackie Boy" Rafferty en Sin City, Dr. Gonzo en Fear and Loathing in Las Vegas, Franky Four Fingers en Snatch y Che Guevara en Che, el argentino, entre otros. Es el tercer puertorriqueño en ganar un premio Óscar.
En Traffic de Steven Soderbergh hizo de Javier Rodriguez —un policía mexicano de la frontera que lucha por permanecer honesto en medio de la corrupción y el engaño del trafico ilegal de drogas— del Toro, diciendo gran parte de su diálogo en español, realizó una interpretación notable por la que consiguió su primer premio Óscar como Mejor actor de reparto.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Benicio_del_Toro




MARION COTILLARD por La Vida en Rosa [La Vie en Rose (Edith Piaf)] (2007) de Olivier Dahan (FRANCÉS)

Marion Cotillard es una actriz francesa ganadora de los premios Óscar, BAFTA, César y Globo de Oro por su interpretación de Édith Piaf en la película La vida en rosa. Es la única persona que ha ganado un Óscar a la mejor actriz por una película francesa. 

Proveniente de una familia de artistas, comenzó desde pequeña a trabajar como actriz, su madre es actriz; su padre, director; ambos profesores de arte dramático y tiene dos hermanos gemelos, Quentin, escultor y Guillaume, escritor. Su primo Laurent Cotillard, dirigió además su primera obra Y a des nounous dans le placard.

En 1994, ganó el primer premio del Conservatorio de Arte Dramático de Orleáns.
Y comenzó a intervenir en series televisivas como Highlander o Extrême Limite, y más tarde en el cine con la película La Belle Verte, aunque fue con Taxi con guion de Luc Besson y dirigida por Gérard Pirès con la que se dio conocer al gran público y que le supuso su primera nominación al César a la mejor actriz revelación. Su papel en esta película le sirvió para trabajar en producciones como La Mouette o Les Jolies Choses, con la que obtuvo una nueva nominación a los Premios César, consiguiendo en 2005 ganar el César a la mejor actriz de reparto por Largo domingo de noviazgo, de Jean-Pierre Jeunet.

En "La vida en rosa" interpreta magistralmente a Edith Piaf, icono de la música francesa, una mujer que creció en medio de la pobreza, rodeada de espectáculos callejeros, prostitutas y padrotes, quien, gracias a su apasionada lucha por sobrevivir y amar, se convirtió en una estrella mundial.

Fuentes: 
http://es.wikipedia.org/wiki/Marion_Cotillard
http://es.wikipedia.org/wiki/La_vida_en_rosa

PENÉLOPE CRUZ por Vicky Cristina Barcelona [Vicky Cristina Barcelona] (2007) de Woody Allen (ESPAÑOL en parte)

Penélope Cruz es una actriz española ganadora del Óscar, dedicada a papeles de cine. Su filmografía incluye múltiples películas en lengua española y un número creciente en otros idiomas: inglés, italiano y francés. Varias de estas producciones han alcanzado un éxito considerable en Europa y América, y han proporcionado a la actriz otros grandes premios, además del Óscar, de carácter nacional e internacional: tres Premios Goya, un Premio BAFTA británico, y el Premio David de Donatello italiano.

Penélope Cruz es la única actriz española que ha conseguido estabilizarse y trabajar con continuidad en Hollywood. En 2006 fue la primera actriz española candidata a los Premios Óscar de la Academia de Hollywood y a los Globos de Oro en la categoría de mejor 
intérprete femenina protagonista, por su papel en la película española Volver, dirigida por el cineasta español Pedro Almodóvar. En esa ocasión no obtuvo el Óscar, pero en 2008 repitió candidatura y esta vez con éxito: se convirtió en la primera actriz española en conseguir un Óscar gracias a la película Vicky Cristina Barcelona dirigida por Woody Allen. Con esta película ganó además el premio BAFTA y su tercer Goya, y fue nominada a los Globos de Oro y al Screen Actors Guild. Penélope volvió a ser nominada al Óscar como mejor actriz de reparto de 2009 por su papel en Nine.

En la película de Woody Allen interpreta a Maria Elena, una mujer que estuvo casada con el pintor Juan Antonio (interpretado por Javier Bardem), con el que mantienen una relación poco convencional.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Pen%C3%A9lope_Cruz
http://es.wikipedia.org/wiki/Vicky_Cristina_Barcelona

CHRISTOPH WALTZ por Malditos Bastardos [Inglorious Bastards] (2009) de Quentin Tarantino (FRANCÉS, INGLÉS, ALEMÁN, e ITALIANO)

Christoph Waltz es un actor austriaco, quien también tiene ciudadanía alemana. Ha ganado, entre otros, los premios Óscar, Globo de Oro, BAFTA y del Festival de Cannes por su trabajo en Inglourious Basterds (2009), del director Quentin Tarantino.

Estudió interpretación en el Max Reinhardt Seminar de Viena y en el Lee Strasberg Theatre Institute de Nueva York. Empezó como actor de teatro en escenarios como el Schauspielhaus Zürich, el Burgtheater y durante el Festival de Salzburgo.
Su primera película fue Feuer und Schwert - Die Legende von Tristan und Isolde en el año 1982, aunque los mejores recibimientos tanto por parte del público como por parte de la crítica no llegaron hasta el año 2009, gracias a la interpretación del papel Hans Landa; un Standartenführer apodado Cazador de Judíos, en la película Inglourious Basterds del director Quentin Tarantino.
Su trabajo en dicha película fue reconocido en el Festival de Cannes, donde recibió el Premio al mejor actor y su primer premio Óscar. Cabe destacar que es el segundo actor austríaco, por detrás de Joseph Schildkraut, en ganar el Óscar al Mejor actor de reparto.

Tarantino reconoció la importancia de Waltz a su película diciendo: Creo que Landa es uno de los mejores personajes que he escrito y que escribiré, y Christoph lo interpretó a la perfección... Es cierto que si no hubiese encontrado a alguien tan bueno como Christoph, no podría haber hecho Inglourious Basterds.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Christoph_Waltz

lunes, 26 de septiembre de 2011

Viento del Este, Viento del Oeste... Una Novela de Pearl S. Buck

Viento del Este, Viento del Oeste (East Wind, West Wind) es la primera novela de la escritora estadounidense Pearl S. Buck publicada en 1930.

En ella nos encontramos una historia ambientada en China a finales del Siglo XIX. La conmovedora historia de una mujer joven oriental llamada Kwei-Lan, hija de una familia noble y distingida, apegada a tradiciones antiquísimas, y obligada a casarse con un joven médico cuya exquisita educación ancestral se ha desvanecido por la influencia de la cultura occidental. Él al principio la rechaza, pero luego, poco a poco, ella se va adaptando a las nuevas costumbres, y aceptarlas paulatinamente si desea conseguir el amor de su marido y comprender las díficiles situaciones familiares que provoca el contacto entre las culturas de Oriente y Occidente.

Huelga decir que la escritora vivió alrededor de cuarenta años en China, llevada por sus padres misioneros a sus tres meses de edad. Algo que hace que impregne todas sus obras con su experiencia personal. Un año después de escribir esta novela, ganó un premio Pulitzer por La Buena Tierra (The good Earth), llevada al cine en 1937 por Sidney Franklin, y galardonada con dos premios Óscar. También obtuvo en 1938 el premio Novel de Literatura.
A mi me gustó, pese a que el libro decae un poco hacia la mitad, es bastante ameno y entretenido, y no se hace para nada pesado. Con unos personajes interesantes, y una precisa ambientación. Está narrada de forma contenida y sutil, acercandonos a las costumbres orientales, y describiendo los conflictos que, de manera inevitable, surgen entre padres e hijos cuando las ideas occidentales penetran en los baluartes de la cultura china.








FRAGMENTO DEL LIBRO:

Cuando pienso en el pasado, creo que mi marido empezó a interesarse por mí a partir de aquella noche.

Parecía que hasta entonces no habíamos tenido nunca nada que decirnos, que nuestros pensamientos no se habían encontrado jamás, que yo no podía hacer otra cosa que mirarle sin comprenderle, y que él nunca hubiera llegado a posar sus ojos en mí. Si acaso nos habíamos dicho algo, fue con la cortesía que se emplea entre personas extrañas: yo, tímidamente; él con una corrección demasiado manifiesta para que yo pudiese tomarla por interés. Pero ahora tenía necesidad de él, y él, por fin, se acordaba de que yo existía.

Al hablarme me interrogaba, y mostraba interés en mis contestaciones; y yo que había sentido por él, hasta entonces, un amor palpitante, pero ofuscado, sentía ahora que le adoraba.

Nunca imaginé que un hombre pudiera inclinarse con tanta ternura a una mujer. Al preguntarle lo que debía hacer para liberar mis pies de sus ligamentos, creí que se reduciría a darme unas cuantas instrucciones. Por eso me extrañó muchísimo al verle aparecer con una palangana de agua caliente y un rollo de vendas. Estaba avergonzada: la idea de que iba a ver mis pies era insoportable; nadie los había visto desde el día en que tuve bastante juicio para cuidarme yo sola.
Me sentía como sobre carbones encendidos. Cuando, de rodillas ante mí, y la palangana a su lado, hizo un ademán para cogerme los pies, tuve la tentación de huir.

— No — dije débilmente — , lo haré yo misma.

— No te preocupes. Recuerda que soy médico.

De nuevo me negué. Él levantó la cara y me miró a los ojos fijamente.

— Kwei-lan — dijo con tono grave —. Sé lo que te cuesta hacer esto por mí. Pero permite que te ayude en lo posible. Soy tu marido.

Cedí sin reflexionar más. Me cogió un pie con sus dedos ágiles, quitó la sandalia, la media y, por último, la banda interior. Su rostro tenía una expresión triste y a la vez severa.

— ¡Cómo debes de haber sufrido! — murmuró con ternura —. ¡Qué triste infancia...! ¡Y todo inútilmente!

Al oír aquellas palabras, no pude retener las lágrimas. Sí, los sacrificios hechos no habían servido para nada. ¡Y ahora él me imponía otros!

Bajo los efectos de la inmersión y el desvendado, nuevas torturas empezaron para mis pies. El proceso de la distensión se reveló casi tan doloroso como el achicamiento con los ligamentos apretados. Poco a poco, la sangre comenzó a circular; y esto me produjo dolores insoportables. Había momentos en que, para mitigarlos un poco, me arrancaba las vendas ligeramente aplicadas para aplicarlas con fuerza. Pero inmediatamente pensaba que mi marido se daría cuenta y, con manos temblorosas, me quitaba de nuevo las vendas. No encontraba alivio más que sentándome sobre los pies, con las piernas cruzadas y balanceando el busto.

Fuentes: 
http://es.wikipedia.org/wiki/Pearl_S._Buck
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Buena_Tierra#Adaptaciones_cinematogr.C3.A1ficas
Fragmento extraido del propio libro.

jueves, 22 de septiembre de 2011

Lost (Perdidos)... Una Serie de J.J. Abrams, Damon Lindelof & Jeffrey Lieber

Lost (conocido en España como Perdidos y en algunos países de Hispanoamérica como Desaparecidos) fue una serie de televisión estadounidense que emitió American Broadcasting Company (ABC), (también en Fox y en España en Cuatro) entre 2004 y 2010, hasta completar un total de seis temporadas.

El episodio piloto fue escrito por Jeffrey Lieber, J.J. Abrams y Damon Lindelof, y dirigido por Abrams. Fue rodado en la isla de Oahu, Hawái, como el resto de la serie, convirtiéndose en el episodio más caro de la historia de la televisión. La serie terminó tras 121 episodios el 23 de mayo de 2010, con un episodio final emitido simultáneamente en nueve países.

miércoles, 21 de septiembre de 2011

Las Hijas del Frío... Una Novela de Camilla Läckberg

Las Hijas del Frío es la tercera novela escrita por la genial novelista sueca Camilla Läckberg. Forma parte del serial dedicado a los personajes de la escritora Erica Falck y el policía Patrik Hedström, la tercera junto con la aclamada "La princesa de hielo", y "Los gritos del pasado".

En la historia nos encontramos con la escritora Erica Falck y su novio, el detective Patrik Hedström, que acaban de tener un bebé y, lejos de vivir un momento de plenitud, viven sumidos en un estado de caos familiar: Erica está pasando por una depresión posparto, Patrik está agotado por su trabajo, la casa está hecha una pocilga y la relación se tambalea. Erica encuentra un punto de apoyo en su amiga Charlotte, también madre y también sumida en plena crisis existencial y matrimonial. La tragedia se produce cuando un pescador encuentra a la hija de Charlotte (Sara) ahogada en el mar. Cuando se descubre que la niña no murió de forma accidental sino que fue asesinada, empieza un periplo investigativo que sacará a la luz trapos sucios, viejas rencillas y secretos del pasado de los respetables habitantes de Fjällbacka.

Al mismo tiempo, la novela nos va desgranando, de forma paralela, una historia ambientada en los años 20, la vida de una malcriada chica joven de clase alta llamada Agnés, que de alguna forma u otra tiene relación con los acontecimientos de la trama actual de los personajes.

A decir verdad, a mi me gustó mucho esta novela, de las tres que he leído de Camilla Läckberg, esta es sin duda alguna, la que más me ha gustado y la que más me ha enganchado. Quizá sea por esa maravillosa y terrible historia ambientada en los años 20, o quizás sea por ponerme en la piel de Patrick Hedström, y lo duro que le resultan sus primeros días como padre; o quizás sea por el complejo entramado de personajes, cada uno con sus historias, todas ellas entrelazadas entre sí.

Huelga decir que es una muy buena novela, muy recomendable, y en la que se nota la experiencia y tablas adquiridas por esta genial escritora, con unas descripciones precisas y bien narradas.

FRAGMENTO DEL LIBRO:

La pesca de la langosta no era lo que había sido en otro tiempo. Antiguamente, los que trabajaban duro para capturar el marisco negro eran pescadores profesionales. Ahora, en cambio, eran los veraneantes quienes, durante una semana, pescaban langostas para satisfacción propia y exclusiva. Y tampoco acataban las normas. El había visto de todo a lo largo de los años. Cómo sacaban discretamente un cepillo con el que retirar las huevas de las hembras y hacerlas parecer legales, cómo vaciaban las cubetas ajenas e incluso buceadores que se sumergían para coger con sus propias manos las langostas de las cubetas de los demás. A veces se preguntaba adónde iría a parar todo cuando ni entre los pescadores de langosta quedaba el menor atisbo de honor. En una ocasión, al menos, le dejaron una botella de coñac en la cubeta cuando la saco vacía, en lugar de con cualquiera sabe cuántas langostas que habrían desaparecido de su interior. Aquel ladrón, por lo menos, dio muestras de algo de honradez o, en su defecto, de sentido del humor.

Frans Bengtsson suspiró profundamente mientras revisaba las cubetas, pero se animó al ver que en la primera ya había dos magníficos ejemplares. Tenía buen ojo para saber dónde encontrarlas y conocía algunos lugares privilegiados donde podía llenar sus tinas con la misma buena pesca año tras año.

Después de haber llenado tres cubetas, tenía ya una cantidad considerable del codiciado marisco. Él no comprendía exactamente por qué tenía un precio tan escandaloso. No por que no le gustase, pero, si le daban a elegir, él prefería cenar arenque. No sólo estaba más rico, sino que, además, tenía un precio más razonable. Pero el dinero que sacaba pescando langosta era un extra que le venía muy bien añadir a la pensión en aquella época del año.

La última cubeta pesaba bastante y apoyó el pie contra la falca del barco para aumentar la estabilidad a la hora de sacarla. Poco a poco, fue notando cómo subía y esperaba que no hubiese sufrido ningún daño. Miró por la borda de su vieja barca para ver en qué estado aparecía. Pero no fue la cubeta lo primero que vio. Una blanca mano hendió las inquietas aguas y, por un instante, le pareció que señalaba al cielo.

Su primer impulso fue soltar la cuerda que sostenía en la mano y dejar que, fuese lo que fuese aquello que descansaba bajo la superficie del agua, volviese a desaparecer en las profundidades junto con la cubeta llena de langostas. Sin embargo, enseguida le pudo la experiencia y empezó a tirar otra vez de la cuerda que estaba atada a la cubeta. Su cuerpo conservaba aún gran parte de su vigor de antaño, y no le vino mal, pues se vio obligado a tirar con todas sus fuerzas para subir su macabro hallazgo por la borda. Cuando el cadáver pálido, exánime y empapado cayó de golpe sobre la cubierta, perdió el aplomo. Había sacado del agua el cuerpo sin vida de una menor, una niña, con los largos cabellos adheridos al rostro y los labios tan violáceos como los ojos, que ahora se clavaban invidentes en el cielo.

 
Fuentes:
http://www.ciao.es/Las_hijas_del_frio_Camila_Lackberg__Opinion_1732327
Fragmento extraido de la propia novela.

martes, 20 de septiembre de 2011

Especial Mejores Bandas de la Historia: Led Zeppelin 2ª Parte: Álbums posteriores & Disolución...

Después del gran éxito del cuarto álbum, la banda lanzó Houses of the Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, que supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción "Houses of the Holy" fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo.

Este ábum rompió con la tradición de los discos anteriores; en primer lugar, es el primero con un título o al menos un título "pronunciable". Pero también marca un cierto distanciamiento con la fuerte vena blues que había impregnado anteriores trabajos, a cambio de abrirse a otros estilos como el reggae o el soul. La cara A seguía por el camino iniciado con "Stairway To Heaven": riqueza de instrumentación, melodías clásicas y canciones épicas.

Houses Of The Holy debía tener un diseño impactante, así que el grupo recurrió a Hipgnosis, un colectivo fundado por Storm Thorgerson, autor de la mayoría de las portadas de Pink Floyd (Atom Heart Mother, Dark Side Of The Moon, etc.). La colaboración no tuvo buen comienzo, según Page:

"Les habíamos encargado el diseño de Houses Of The Holy y este tío, Storm, vino con una foto de una pista de tenis verde eléctrico y una raqueta. Yo dije '¿Qué demonios tiene esto que ver?' y él dijo: 'Raqueta, ¿no lo pillas?'. Le respondí: '¿Me estás diciendo que nuestra música es una raqueta? ¡Lárgate!'. No le volvimos a ver. Acabamos haciendo el trabajo con otro de los artistas. ¡Ese tipo tenía cojones! Imagínate, en la primera cita con un cliente."

Sin embargo los problemas con la portada no acabaron ahí, y un error en la impresión alteró los colores originales. Los niños que aparecen subiendo una montaña representan la expectación por la música del disco, y la foto la realizó Aubrey Powell en la Calzada del Gigante (Condado de Antrim, Irlanda del Norte). También tomo la enigmática foto del interior, que muchos identifican con un sacrificio humano. En cualquier caso, parece que Powell se inspiró en un libro de ciencia ficción llamado Childhood's End.

La portada del disco fue prohibida en algunos países, entre ellos España.



La gira de presentación del disco fue multitudinaria, consiguiendo en un concierto en Florida la cifra de 56.800 espectadores, superando el récord anterior ostentado por The Beatles, ingresando ese día 309.000 dólares.

Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records. El nombre de la compañía viene de una de las pocas canciones inéditas del grupo. A partir de ese momento, la banda hizo todas sus grabaciones bajo este sello. El logotipo de la compañía, que reproduce al dios griego Apolo, se convirtió en el símbolo de Led Zeppelin, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de la banda a partir de entonces. Dicha compañía fue rentable durante la vida de Led Zeppelin, aunque tres años después de la separación de la banda, el sello tuvo que cerrar. 



Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, dedicándose a realizar colaboraciones, componer canciones y a otros muchos asuntos no tan relacionados con la música.




El 24 de febrero de 1975 se publicó Physical Graffiti, el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como "Kashmir", de la que Robert Plant dijo que era la canción definitiva de Led Zeppelin, incluía material descartado de álbumes anteriores. Este álbum es considerado uno de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 


Salió al mercado casi dos años después de Houses of the Holy y despejó, si las había, las dudas sobre la entidad de este grupo de rock. Es el segundo álbum más vendido de la banda, tras Led Zeppelin IV.

Led Zeppelin colocó simultáneamente este disco en el primer puesto de las listas estadounidenses y británicas y, poco después, sus seis discos publicados estuvieron de forma simultánea en la lista de los 200 mejores álbumes, algo que nunca antes había sucedido.

Se trata de su primer álbum doble. Varias de las canciones del disco, sobre todo Kashmir e In My Time Of Dying (que recuerda las prolongadas canciones de blues que grabaron en sus comienzos), se convirtieron en indispensables en los conciertos. Por todo el disco se pueden ver tonos funky en la composición rock, como en Trampled Under Foot.



En su gira británica tuvieron una serie de cinco actuaciones en el estadio Earl's Court de Londres, con capacidad para 21.000 personas.


1975 supuso la coronación de Led Zeppelin como una de las mejores bandas de rock de la historia, tanto por la crítica como por las actuaciones en directo de ese año, que fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte. El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976.





Fue en este año en el que se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Múnich y Malibu, en California, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum fue recibido con diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, "Achilles Last Stand", su tema favorito con sus más de 10 minutos. El tema fue inspirado en parte por el accidente automovilístico que tuvo Robert Plant, quebrándose el tobillo.




El disco alcanzó el nº 1 en la lista de discos pop publicada por la revista Billboard, aunque nunca fue tan exitoso como los tres álbumes anteriores, vendiendo únicamente tres millones de copias en Estados Unidos y siendo calificado por la crítica como el peor trabajo discográfico de la banda. Paradójicamente, el disco contiene algunos temas magnífcos como Nobody's Fault But Mine, Tea For One, o Achilles Last Stand, considerado para algunos el segundo mejor tema de la banda, después de Stairway to Heaven.





Posteriormente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same, banda sonora de la película documental del mismo nombre, dirigida por Peter Clifton y Joe Massot, la cual muestra unas actuaciones en el Madison Square Garden de New York (27, 28 y 29 de julio) durante el tour de 1973, que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda. La portada del álbum nuevamente fue creada por Hipgnosis. Sin embargo, el disco caló negativamente en el Reino Unido debido al potente auge de las nuevas bandas de punk británicas, considerándose a la banda como "obsoleta".

La película está considerada como uno de los mejores documentales sobre bandas de Rock y conciertos. Lo que la hace especial es que incluye escenas de detrás de los bastidores, muchas de índole personal, que poco tienen que ver con el maravilloso concierto en sí, y lo que podría decirse que convierte a este film en un documental son las escenas en las que se manifiestan las fantasías de los cuatro integrantes de la banda, a modo de película, unas escenas maravillosas: 

Robert Plant se convierte en un guerrero medieval en busca de su personal Santo grial; Jimmy Page se sumerge en una aventura en busqueda de un viejo druida para que le enseñe cómo conseguir sabiduría; John Bonham pone de manifiesto su pasión por la velocidad; John Paul Jones se convierte en un cazador de brujas con una personalidad retorcida aparentando normalidad; y Peter Grant (Manager) se ve sumergido en un duelo de gangsters al más puro estilo del cine negro.
 

Estas escenas están rodadas de forma espectacular, considerando, evidentemente, que se trata de un documental de música.


 

Y como en cualquier documental de música que se precie, lo más importante acaba siendo… eso precisamente, la música, la banda en estado puro. Un concierto magnifico, las canciones seleccionadas, fantasticas, un espectacular comienzo del concierto con “Rock n’ Roll”, y sobre todo, las canciones “Black Dog”, “The Song Remains The Same”, canción que da título al documental, “Dazed & Confused”, “Heartbreaker”, el solo de batería magistral de Bonham en “Moby Dick” y como no, “Stairway to Heaven” canción bandera del grupo.



Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal. Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, concretamente al del grupo ABBA en Estocolmo, para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a la heroína y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor, John Paul Jones fue su principal valedor, escribiendo para este proyecto 6 de los 7 temas. Dos canciones del álbum ("South Bound Saurez" y "All My Love"), fueron las únicas canciones en la historia de la banda para las cuales no participó Jimmy Page en la escritura. Además, debido al problema de alcoholismo de John Bonham muchas de las canciones fueron grabadas en sesiones ajenas entre los miembros de la banda; con Plant y Jones trabajando durante el día y agregándose las partes de Page y Bonham durante las noches. Para "All My Love", Bonham, le pidió ayuda a Jeff Porcaro de Toto.



Para la portada, obra de Hipgnosis, Page obligó a que recrearan un bar de Nueva Orleans, el viejo "Absenta", donde en 1918 Aleister Crowley escribió un poema mientras esperaba a una chica, momento que se recrea en una fotografía tomada desde seis perspectivas distintas, en tono ocre, en la que el personaje principal quema un papel, rodeado de prostitutas. Page conoció allí a su mujer y cuando el grupo se encontraba tocando en la ciudad solían acudir allí a emborracharse. Cuando se inundó la ciudad los tres miembros supervivientes le dedicaron un homenaje en su página web. 




En la gira de 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120.000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces. Durante esta época, Robert Plant había estado pensando en abandonar la banda debido al cansancio ocasionado por la gira de 1979, aunque Peter Grant consiguió convencerlo para continuar. Dicha gira se extendió hasta 1980, cuando Bonham tuvo que ser ingresado en un hospital de Núremberg, Alemania, debido a una indigestión, aunque la prensa especuló con las drogas y el alcohol como posibles causas. La banda acabó la gira en Berlín el 7 de julio del mismo año.



Con la llegada de 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciando un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizado ya que el día 25 de septiembre fue la fecha más trágica en la historia del grupo: John Bonham murió en Boleskine House, la mansión de Page, asfixiado por la aspiración accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol. No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado.

La idea de continuar nunca se cruzó por la mente de los restantes integrantes de la banda a pesar de los rumores de la incorporación de nuevos bateristas. Elaboraron un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él.

Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el álbum Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda.

 
La importancia de Led Zeppelin se observa claramente en el gran número de bandas que se consideran influidas por ellos. Entre ellas cabe destacar a Wolfmother, Tool, Stone Temple Pilots, Rage Against the Machine, Blind Melon, The White Stripes, Kingdom Come o Living Colour, así como sentar parte del estilo sobre el que se cimenta el hard rock heredado por el grunge en la década de 1990. Tal ha sido la influencia de la banda en la historia del rock que han sido diversas las formaciones creadas en tributo a Led Zeppelin, entre las que hay que destacar Dread Zeppelin, Get the Led Out o Lez Zeppelin, integrada enteramente por mujeres. Led Zeppelin también está considerada como la banda que allanó el camino a las posteriores bandas de heavy metal setentero, como Deep Purple o Black Sabbath.



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin#Houses_of_the_Holy.2C_Swan_Song_y_Physical_Graffiti_.281973-1975.29
http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin#Presence_y_In_Through_the_Out_Door_.281976-1979.29
http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin#Disoluci.C3.B3n_de_la_banda_y_Coda_.281980-1982.29
http://es.wikipedia.org/wiki/Houses_of_the_Holy_%28%C3%A1lbum%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Physical_Graffiti
http://es.wikipedia.org/wiki/Presence
http://es.wikipedia.org/wiki/Achilles_Last_Stand
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Song_Remains_The_Same_%28%C3%A1lbum%29

http://www.atp.com.ar/post/Cine_y_TV/201345/The_song_remains_the_same-Led_Zeppelin_-_La_pelicula_1_Link.html 
http://es.wikipedia.org/wiki/In_Through_the_Out_Door_%28%C3%A1lbum%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin#Influencias

lunes, 19 de septiembre de 2011

Especial Cine de Zombies... 4ª Parte: El Zombie Infectado & La Década del 2000

En las tres entradas anteriores, habíamos denominado tres tipos de zombies según la época de aparición y sus características, los “clásicos” (para ver esa entrada, haz click AQUÍ), los “modernos” (para ver esa entrada, haz click AQUÍ), y los “spaghetti-zombies” que forman parte de los “modernos”, aunque son de origen italiano (para ver esa entrada, haz click AQUÍ). 

Huelga decir que en la actualidad aun se hacen películas donde sale el "zombie moderno" ideado por George A. Romero, pero a partir del nuevo milenio (el año 2000), y más concretamente con el film de Danny Boyle "28 días después" (2002), el "zombie moderno" tuvo una evolución, y hubo una serie de films, a lo largo de la primera década del Siglo XXI, que tendría como principal característica a este tipo de "zombie moderno" evolucionado, llamado "zombie infectado".