martes, 21 de mayo de 2013

Recordando la Música de los '60s (Parte 3)

Seguimos con los especiales que, a lo largo de todo este año 2013, rescataremos del olvido grandes discos conocidos o no, de la prolífica década de los sesenta.

THE BEATLES - Abbey Road 1969
Vio la luz con anterioridad a "Let it be", pero en realidad, el extraordinario "Abbey Road" fue la última grabación de la inmortal banda de Liverpool, concluyendo de manera magistral la trayectoria del mejor grupo de la historia. 

El enfoque musical para el álbum de los componentes era muy distinto. John, continuando las pautas de los cortes grabados para "Let it be", deseaba un disco cuyo basamento fuese la vuelta a las raíces más básicas del rock'n'roll y el blues, mientras que Paul ansiaba la grabación de un disco más complejo que rememorara los logros del "Sgt. Peppers".

Por su parte, George, cansado de permanecer a la sombra de los dos grandes genios, y después de ya haber grabado los discos experimentales "Wonderwall Music" y "Electronic Sound", deseaba volar en solitario no sin antes dejar su brillante impronta compositiva en este LP. 

Esa constancia en las pautas básicas del rock llevaron a Lennon a componer temas como "Come Together", una canción dominada por una base de blues que John compuso para la campaña del político Timothy Leary, aspirante a Gobernador del estado de California. El tema fue acusado de plagio por Maurice Levy, propietario de Big Seven Music que inculpaba a Lennon del empleo de varias frases aparecidas en el tema de Chuck Berry "You can catch me", canción que finalmente y en beneficio económico de Berry y Levy, fue incluido en el posterior Lp "Rock'n'roll" del Beatle en solitario.

El cimiento blues vuelve a asomar en "I Want Tou (She's so heavy)", tema dedicado a Yoko Ono que cuenta con una insistente letra y una hipnótica parte final de abrupta conclusión.

Otro corte destacado compuesto por John es "Because", una mágica y bella composición en la que se aprecia la maestría del grupo en la utilización de las armonías vocales.

George sorprende con dos de sus mejores composiciones. La preciosa balada "Something", canción dedicada a su esposa Pattie Boyd que se ha convertido en uno de los mejores temas de amor de todos los tiempos. Pattie se casó con posterioridad con uno de sus mejores amigos, Eric Clapton. Curiosamente fue en el jardín de Clapton en lugar en el que Harrison escribió "Here Comes The Sun", hermosa pieza acariciada por la delicada voz de su autor.


Es destacable la utilización en algunos temas ("Maxwell's Silver Hammer", "I want you", "Here comes the sun" o "Because") del sintetizador Moog por parte de George, un elemento que por aquellos tiempos raramente se utilizaba en la música pop (uno de los primeros en utilizarlo fue Keith Emerson), lo que demuestra una vez más su indiscutible capacidad de innovación.

Ringo, por su parte, nos deleita con una simpática tonada de corte infantil, "Octopus's Garden", canción en la que recordaba las historias de pulpos que le contó un capitán de barco en unas vacaciones pasadas en la Isla de Cerdeña.

Paul, el mayor artífice del grueso del album, también retoma las patrones de "Let it be" en "Oh! Darling", gran canción blues de desgarrada vocalidad. Su pasión por el vodevil, heredada de su padre, se plasma en "Maxwell's Silver Hammer", un tema en el que incluso utilizan el sonido de un yunque golpeado por Ringo.

"You never give me your money" da inicio al glorioso medley final, obra básicamente de Macca, quien intentó realizar una especie de mini-ópera pop en donde se encuentran eclécticos ritmos y sonoridades. La propia "You never give me your money" está fragmentada en cuatro partes: "You never give me you money", "That magic feeling", "One sweet dream" y el final con "1,2,3,4,5,6,7...all good children go to heaven".



Posteriormente vendrán las lennonianas "Sun King", onírica pieza con John chapurreando varios idiomas, entre ellos el español; "Mean Mr. Mustard", canción en la que Paul utiliza el fuzz bass, y la rítmica "Polythene Pam", tema dedicado a una fan de Liverpool llamada Pat Hodgett que tenía como singular afición comer pedacitos de polietileno.

Paul continúa el medley con "She came in through the bathroom window", canción escrita en homenaje a las "Apple Scruffs", admiradoras del grupo que los acosaban insistentemente en la puerta del estudio o pululando cerca de sus hogares. La historia fabula sobre un hecho real acaecido cuando un grupo de fans entraron en casa de Paul por la ventana de su cuarto de baño.

"Golden Slumbers" es una preciosa balada que McCartney adaptó con su extraordinario sentido de la melodía, tras hallar en casa de su padre la canción tradicional del mismo título. Esta pieza enlaza con "Carry that weight" y de nuevo un fragmento de "You never give me your money", preludio de "The End", canción que contiene el único solo de batería de Ringo en toda su trayectoria con los Beatles y que era la indicada para poner punto y final a su carrera sino fuera por la inclusión de "Her majesty", exigua coda acústica escrita por Paul que, en principio, iba a unir "Mean Mr. Mustard" y "Polythene Pam", y tras ser desechada por el propio McCartney fue incluida al final de la cinta por Geoff Emerick.

Cuando sonó de manera sorprendente tras "The End", los Beatles decidieron dejarla en el álbum, uno de los grandes logros en la historia de la música moderna.





STATUS QUO - Picturesque Matchstickable Messages from Status Quo 1968
Quien conozca a los Status Quo practicantes de su exitoso boogie rock se quedaran sorprendidos con este primer disco, debut psicodélico del grupo británico que presenta claras influencias de los grupos punteros de la época como Beatles, los Hollies de "Butterfly" y especialmente los Bee Gees de "Horizontal" y "Odessa", a los que versionan con el famoso tema "Spicks and Specks".

Un atractivo sonido lisérgico con un fenomenal trabajo en la voz y guitarras de Rick Parfitt y Francis Rossi y en los teclados de Roy Lines, piezas clave del triunfo comercial de su primer sencillo "Pictures Of Matchstick Men", excelente canción de hipnótico riff que les llevó al Top 10 tanto en su país natal como en los Estados Unidos.

"Black Veils Of Melancholy", con un riff inicial muy parecido al single inicial, no logró las ventas de su predecesor a causa de esa citada semejanza sonora. No obstante, es una canción de notable construcción melódica que llevaba también la firma de Rossi.

Otros cortes destacados de este compacto álbum, varios de ellos compuestos por el cantante Marty Wilde y el músico de jazz Ronnie Scott, son "When My Mind Is Not Live", "Paradise Flats", "Ice In The Sun", "Elizabeth dreams" o "Sunny Cellophane Skies", autenticas joyas de la época que son incluso superadas por la excepcional "Technicolour Dreams", una de las mejores canciones en la historia del pop psicodélico británico escrita para la banda por el compositor Anthony King.

Incluyen también una rítmica adaptación del famoso tema de Tommy Roe, "Sheila", y de "Green Tambourine", el éxito de los Lemon Pipers.


Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article746.html




JEFFERSON AIRPLANE - Surrealistic Pillow 1967
Bajo consejo musical y espiritual de Jerry García (Grateful Dead), la ácida banda Jefferson Airplane grabó con este disco uno de sus mejores trabajos y uno de los mejores LPs del denominado sonido San Francisco.

Pop-rock psicodélico y folk-rock con influencias de los Byrds o de Buffalo Springfield son las bases de un excelente segundo álbum marcado por la sobresaliente escritura y las voces de Grace Slick, Marty Balin y Paul Kantner.

El disco contiene extraordinarios temas como el melódico "My Best Friend", escrito por Skip Spence (posterior miembro de Moby Grape), las bellísimas baladas "Today" y "Comin' Back To Me", la rockera "3/5 of a Mile In 10 seconds" y la lisérgica "Plastic Fantastic Lover", obras de un inspirado Balin.

Los dos grandes e inmortales clásicos de la banda compuestos por la recién llegada Slick, "Somebody To Love" y "White Rabbit" complementan lo más destacado de este psicodélico cóctel de amor, hippiesmo y LSD servido por una fenomenal ejecución a cargo de grandes instrumentistas como los guitarristas Jorma Kaukonen y Kantner o el bajista Jack Casady.

"How Do You Feel", un tema a lo Mamas & The Papas, "DCBA.- 25" o la instrumental folk estilo Simon & Garfunkel "Embryonic Journey" son canciones muy disfrutables pero inferiores a las citadas con anterioridad.


Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article585.html




BLIND FAITH - Blind Faith 1969
Blind Faith fue uno de los primeros supergrupos en la historia del rock. Se creó en el año 1969 y estaba formado por Steve Winwood, Eric Clapton, Rick Grech y Ginger Baker, algunos de los músicos británicos más prominentes del período.

Winwood (nacido el 12 de mayo de 1948 en Birmingham) había liderado Traffic y la Spencer Davis Group, Clapton (nacido el 30 de mayo de 1945 en Surrey) era uno de los guitarristas más respetados del mundo gracias a sus trabajos con los Yardbirds y Cream, grupo también en el que militaba el batería Ginger Baker (nacido el 19 de agosto de 1939 en Londres). Por su parte Rick Grech (nacido el 1 de noviembre de 1945 en la localidad francesa de Burdeos) había tocado en Family.

Tras la inesperada ruptura de Cream, uno de los grupos clave del momento, Blind Faith parecía que iba prorrogar su existencia a nivel sonoro, hecho que fue recibido con agrado por los amantes de la anterior banda de Clapton y por los buenos aficionados al rock en general.

El debut del grupo en vivo se produjo en un conocido escenario, el Hyde Park de Londres, en donde recibieron una respuesta entusiasta, como así fueron todos sus memorables y abarrotados conciertos.

Su único disco fue “Blind Faith” (1969), un excelente LP con portada censurada en la que aparecía desnuda la hija de Ginger Baker jugando con una avioncito que muchos consideraron un símbolo fálico.
El álbum, producido por Jimmy Miller, colaborador de los Rolling Stones o Traffic, arreglado por Robert Stigwood y Chris Blackwell, y repleto de piezas blues-rock y hard-rock con retazos psicoprogresivos, ponía de manifiesto la profesionalidad en la composición y ejecución del cuarteto, llegando con facilidad al número 1 en las listas más importantes del planeta.


“Blind Faith” contenía una versión de Buddy Holly, “Well… All right”, y canciones, la mayoría escritas por Steve Winwood, como “Hard To Cry”, la acústico “Can’t Find My Way Home”, o “Sea of Hoy”.
Clapton compuso “Presence Of The Lord”, uno de los mejores momentos del disco, y Baker la pieza más extensa del LP, “Do What You Like”, tema que duraba más de quince minutos.

Tristemente y al igual que había pasado con Cream, el choque de egos motivó la ruptura del proyecto y sus ilustres miembros separaron sus caminos musicales, retornando Winwood al seno de Traffic.


Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article49.html




SIMON & GARFUNKEL - Parsley, Sage, Rosemary And Thyme 1966
Hermoso disco, como así son las apacibles melodías y la bella combinación de voces de sus autores e intérpretes, líricos declarantes de una generación reivindicativa en un escenario de decisivos cambios, entre ellos la incorporación de la protesta y demanda juvenil en el ámbito sociocultural y político, fruto, entre otros muchos factores de la madurez aportada al rock y el pop por los músicos procedentes del folk, avezados poetas de cariz social.

Este es un álbum con sonoridades acústicas de folk pop barroco con apoyos de clavicordios y alegóricas historias de matiz antibélico, exposiciones de angustia existencial en cálidas tonalidades, refugio interno en el hogar conocido, rítmicas piezas satíricas que se burlan del consumismo desaforado, delicados cánticos de apariencia optimista, simpáticos ejercicios dylanianos, entonaciones líricas con comentario social, recuerdos para la gran poetisa Emily Dickinson o el tradicional "Noche de Paz" arrullando apuntes sobre la guerra del Vietnam y la protección de los derechos civiles.

El disco, producido por el gran Bruce Johnston, presenta unos fenomenales arreglos vocales de Art Garfunkel, siempre a la sombra compositiva del maestro Paul Simon, quien nos regala joyas, al margen de los grandes clásicos del álbum (entre ellos "Scarborough Fair" o "Homeward Bound"), como "The Dangling Conversation" o la maravillosa "Flowers never bend with the rainfall", todo un prodigio de sensibilidad y talento melódico.


Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article735.html


Fuente:
Imágen de la portada extraida de MUSICALISSIMO Y UN VIAJE PSICODELICO!!!  (Adaptada por Oscar Vela).
http://musicalissimoperu.blogspot.com.es/2011/10/musicalissimo-y-un-viaje-psicodelico.html

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