martes, 19 de mayo de 2015

Recordando la Música de los Maravillosos '70s (Parte 2)


Seguimos con el serial de especiales dedicados a tratar las corrientes musicales de los músicos y grupos que componen la maravillosa década de los setenta...


SPIRIT - Twelve dreams of Dr. Sardonicus 1970
Este álbum es uno de los trabajos imprescindibles de este gran grupo psicodélico angelino surgido a mediados de los años 60 y que nos ha legado gemas como “Spirit” (1968), “That Family that Plays Together” (1968) o este “Twelve Dreams of Dr. Sardonicus” (1970), probablemente la cumbre del grupo de Jay Ferguson y Randy California. Bueno, y también de Ed Cassidy, un veterano del jazz y padrastro del propio California. Se trata de un disco conceptual en base a los pasajes oníricos-ecológicos del tal doctor sarcástico. La producción corre a cargo de David Briggs.

Estamos ante una maravilla psicoprogresiva con hermosos pasajes acústicos folk, grandes melodías pop y encantadoras armonías vocales que comparten sitio con escenarios hard rock de trazos blues, funk, country y jazz con influencias clave de la Jimi Hendrix Experience, de Traffic y de Cream.

El disco se inicia en un tono calmo con un preludio folk, muy bello a nivel melódico, para enardecerse en la sección de “Nothin’ To Hide” (“no tenemos nada que esconder, estamos casados con la misma novia”) y facturar un acid-rock con grata combinación de voces y arreglos imponentes de viento fusionados que impulsan la pieza en una coda final llena de energía con un trasfondo noise de guitarras lisérgicas. “Nature’s Way” es una pieza folk de sobresaliente melodía, voz cálida y confesional, y preocupación ecológica con percusión a lo Phil Spector. También la canción, escrita por California, depara armonías y juegos vocales de primer orden.

El sonido de un automóvil abre “Animal Zoo”, diatriba hippiesca en tono satírico en contra del mundo urbano. Está compuesta por Ferguson y desarrolla, con un excelente trabajo en al bajo de Mark Andes, una notable pieza rock con trazas funk, country y blues. “Love Has Found a Way” combinando efectos psicodélicos con alguna voz de corte soul y el sonido de un vibráfono, enlaza con la preciosa balada (no puede ser mejor a nivel melódico) “Why Can’t I Be Free”, corta canción acústica en la que Randy, con armonías ejemplares de Ferguson y Andes, se lamenta ante la falta de libertad.


La banda Spirit, en 1970.
Ferguson aporta dosis de funk con “Mr. Skin”, apodo del batería Ed Cassidy, rítmico tema con exuberantes arreglos de viento y un vibrante “na,na,na,na,na…”, imposible no cantar acompañando el estribillo. “Space Child” es un instrumental escrito por el teclista John Locke (nada que ver con el filósofo) en donde con piano y el moog logra una atrapante atmósfera de corte (haciendo honor al título) espacial-psicodélica, con algún pasaje jazz y eco agaviotado similar al “Tomorrow Never Knows” de los Beatles. El medio tiempo “When I Touch You”, otro corte de Ferguson, es uno de los temas, con base psicodélica, que posee los sonidos más hard rock del álbum. Contiene hechizantes texturas y una misteriosa atmósfera parecida a lo que podrían ofertar los Black Sabbath en el mismo año. El aporte a la creación de la misma de California en las seis cuerdas resulta más que decisivo para el éxito de esta gran pieza.

Un animado piano ocupa la intro de “Street Worm”, otra gran canción rock de Ferguson sobre la libertad y un miramiento optimista, se supone que irónico, a la vida urbana, con sonidos que parecen mezclar a Traffic con los Who. Randy California escribe la acústica “Life Has Just Begun” y retoma pautas de folk psicodélico con sensacionales armonías vocales y variantes melódicas de excepción. Magnífico tema con evocativo piano de Locke. También Randy es el responsable de las dos últimas canciones de este esencial disco. “Morning Will Come” es una pieza optimista y magistral de power pop con sonidos soul de Stax (incluso en dejes vocales y empleo del boogie-rock parece preludiar el glam-rock de T. Rex y compañía). Posee sentido melódico, fuerza, un sensacional estribillo, arreglos sublimes de viento….obra maestra.

El álbum, otra joya del mejor período de la historia del rock, se cierra con la balada de piano “Soldier”. De tono melancólico es una auténtica beldad y la delicada combinación vocal la podrían formar los mismísimos Zombies del “Odessey & Oracle”. o los ya míticos hermanos Brian Wilson de su etapa psicodélica.



Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article3004.html


KRAFTWERK - Autobahn 1974
Aunque se trata de su cuarto álbum "Autobahn" es el auténtico punto de partida de Kraftwerk, según los fans e incluso de la propia banda alemana. Tras un comienzo dubitativo e irregular, bajo el nombre de 'Organisation' y sus primeros discos, el dúo formado por Ralf Hütter y Florian Schneider comenzaron a moverse lentamente hacia un sonido más racional y ordenado, los cuales sus únicos compañeros de grupo eran Emil Schult y sus queridos 'juguetes' electrónicos, incluido el minimoog, lo último en tecnología por aquel entonces.

Inspirada en los largo viajes de Düsseldorf, residencia de los integrantes del grupo, la canción de "Autobahn" marcó un alejamiento definitivo de la escena krautrock que les había dado cobijo con anterioridad. Con un arriesgado poso experimental, "Autobahn" es la representación musical de un viaje por carretera, aderezado con la ignición del motor, el ruido de los coches al pasar e incluso un escueto barrido por el dial de la radio.


Ralf Hütter y Florian Schneider, en 1974.

Impulsada por la batería electrónica casera de Wolfgang Flur (en 1975 se le uniría el percusionista Karl Bartos, completand así la clásica formación de Kraftwerk), se podría afirmar con total seguridad que la canción inventa prácticamente el pop electrónico moderno. Aparte de la prescindible guitarra de Klaus Roeder y de la flauta de Schneider, el único vínculo con el pop tradicional es el curioso parecido que guardan las melodías vocales de Hütter y Schneider con los Beach Boys.

Por mucho que ahora suene pintoresco y su sonido nos parezca ns parezca relativamente rudimentario, este disco sigue presidiendo la linea que se encuentra entre el pasado y el futuro de la música pop.



Fuentes: 
Reseña escrita por Mark Bennett para el libro 1001 Discos que hay que escuchar antes de morir.
ISBN: 978-84-253-4330-8
http://bluerondoprog.blogspot.com.es/


TELEVISION - Marquee Moon 1977
Television es una banda estadounidense de rock que es considerada una de las más importantes de la primera ola del punk de Nueva York de mediados y finales de los años 70. Está formada por el excepcional y virtuoso guitarrista Tom Verlaine y Richard Lloyd como segundo guitarrista haciendo característico el entrelazado de las dos guitarras formaron un sonido muy personal, y único. Bill Ficca a la batería, y Fred Smith al bajo y la voz. Desde su fundación en 1973 hasta 1975, un año antes del lanzamiento de su disco debut, Richard Hell se encargaba de tocar el bajo y era también el vocalista. 

Fue la primera banda de rock que tocó en el famoso club CBGB OMFUG, en el que posteriormente tocarían artistas como Patti Smith, Ramones, Blondie y Talking Heads, entre otras bandas importantes de punk y new wave.

Marquee Moon, lanzado en 1977, está considerado como uno de los mejores álbumes debut de la historia del rock, y de la música en general. La prestigiosa revista Rolling Stone lo incluyó en su lista de los mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 128. El sonido de Marquee Moon por momentos se acerca al punk (Television fue una de las bandas más importantes de la escena de Nueva York y del club CBGB), pero con ciertos aspectos más cercanos al art rock. El centro de atención es la forma en que se entrelazan las guitarras de Tom Verlaine y Richard Lloyd. Si bien al momento de su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número 28 en el chart británico, el álbum no ha vendido muchas unidades en Estados Unidos, haciendo de Marquee Moon, sin embargo, un álbum de culto y uno de los más importantes de la escena de Nueva York.

La banda Television en el famoso club CBGB OMFUG (1977)

Influenciados por bandas como la Velvet Underground y solistas como David Bowie, el grupo, ubicado en la legendaria escena punk del CBGB, exhibe desde una apostura rock revolucionaria, quizá sin pretenderlo, con una perspectiva vanguardista y elementos jazz, una resonancia con bizarras y angulares sinuosidades eléctricas, además de hipnóticas y envolventes estructuras ejemplificadas en temas como “See No Evil”, “Friction”, “Venus” o el hechizante título homónimo "Marquee Moon", punto cumbre del álbum. Este tema fue escrito por Tom Verlaine, y fue evolucionando desde los primeros shows en vivo de la banda a mediados de los 70, si bien cuando fue tocada en vivo por primera vez ya era un tema épico de 8 minutos con complejos cambios de escalas. A medida que la banda tocaba ese tema, cada vez se volvía más complicado y desafiante. Fue así que Richard Hell se vio forzado a dejar la banda ya que, aparentemente, no tenía la suficiente habilidad y condiciones técnicas como para tocar la canción, siendo reemplazado por Fred Smith.

A pesar de la duración de la canción, la cual generalmente hubiera sido demasiado larga para la mayoría de las radios, la canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido, teniendo un modesto éxito y alcanzando el puesto número 30 de los charts.

Existen varias versiones de la canción hechas por la misma banda. En la versión original en vinilo la canción terminaba en un fade out, cerca de los 10 minutos, pero las reediciones del álbum en CD incluían los 10:40 de la toma. Además está la version aparecida en el álbum The Blow Up de 1982, la cual dura cerca de 15 minutos. Television solía utilizar esta canción para improvisar lo que llevaba a la canción a pasar los 15 minutos de duración. La canción fue grabada en una sola toma. Billy Ficca, el baterista, creyó que la banda estaba ensayando.

Hay dos solos de guitarra en la canción, después del segundo estribillo hay un breve solo de Richard Lloyd y después del tercer estribillo hay un solo de Tom Verlaine, basado en una escala de Jazz que dura entre 5 y 6 minutos.

La canción fue considerada por la revista Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, apareciendo en el puesto número 372.



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Marquee_Moon
http://es.wikipedia.org/wiki/Television
http://es.wikipedia.org/wiki/Marquee_Moon_%28canci%C3%B3n%29
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article763.html
http://tavernamasti.blogspot.com.es/p/los-mejores-discos-de-la-historia.html


SPARKS - Kimono My House 1974
El letrista y teclista Ron Mael y su hermano pequeño Russell se fueron de Los Ángeles a Londres en 1974 estimulados por las reacciones positivas que habían suscitado entre la prensa inglesa sus espectáculos en directo. Tras reclutar una nueva banda a través de los anuncios clasificados, dieron la campanada en el Top 10 inglés con la opereta glam rock "This Town Ain't Big Enough for the Bouth of us", que se abría con unos teclados hipnóticos y una voz incómoda, llevando a una oleada de disparos, lamentos operísticos y guitarras chirriantes. Esto les llevó a una aparición memorable en el programa semanal de la BBC 'Top of the Tops', con Ron mirando ceñudo a la cámara, con su bigotito a lo Hitler enfatizando su inexpresivo comportamiento de comeniños, mientras Russell bailaba alrededor.

Con su portada kitsch y chillona, en la que mostraba a unas geishas mofletudas, el álbum fue un éxito instantáneo de crítica y público, e inspiró a un joven Steven Morrisey a escribir al MNE para explayarse sobre sus virtudes. El falsete de Russell en "Amateur Hour" es un complemento perfecto a los juegos de palabras hilarantes de Ron, quien extrañamente menciona al violinista Yehudi Menunhin. El dramatismo camp de "Thank God it's not Christmas" y "Hasta Mañana Monsieur" suena como los primeros Roxy Music dirigiendo un musical de Broadway. Cabe decir que Sparks se anticiparon a la new wave con el puntiagudo quasi-punk de "Talent is an Asset", mientras que la colisión de texturas jazz y las cada vez más locas letras de "Equator" muestran el filo más experimental de los Mael.



En la actualidad, "Kimono My House" sigue siendo un álbum esencial, dotado de una frescura y novedad impropia de la época en que se grabó y siempre con unas peculiarísimas maneras y un gran sentido del humor en todas sus letras; además, su influencia ha sido señalada por su fan de toda la vida de Morrisey, que invito a Sparks a interpretar todo el disco en 2004 en el Royal Festival Hall de Londres.



Fuentes: 
Reseña escrita por Chris Shade para el libro 1001 Discos que hay que escuchar antes de morir.
ISBN: 978-84-253-4330-8 
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article4941.html
http://www.memoire60-70.be/GraveDansLeRock/Journalisme_Rock_Chapitre16.htm


BOSTON - Boston 1976
Boston es un grupo de rock estadounidense formado a mediados de 1969 por el talentoso ingeniero del MIT Tom Scholz como guitarrista y principal compositor, además del vocalista Brad Delp, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Tras unos inicios algo inciertos, en el cual grabaron varias demos, realizadas en el estudio de Scholz ubicado en el sótano doméstico de éste; luego el batería Jim Masdea dejó el grupo y es reemplazado por Sib Hashian, mientras que el bajista Fran Sheehan se incorpora a las filas del grupo, que hasta el momento funcionaba como una banda a medio camino entre el circuito de aficionados y el profesionalismo de tiempo completo en los bares y pubs del circuito costero de bandas de rock de la ciudad de Boston. De hecho tanto Bradley Delp como Tom Scholz, tenían trabajos estables de tiempo completo fuera de la escena musical, durante esta primera etapa de la banda los miembros de la primera formación del grupo se habían conocido indistintamente interactuando y compartiendo papeles musicales en otras bandas locales. En los años previos a la edición de su primer LP, las demos realizadas fueron enviadas a varias compañías discográficas, como muestra para una eventual grabación y edición, y frecuentemente se recibía la respuesta (a confesión del propio Tom Scholz) "...esta banda no tiene nada que ofrecer...". 

Fue así como, en 1976, y gracias a las composiciones ingeniosas de Scholz, el grupo publica ese mismo año su primer álbum titulado simplemente "Boston", tomando como base las demos realizadas en el estudio particular de Tom Scholz, que fueron remasterizadas y remezcladas en los afamados estudios "The Record Plant" en California (con el equipo prestado del grupo Aerosmith), saltando de inmediato a los primeros puestos de las listas de éxitos con el clásico "More Than a Feeling" y con "Peace of Mind". El trabajo de Scholz se puede ver, asimismo, en la enigmática "Hitch a Ride", una de las piezas más completas del disco. Las dulces pretaciones vocales de Delp son, además, un total acierto y se nota cierta innovación en el sonido del grupo en comparación de otras bandas de la época.



El Lp se inspiraba en el ejemplo de Cream/Led Zeppelin y contaba con ostentosas piezas de rock melódico, con guitarras trepidantes y ritmos poderosos. No había ni un solo sintetizador a la vista, aunque el tema "Foreplay" es tan digno de la era espacial como el colorido ovni de su estupenda portada: "Corría el rumor de que compuse todo el álbum con un ordenador", —recuerda Scholz—.

"Smokin'" es un soft rock, mientras el bullicioso "Rock and Roll Band" y el pegadizo "Let me take you Home Tonight" son muestras más que destacables de rock puro y duro. Después llega la maravillosa "Piece of mind", y el himno inmortal y definitivo de "More than a feeling", cadenciosa y alternativamente estridente, la duradera popularidad de la canción convirtió a Boston en un 'monstruo' multiplatino; además, fue puesta en el puesto número 500 de «Las 500 mejores canciones de todos los tiempos» por la revista Rolling Stone y 39ª mejor canción de hard rock por VH1 (2009). También se posicionó en el 5.º lugar del Billboard Hot 100 el 25 de diciembre de 1976.

En síntesis, cabe decir que mucho antes de la aparición de los presuntuosos Guns N' Roses, Alanis Morrissette, y Hootie & The Blowfish, fue el álbum debut más vendido, con más de 17 millones en 2003. Sin duda, un álbum esencial e imparable.



Fuentes:
Reseña escrita por Tim Jones para el libro 1001 Discos que hay que escuchar antes de morir.
ISBN: 978-84-253-4330-8 
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article4990.html
http://www.guysnation.com/bucket-beats-list-9-boston-boston-1976
http://es.wikipedia.org/wiki/Boston_%28banda%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Boston_(%C3%A1lbum)
http://es.wikipedia.org/wiki/More_Than_a_Feeling

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