miércoles, 6 de abril de 2016

Recordando la Música de los Maravillosos '70s (Parte 5)


Seguimos con el serial de especiales dedicados a tratar las corrientes musicales de los artistas y grupos que componen la maravillosa década de los setenta...


GENE CLARK No other 1974
Extraordinario disco de Gene Clark, antiguo miembro de The Byrds. Menos comercial que "Gene Clark With The Gosdin Brothers" (muy influenciado por los Beatles), siendo una obra maestra que muestra el talento de este compositor. Su sensibilidad melódica y su emocional ejecución vocal sobre reflexivos textos hacen de este álbum un recomendable trayecto por las excelencias de autoría de este subestimado personaje; ya que, desde su edición en 1974, "No Other" ha sido injustamente olvidado.

Para llevar a cabo ésta obra maestra, Gene Clark reunió a los mejores de entre los principales músicos de sesión del mundo: Butch Trucks, Chris Hillman, Danny Kotchmar, Timothy B. Schmidt, Carlena Williams, Cindy Bullens, Ronnie Barron, Clydie King, Venetta Field, y Shirley Matthews. Sus talentos combinados, guiados por la capacidad de Clark para narrar historias melancólicas, hicieron del álbum una ambiciosa y expansiva aventura que unía country, rock, pop, jazz, blues, y psicodelia. Este híbrido, cuya publicación rechazó más tarde el sello, nunca ha sonado tan encantador desde entonces: el tema de apertura del álbum "Life's Greatest Fool", tira por tierra gran parte de la mala reputación del disco.





En éste disco (a veces denominado el "Sgt. Peppers" de Gene Clark) experimenta e intenta expandir sus sonidos más allá de sus raíces; sin embargo, su naturaleza melódica y sencillez en estructuras siempre se encuentran presente; y además, resulta sobrecogedor la factura vocal de Clark y su apego íntimo a los textos.

"No Other" es una maravilla con subyugantes temas, tales como: "No Other", "Strenght Of Strings", "From a Silver Phial" o "Lady Of The North", que contienen las constantes de la escritura de Clark: melodía, clase, emotividad, y atmósfera...

Visto en perspectiva, en el contexto de la música de Los Ángeles post Byrds, "No Other" se señala a sí mismo como un disco innovador e influyente. Quién lo escuche reconocerá inmediatamente una destreza musical que marcaría el camino a los infinitamente más exitosos Fleetwood Mac.



Fuentes:
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article544.html
http://www.rockdelux.com/noticias/p/el-homenaje-a-gene-clark.html
Reseña de Gene Clark "No Other" (1974), escrita por Burhan Wazir.
Extraída del libro: 1001 DISCOS Que hay que escuchar antes de morir
Coordinado por Robert Dimery
ISBN: 978-84-253-4330-8


LOU REED Transformer 1972
A raíz del reciente fallecimiento del músico neoyorkino Lou Reed, a través de esta sección me gustaría rescatar el que posiblemente sea su mejor y más exitoso álbum en solitario. 

A mediados de 1970, Lou Reed decidió abandonar la influyente banda que él mismo había formado, la Velvet Underground, con el sabor amargo de la derrota y el rencor. Después de que la discográfica MGM despidiera a la banda, debido a que el flamante presidente de la compañía, Mike Curb, decidiera eliminar a todas las bandas relacionadas con las drogas o el hippismo. Y también tras lanzar un convencional cuarto álbum, titulado "Loaded", grabado con la discográfica Atlantic Records. Reed decidió irse a casa de sus padres, en Londres (Inglaterra) para empezar su andadura en solitario.

En 1972, tras firmar con la RCA, lanzó su primer álbum en solitario de nombre homónimo, que estaba formado con temas sobrantes de su anterior banda, y reinterpretados por músicos de estudio. El álbum fue un fracaso comercial y crítico, alcanzando sólo el puesto 189 en Billboard 200. Entonces Reed decidió dejar de lado el rock experimental acercándose al glam rock, con la ayuda de sus amigos David Bowie y Mark Ronson.


En aquella época, Bowie había producido grabaciones brillantes y dramáticas con su guitarrista Ronson, siendo verdaderas estrellas del movimiento glam. Así que ambos se esforzaron por extraer del habitualmente árido poeta y músico una mezcla estimulante de decadencia afectada y melodías inolvidables. El resultado de ello fue este soberbio segundo álbum en solitario, titulado "Transfomer", en el que la perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua y provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como "Vicious", "Perfect Day", "Make Up", "Satellite Of Love", "New York Telephone Conversation" y el clásico "Walk On The Wild Side". 

Los arreglos vocales son tan espléndidos como las guitarras ardientes; la presencia de un bajo firme (interpretado por Klaus Voorman, bajista habitual de John Lennon) y un saxofón proporciona un ambiente cabaretero (mención especial merece la colaboración de Herbie Flowers, que introduce una magnífica tuba en dos de los temas del álbum); y también la ambigüedad sexual de la portada y contraportada que atrajeron al público adolescente. 

En definitiva, Transformer es el logro comercial más importante de Lou Reed, y la historia de su éxito, solo en las listas de Reino Unido, abarca tres décadas. Sin lugar a dudas, es un trabajo magistral, lleno de ingenio, ironía y un ecléctico muestrario sonoro.



Fuentes:
Reseña de Lou Reed - Transformer (1972) escrita por Ignacio Juliá para el libro: 
"1001 Discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery.
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Velvet_Underground
http://es.wikipedia.org/wiki/Transformer
http://es.wikipedia.org/wiki/Lou_Reed_(%C3%A1lbum)
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article624.html


QUEEN A Day at the Races 1976
Tras haber reventado las listas de éxitos y consagrarse con la impresionante obra maestra "A Night at the Opera" y el tema "Bohemian Rhapsody", Queen tenían un dilema bastante grande, ya que para el próximo álbum de estudio el listón lo habían puesto demasiado alto. Así que corría el 1975, y decidieron darle una vuelta de tuerca a su sonido para su nuevo álbum, titulado también como una famosa película de los Hermanos Marx "A Day at the Races".

Para este álbum, Queen dejaron de lado el tono socarrón, y suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, y crearon un buen puñado de bellas canciones con un sonido más puro, más directo, y menos pomposo. Solo se aprecian retazos de su anterior álbum en temas como el impresionante tema gospel "Somebody to Love" en el que que Freddie Mercury se inspiró en los temas de la cantante Aretha Franklin, del que Mercury era un ferviente admirador; el genial tema progresivo "The Millonaire Waltz" que contiene un solo de guitarra con fraseos de vals; y la desenfadada y divertida "Good Old-Fashioned Lover Boy" que contiene unos cambios armónicos muy interesantes.

Donde queda patente ese cambio de sonido es en temas como "Tie your mother down" que es un potente tema de hard rock de alto octanaje que recuerda a grupos como "Slade"; también en la hermosa balada "You Take My Breath Away" en la cual se aprecia la desnudez de su sonido, ya que solo se oye la cálida voz de Mercury, y el piano; o en la balada "Teo Torriate (Let us cling together)" que tiene la particularidad de tener el estribillo cantado a medias en inglés y japonés.

Los detractores de Queen pueden argumentar la pomposidad y excesiva teatralidad de su oferta sonora o su acomodo en el mainstream a lo largo de su dilatada trayectoria, pero lo que es innegable es su demostrada pericia instrumental, su habilidad para la creación de memorables himnos rockeros, su talento para la escritura de composiciones de valía en base a una múltiple disposición estilística que tanto bebe del rock, como del pop, del vodevil, del rock progresivo, del ragtime, del gospel o de la ópera. Por no hablar de la capacidad de transferir a su música una ingente dosis de espectáculo, en gran parte debido a la excepcional capacidad de Freddie Mercury, uno de los mejores cantantes y frontman de la historia del rock.

En definitiva, este "A Day at the Races" puede que baje un poco el listón con respecto de su anterior álbum, pero eso no quita para que este sea un álbum sobresaliente, recomendable, e injustamente infravalorado.



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Queen#A_Day_at_the_Races
http://es.wikipedia.org/wiki/A_Day_at_the_Races
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1834.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article680.html


EDUARDO BORT Eduardo Bort 1974
Me gustaría rescatar del olvido una de esas joyas de rock progresivo o sinfónico que se realizó en España a mediados de los años setenta, en plena época dorada de este estilo de música en el que triunfaban grupos como Triana, Mezquita, Los Canarios, Bloque, Maquina, Iceberg, Atila, o unos primerizos Medina Azahara. Esa gran joya oculta en cuestión se trata del álbum debut de título homónimo de un virtuoso guitarrista valenciano llamado Eduardo Bort.

Antes de entrar en el disco en sí, es necesario realizar una breve introducción para conocer este grandísimo artista.

Eduardo Bort es un guitarrista bien reputado en la balbuceante (y reprimida) escena de la psicodelia española de la época (junto a artistas como los citados anteriormente). Desde los doce años y de forma autodidacta, comienza a estudiar música a partir de la guitarra. Comienza a trabajar con varios grupos de la época hasta consolidar su primer grupo estable llamado "Los Exciters" con el que empieza a realizar actuaciones en el año 1964. Luego vuelve a Valencia y entra a formar parte como guitarra solista del famoso grupo "Los Boodgies". Más adelante quiere hacer su propia música, y para ello, forma un nuevo y legendario grupo llamado "La Oveja Negra".

En los años setenta se instala en París, donde forma el sello-grupo independiente Out Music. Graba en los principales estudios europeos: Garage Studios en Montreaux (Suiza), Paris Studios Davouts, Chateaux Euroville Studios (donde habitualmente graba Elton John), Bercley Studios, Milan Studios; y en Londres: Morgan Studios, Olimpyc Studios, y Air studios.

Considerándose suficientemente preparado vuelve a España para hacer realidad el deseo de comenzar su carrera discográfica. Trabaja y elabora minuciosamente, con excelentes músicos valencianos (Grupo Yann), los temas para su primer LP titulado "Eduardo Bort" en Enero y verano del 1974, y que comentaremos más adelante.

Después de una época marcada por trabajos independientes y problemas personales lanza su segundo LP titulado "Silvia", y entre los años 1984 al 1986, realiza una gira de conciertos para su promoción.

Invitado por el presidente de Guatemala Vinicio Cerezo y organizado por el Ministerio de Cultura Elmar René Rojas, Eduardo Bort participa actuando en el Primer Festival Internacional de la Canción por la Paz durante los días 14, 15 y 16 de Febrero del 1986. Durante meses Bort vivió en Guatemala dando conciertos por las principales ciudades y en el precioso Gran Teatro del Centro Cultural de la capital.


En los años siguientes viaja a Sudamérica y comienza así una nueva etapa en el que su afán es montar un circuito en el que poder trabajar con músicos de cada país.

Sus últimos trabajos se han desarrollado en diferentes giras que ha realizado por Japón y en la actualidad está preparando un nuevo álbum.

Entrando de lleno en el álbum que nos concierne, este álbum se trata de uno de los mejores discos debut de la historia de la música española, y sin lugar a dudas, una auténtica joya de la discografía patria e internacional.

Es el único álbum lanzado durante la década de los setenta por Bort. Se trata de una obra en la que se combinan los grandes recursos que el autor puede demostrar en las guitarras, con enorme calidez en la acústica, e impresionante solidez en la eléctrica que suele sonar dura, ácida, penetrante y distorsionada. Excelentes contrastes con la delicadeza de los teclados, plenos de sutileza. Son momentos distinguidos los pasajes de mellotron en manos de Pepe Dougan y Vicente Alcañiz. Bort pasa con destreza de los momentos reflexivos e intimistas a paisajes intensos casi explosivos. Se logran climas de cierta rarefacción psicodélica que son bien acompañadas por las voces que cantan en un inglés de incierta pronunciación, aunque no desmerece, siendo un mal menor.

El álbum deja una agradable impresión, y no parece haber impostadas artimañas, sin sonar pretencioso, pero sin embargo está absolutamente logrado, plenamente progresivo, y decididamente adictivo. En los estupendos seis temas que componen esta obra, se dan rienda suelta al rock duro, también la psicodelia deudora de la década de los sesenta, el sinfonismo, los regionalismos, baladas y vestigios jazzeros que conforman esta obra maestra de artesanía musical para la posterioridad, 100% recomendable e imprescindible.



Fuentes:
http://www.eduardobort.com/
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article4819.html


ELVIS Aloha from Hawaii: Via Satellite 1973
Elvis Presley fue uno de los cantantes estadounidenses más populares del siglo XX considerado como un icono cultural y conocido ampliamente bajo su nombre de pila, Elvis. Se hace referencia a él frecuentemente como «El Rey del rock and roll» o simplemente «El Rey».

Aloha from Hawaii: Via Satelite fue un concierto musical que fue encabezado por Elvis Presley y fue transmitido en vivo vía satélite el 14 de enero de 1973. Fue la emisión más vista por un artista individual en la historia de la televisión. El concierto tuvo lugar en la Arena del centro de convenciones internacional en Honolulu (ahora conocido como el Neal S. blaisdell Arena) y salió al aire en más de 40 países en Asia y Europa (que recibió la transmisión al día siguiente, también en horario estelar). A pesar de la innovación de satélite, los Estados Unidos no fue emitido el concierto hasta el 4 de abril de 1973 (el concierto tuvo lugar el mismo día que el Super Bowl VII). El show especial fue el  más caro del momento, con un coste de 2,5 millones de dólares.

El 8 de julio de 1972, inspirado en una visita reciente hecha por el Presidente de los Estados Unidos Richard Nixon a China, el administrador de Presley, Tom Parker, anunció que habría un satélite en todo el mundo broadcast de Hawaii para permitir que todo el mundo la oportunidad de ver un concierto de Presley "ya que es imposible para nosotros actuar en todas las grandes ciudades". 

Parker declaró inicialmente que se llevaría a cabo en Octubre o Noviembre de 1972 pero esta fecha fue cambiada a comienzos de 1973 después de MGM mostró preocupación por la que se enfrentaron con el lanzamiento de su película documental de Elvis On Tour. Parker celebró otra Conferencia de prensa el 4 de septiembre de 1972 en Las Vegas para confirmar que se transmitirá el concierto, ahora titulado Aloha en Hawaii, el 14 de enero de 1973. La prensa les dijo que se esperaba una audiencia de mil millones a sintonizar para ver el "primer entretenimiento especial para ser transmitido en vivo en el mundo", aunque Parker no tuvo en cuenta el hecho de que muchos países, incluyendo partes de Europa y América, no vería el concierto en vivo debido a la hora de emisión. Dos semanas después de la Conferencia de prensa de Las Vegas, Parker recibió una carta del columnista del Honolulu Advertiser Eddie Sherman, que había leído en las cuentas de noticias que no iba a haber ningún cargo por la entrada a los conciertos, en lugar de ello se requería una donación para obras benéficas. Sugirió a Parker que, como Presley había grabado y todavía estaba realizando la canción que I'll Remember You escrita por Kui Lee, las donaciones podrían ir a la Kui Lee Cancer Fundation que se estableció después de la muerte del escritor en 1966. Viendo con impaciencia la oportunidad para dar a conocer la naturaleza de beneficencia de Presley una vez más, Parker estuvo de acuerdo. 

El rey del rock realizó tres conciertos, el 17 y el 18 de noviembre en Honolulu, las fechas originalmente se habían planeado para la emisión por satélite, y dieron una Conferencia de prensa el 20 de noviembre para promover el especial. Presley llegó a Hawaii nuevamente el 9 de enero de 1973 para comenzar los ensayos. Los ensayos se realizaron en el Hilton Hawaiian Village mientras era construido el escenario principal. Aunque hubo varios problemas técnicos, los ensayos fueron un éxito en general.

Presley grabó un concierto el 12 de enero de ensayo como un Fail-Safe, en caso de que algo fuese mal con el satélite durante el real broadcast - sin embargo, nada salió mal durante la emisión del 14 de Enero. Para ambos programas, Presley fue vestido con un traje blanco de "american eagle" diseñado por el proyecto de ley Belew. La emisión fue dirigida por Marty Pasetta, que era entonces encargado de dirigir las ceremonias del Oscar.

El rendimiento y la venta de mercancía del concierto recaudó 75.000 dólares para el fondo de cáncer Kui Lee en Hawaii.

El artista con este concierto realizó un repaso de antiguos y recientes éxitos como "Steamroller Blues", "See See Rider", "Early Morning Rain", "Burning Love", "Blue Suede Shoes", "A Big Hunk o' Love", "Suspicious Minds", y "Can't Help Falling in Love". El cantó con su rango vocal y fuerza baladas como las de los Beatles "Something", "I'm So Lonesome I Could Cry", "It's Over", "Welcome to my World", "I'll Remember You" y "What Now My Love".

El doble álbum que contiene la música del concierto fue todo un éxito, consiguiendo alcanzar la primera posición en el "Billboard Pop Albums" en 1973, y fue certificado cinco veces de Platino por la RIAA. 

Los músicos que acompañaron a Elvis fueron:

James Burton (lead guitar)
Charlie Hodge (acoustic guitar/vocals)
Glen Hardin (piano/keyboards)
Ronnie Tutt (drums)
John Wilkinson (rhythm guitar)
Jerry Scheff (bass)
J.D. Sumner & the Stamps Quartet (vocals)
Kathy Westmoreland (vocals)
The Sweet Inspirations (vocals)
Joe Guercio & his Orchestra



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Elvis_Presley
http://elvispresley.foroactivo.com/t3336-38-aniversario-de-aloha-from-hawaii-via-satellite
http://en.wikipedia.org/wiki/Aloha_from_Hawaii:_Via_Satellite

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