miércoles, 10 de agosto de 2016

Covers Musicales que superan al original (Parte 1)

A lo largo de la historia de la música se han hecho versiones de canciones, algunas más acertadas que otras. Sirva como ejemplo el más reciente cover del clásico de The Mamas and the Papas "California Dreamin" llevado a cabo por Freischwimmer. Sin embargo, cabe decir que hay unos pocos artistas que se han sentido altamente capacitados, y con el suficiente talento, como para intentar mejorar un tema ya grabado anteriormente por alguno o algunos compañeros de profesión.

Llegados a este punto, nos gustará realizar un pequeño repaso, dividido en tres entradas, destacando aquellos covers que han llegado a ser incluso más famosos, o han superado, al tema original:


HOUND DOG (ELVIS PRESLEY, 1957) - Cover de Big Mama Thornton, 1952
En agosto de 1952, el cantante y director de orquesta Johnny Otis llamó a los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller para que compusieran una canción para la cantante de blues Willie Mae (Big Mama) Thornton. Mientras Otis se reúne con Big Mama en su casa, Leiber y Stoller comienzan a trabajar en el pedido y en ocho minutos crean ese famoso "Perro sabueso". "Big Mama" Thorton la graba a comienzos de 1953 y su versión fue número uno por seis semanas en la lista Rhythm & blues del Billboard.

Después de ésta versión hubo otras, que aunque tuvieron alguna difusión no marcaron en las listas de popularidad. Una de aquellas versiones fue la grabada por Freddie Bell and the Bellboys. Una noche en las Vegas, a comienzos de 1956, Freddie Bell estaba actuando en un importante hotel e incluyó en su show "Hound dog", pero con algunos cambios en su letra. Elvis Presley, por caprichos del destino, se encontraba esa misma noche disfrutando del show cuando escuchó la canción. Terminado el espectáculo, Presley se acercó a Freddie y le preguntó si le importaría que él grabara esa versión, Bell le dijo: "Ningún problema, adelante." 

El resto es historia conocida, ya que la versión de "Hound dog" de Elvis se convirtió en un emblema de la revolución del Rock and roll a mediados de los 50, manteniéndose numero uno por once semanas y vendiendo más de 10 millones copias; además, la canción está ubicada en el puesto número 19 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos (según la revista Rolling Stone), y ha aparecido en numerosas películas, como "American Graffiti", "Grease" o "Forrest Gump", entre otras.

Fuentes:





TWIST AND SHOUT* (THE BEATLES, 1963) - Cover de The Top Notes, 1961
*El título original de la canción es "Shake It Up, Baby" y fue grabada por The Top Notes. En 1962 se realizó la primera versión, llevada a cargo por The Isley Brothers, que cambiaron su título original por "Twist and Shout".

Twist and Shout es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Russell. Como he indicado más arriba, fue titulada originalmente como "Shake It Up, Baby", siendo grabada en primera instancia por The Top Notes. El patrón de su armonía, melodía y ritmo estaba inspirado en las progresiones armónicas de las canciones latinas, cuyo exponente más reivindicativo fueron los acordes de la canción tradicional mexicana "La bamba", que había popularizado en Estados Unidos el cantante Ritchie Valens en 1959.

En 1961, el prestigioso productor Phill Spector ofreció el tema al grupo de rhythm and blues The Top Notes, que en esa época todavía no había perfeccionado su técnica conocida como "Wall of Sound" (Pared de Sonido) por lo que la grabación careció de la energía demostrada por el grupo en sus actuaciones en directo. Cuando el compositor Bert Berns escuchó la mezcla final, le dijo a Spector que había arruinado la canción y predijo poco éxito para el sencillo. Así que cuando los Isley Brothers decidieron grabar la canción en 1962, Berns optó por producirla él mismo y demostrarle así a Spector cuál era el «sonido» que él quería en la grabación. La canción se convirtió en la primera del trío en llegar al Top 20 en el Billboard Hot 100. 

Aunque fue en 1963 cuando la canción pasó a la historia de la música, debido a la versión grabada por The Beatles, con John Lennon en la voz principal y que se incluyó en su primer álbum "Please Please Me", siendo uno de los temas que desató la "Beatlemania".

Como apunte, cabe decir que Lennon estaba muy resfriado en el momento de grabar la canción, por lo cual bebía leche y comía caramelos para intentar suavizar su garganta. Los efectos de la tos en su voz pueden escucharse en el tema. Se grabaron dos tomas, de las cuales la primera fue la utilizada en el álbum. George Martin dijo: 

«Traté de hacer una segunda grabación (...) pero John se había quedado sin voz».

Sea como fuere, el tema fue un rotundo éxito, alcanzando el segundo puesto el 4 de abril de 1964, la semana en que los primeros cinco puestos del Top-Ten fueron ocupados por canciones de The Beatles; y además, era utilizado habitualmente como colofón de sus actuaciones en vivo.

Fuentes:



MR. TAMBOURINE MAN (THE BYRDS, 1965) - Cover de Bob Dylan, 1965
"Mr. Tambourine Man" es una de las grandes canciones de Bob Dylan, que al igual que "All Along The Watchtower", la versión le dio otra dimensión a la creación original, superándola en cierta forma.

Compuesta por Dylan en 1964, la estrenó en varias actuaciones, como el Festival de Folk de Newport de ese mismo año. Inicialmente la grabó con Ramblin’ Jack Elliot para su cuarto álbum “Another Side Of Bob Dylan“. Pero no quedo satisfecho y no la incluyó. Meses después el manager de The Byrds, gracias al editor de Bob Dylan, se hizo con la partitura y un acetato (prensaje de prueba) de la grabación. Ambos artistas además estaban ligados a la misma discográfica (Columbia Records).

The Byrds acababan de firmar (recomendados por Miles Davis) y cambiaban su antiguo nombre artístico, The Jet Set (y anteriormente The Beefeaters, con el que habían grabado un single para Elektra, por aquel entonces un sello folk), cuando Chris Hillman y Michael Clarke (un baterista sin instrumento) se unieron al trío original (Crosby, McGuinn y Clark). Su conocimiento del primer "Mr. Tambourine Man" fue decisivo para que lo grabasen antes que la versión definitiva de su autor (incluida en su quinto disco “Bringing It All Back Home“).

El grupo no estaba muy convencido Pero tras una sesión de grabación le pidieron opinión al propio Dylan. La bendición de éste fue definitiva para disipar las dudas del grupo. Era algo totalmente distinto a su creación. Para estar más en la onda Beatles, que arrasaba, cambiaron el compás a un 4×4 (le daba un aire más rock); incluso el nombre tenía bastante que ver: Byrds es a birds como Beatles es a beetles; adaptaron una Rickenbaker de 12 cuerdas, a lo George Harrison; la intro de guitarra de McGuinn del principio está inspirada en Bach; y recortaron la letra: en esa época las radios no ponían canciones con una duración superior a los dos minutos y medio.

The Byrds y "Mr. Tambourine Man" fue el primer disco de folk-rock de la historia y su primer gran éxito. Si bien es cierto que existían precedentes, como la versión rockera de un clásico del folk americano "The House Of The Rising Sun" (The Animals) o algunas composiciones de los Beatles.

"Mr. Tambourine Man" forma parte de la historia musical de la segunda mitad del siglo XX, representando varios hitos en un momento clave de su autor: Bob Dylan estaba cambiando su dirección artística, orientándose hacía el rock (le llovieron críticas feroces desde los sectores más puristas del folk). Ese cambio de tendencia se inició gradualmente en 1964 con "Another Side Of Bob Dylan" y se confirmó al año siguiente con la banda eléctrica con la que se acompañaba en directo y con la aparición de "Bringing It All Back Home", donde estaba esta joya o "Subterranean Homesick Blues"; aunque la explosión definitiva le vino al año siguiente… pero eso es otra historia. Como dato anecdótico, cabe decir que la versión de los Byrds de "Mr. Tambourine Man" fue la primera canción de Dylan que llegaba al número uno, y aquel éxito tremendo le reafirmó de que iba por el buen camino.

Fuentes:





HEY JOE (JIMI HENDRIX, 1967) - Cover de The Leaves, 1966
Pocas canciones en la historia han tenido, antes de llegar al éxito y convertirse en un clásico, una historia tan enrevesada como "Hey Joe". Es una de las melodías más versionadas de la música moderna, y ha sido interpretada en el escenario, en fiestas o en su propia casa por probablemente decenas o centenares de miles de individuos. Casi cualquier guitarrista del planeta reconoce instantáneamente su inconfundible secuencia de acordes, que probablemente habrá practicado alguna vez. Es muy difícil pensar en alguien, sea músico o no, que nunca haya escuchado la canción. Jimi Hendrix obtuvo tanto éxito con ella que hoy está indisolublemente asociada a su nombre, e incluso se la usa a menudo para homenajearle, pese a que él no la escribió y tampoco fue el primero —ni mucho menos— en grabarla; es más, mucha gente sigue pensando equivocadamente que Hendrix es el autor de la canción.

El impacto de la versión de Hendrix —fue su primer single— es comprensible si nos situamos en la Inglaterra de 1966: poca gente conocía "Hey Joe" en las islas británicas; y además, nadie estaba preparado para la aparición de un guitarrista de semejantes características llegado de la orilla opuesta del Atlántico. Pero la canción ya había ido de un intérprete a otro en Estados Unidos, porque muchos músicos habían adivinado que "Hey Joe" era un diamante en bruto y que podría convertirse no ya en un éxito, sino en un verdadero clásico. Cuando el zurdo de Seattle la transformó en un hit mundial no faltaron quienes quisieron atribuirse el mérito de haber descubierto el tema, de haber inspirado directamente la versión de Hendrix o incluso hubo quien se empeñó en discutir quién era el verdadero autor de la canción, lo cual produjo una total confusión respecto a los orígenes de la 'murder ballad' por excelencia.

La historia de "Hey Joe" es tan curiosa y accidentada que realmente le confiere su propia aura de leyenda. Es una canción que tiene vida propia porque, estudiando sus orígenes, en ocasiones realmente parecía que nadie hubiese sido el verdadero creador y que hubiese surgido de la nada. Algunos artistas y musicólogos sostienen que en realidad se trata de una canción tradicional de las montañas Apalaches. Es frecuentemente atribuida de forma errónea al músico estadounidense Dino Valenti (también conocido por los nombres Chester, Chet Powers y Jesse Farrow). Diversos pleitos y reclamaciones han dado lugar a confusión en cuanto a la verdadera autoría y la génesis de la canción; sin embargo, legalmente sí tiene un autor reconocido: el cantante folk de origen sureño, aunque afincado en California, llamado Billy Roberts.

Roberts ya la interpretaba en directo en 1962, pero no la plasmó en vinilo. Un productor, antiguo amigo de Roberts, aseguraba que existe una grabación en directo del cantante tocando "Hey Joe" en algún bar durante 1961, pero nunca nadie más ha escuchado esa grabación ni ha tenido otra noticia de su existencia. Por lo que parece, esa cinta o bien no existió, o se ha perdido irremediablemente. De todos modos, lo que sí consta y resulta innegable como documento es una entrada en el registro de propiedad intelectual de 1962 que reconoce a Roberts como único autor de la canción. Aunque desde un punto de vista legal Billy Roberts es efectivamente el autor, la historia de la canción fue bastante más complicada que eso.

Es probable que Roberts se haya inspirado para componer "Hey Joe" en tres obras anteriores: la canción de 1955 de su novia Niela Miller "Baby, Please Don't Go To Town" (que usa una progresión de acordes similar basada en un ciclo de quintas formado por acordes mayores), el éxito de country grabado por Carl Smith en 1953 (escrito por Boudleaux Bryant) también llamado "Hey Joe!" (que además de tener el mismo título, es parecido por el formato de los versos, que también usan el esquema "pregunta-respuesta"), y una balada tradicional que se popularizó a inicios del siglo XX titulada "Little Sadie", que cuenta la historia de un hombre desesperado que huye después de matar a su esposa.

Sea como fuere, y para no alargar más el comentario al respecto, es necesario indicar que la primera grabación comercial conocida es la realizada a finales de 1965 por la banda de garaje de Los Ángeles The Leaves. En 1966 la banda volvió a grabar la canción y lanzó un nuevo sencillo que se convirtió en un éxito. En la actualidad, la versión más conocida es de 1966 interpretada por The Jimi Hendrix Experience, que fue su single debut, lanzando al estrellato al estratosférico guitarrista. 

Fuentes:



RESPECT (ARETHA FRANKLIN, 1967) - Cover de Otis Redding, 1965
"Respect" es una famosa canción soul que se convirtió en un himno en 1967 en la voz de Aretha Franklin. Apareció en el disco de 1967 llamado "I never loved a man the way I love you"; no obstante, fue Otis Redding quien compuso originariamente "Respect", siendo el primero en grabarla, en 1965. Pero Aretha se hizo para siempre con el tema y su versión definitiva, grabada en los estudios de New York de Atlantic, el día de San Valentín de 1967, siendo su primer single en llegar al número uno, convirtiéndola en una estrella; asimismo, cabe mencionar que según la revista Rolling Stone, la canción ocupa el 5º lugar de las 500 mejores canciones de la historia.

La interpretación de Redding, había convertido la canción en una marcha sombría con la que pedía la igualdad con una fuerza volcánica. Aretha, sin embargo, no pedía nada. Cantaba desde un lugar más elevado: era una mujer reclamando el fin de un orden injusto con una impresionante autoridad sexual. Lo cual llamaba la atención en aquella época. En la autobiografía del productor de Aretha, Jerry Wexler, dice que para Otis, la palabra respeto tenía el sentido más abstracto de estima; la connotación tradicional. Pero que la voz de Aretha exigía ese respeto y también una tensión sexual de primer orden, algo acentuado por los coros de parte de Aretha y Carolyn que dicen a gran velocidad: "Sock it to me".

No hay ninguna duda de que la inspiración para la interpretación de Franklin vino de su matrimonio problemático: "Si no lo estuviera viviendo", dijo Wexler, "no habría podido transmitirlo. Pero Aretha nunca habría consentido en ser una mujer despreciada. Su segundo nombre era Respeto."

Fuentes:





ALL ALONG THE WATCHTOWER (JIMI HENDRIX, 1968) - Cover de Bob Dylan, 1967
1967. En pleno auge de la psicodelia hippie norteamericana, Bob Dylan, el poeta por excelencia de aquella generación sesentera, compuso el himno definitivo de una época: All Along The Watchtower (algo así como "A lo largo de la atalaya"). Se trata de una canción de puro y frenético folk, con su clásica armónica revoloteando, con una letra compleja y temática oscura, de la que muchos dicen que contiene claras referencias bíblicas, tema que interesaba a Dylan por aquellos lares, y con un aire mucho más lúgubre que la mayoría de las grabaciones que hizo en aquélla época.  Era el cuarto corte del LP “John Wesley Harding” (1967). El disco que marcaba la vuelta de Dylan tras su ausencia (18 meses desde la edición de “Blonde on Blonde”) provocada por un accidente de moto (y probablemente por alguna cura de desintoxicación). Había estado trabajando con The Band en Woodstock (lo que dio lugar a uno de los vinilos piratas más famosos de la historia, que en 1975 se editaría oficialmente como “The Basement Tapes”). Este octavo álbum de Dylan, producido como los anteriores por Bob Johnston, rompía moldes no sólo con su anterior trilogía rockera sino también con la explosión psicodélica del 67. Aquel mismo año que vio la edición del primer álbum de Pink Floyd “The Piper at the Gates of Dawn”, el archiconocido “Sgt. Peppers” de los Beatles, el “Their Satanic Majesties Request” de los Rolling Stones y el “After Bathing at Baxter’s” de la Jefferson Airplane. Todos estos eran los que marcaban estilo y él, una vez más, se apartaba de las tendencias.

Sin embargo, fue el guitarrista de Seattle Jimi Hendrix el responsable del desmedido éxito de este raro tema. En 1968, tan solo un año después de la grabación original, el genio Hendrix incluyó, no una versión sino una reinvención del tema en toda regla, en su The Jimi Hendrix Experience. Aquí fue dónde acabó el folk y empezó la leyenda: Hendrix cogió un tema interesante pero oscuro, lo pasó por su filtro de enloquecido rock y psicodelia, agarró su guitarra y el resto es historia. A día de hoy, es la versión que más se conoce del "All Along The Watchtower", con sus imparables solos de guitarra, sus frenéticos punteos sustituyendo a la desmadrada armónica de Dylan y la profunda y desgarrada voz de Hendrix, que deja pálida a la original.

Dylan no tardó en manifestar lo honrado que se sentía por el hecho de que un talento de semejantes dimensiones hurgara en su propia canción, descubriendo facetas de ella completamente nuevas. El propio autor decía al respecto: “Me deslumbró. Tenía tanto talento, podía encontrar cosas dentro de una canción que nadie más era capaz de ver y las desarrollaba. Seguro que la mejoró y me tomé la licencia de usar su versión. De hecho lo sigo haciendo.” Y es que desde la muerte de Hendrix, la ha interpretado siempre en su estilo, para rendirle homenaje al genial guitarrista. Cabe mencionar que es la canción que más veces ha tocado Dylan en directo. Hasta finales de 2003, la había interpretado más de 1.400 veces.

Fuentes:


EVERYBODY'S TALKIN (NILSSON, 1969) - Cover de Fred Neil, 1966
Pocas veces una canción y una película se han complementado tan perfectamente como "Everybody’s talking" y "Cowboy de medianoche" (Midnight Cowboy, John Schlesinger, 1969), ya que hoy en día no se puede hablar del film, sin reparar en la canción y viceversa. La secuencia inicial con el primer paseo de Jon Voight por Nueva York de esta cruda película no sería lo mismo sin el tema de Harry Nilsson. Tanto la película como la canción han pasado a los anales de la historia. El film logró 3 premios Oscar (mejor director, película y guión adaptado) y la canción ha pasado a formar parte de la historia de la música con letras mayúsculas. El cineasta John Schlesinger acertó de pleno al desechar el tema que Nilsson le había propuesto inicialmente, "I Guess the Lord Must Be in New York City", una canción de su cosecha sospechosamente similar a 
"Everybody’s talking", que fue
 escrita un par de años antes por Fred Neil.

Fred Neil era un cantautor que nunca logró éxitos comerciales interpretando sus composiciones, pero está considerado como el padre artístico de cantantes como David Crosby y Joni Mitchell. La canción de Neil, perteneciente a su segundo álbum de estudio de nombre homónimo, fue concebida  con un tempo pausado, que destacaba por su naturaleza melancólica y su grave voz, siendo todo un canto a la incomprensión y la diferencia en un mundo ciertamente deshumanizado, en el corazón de una deprimida América post Vietnam.

Es necesario reseñar que Nilsson engrosa la lista de cantantes norteamericanos injustamente arrinconados por la memoria colectiva del pop, o al menos no estando reconocido como debiera, por su prolífica carrera como compositor y sus extraordinarias cualidades vocales, sino por interpretar un par de canciones que no llevaron su sello: Everybody’s talkin’ (de Fred Neil) y Without you (de Badfinger). Por un motivo o por otro, Nilsson nunca fue capaz de desarrollar su verdadero potencial. Su nombre nunca fue capaz de trascender de verdad en la historia. De poco le sirvió grabar magníficos discos de estudio como "Nilsson Schmilsson"; ni siquiera estar apadrinado por el mismísimo John Lennon (tanto Lennon como McCartney le consideraban como el mejor cantante norteamericano de la época). Como decíamos, su destino quedó ligado para siempre al de una canción que nunca compuso y al de una película que nunca protagonizó. Una pieza que lo encumbró a la gloria pero que lo encasilló para siempre al recuerdo de una banda sonora. Comparada con la versión de Fred Neil, la nueva producción mostró evidentes mejoras en el cuidado del sonido y un ritmo más acelerado. Nilsson, por supuesto, pediría permiso a su autor para hacerla suya. Neil no tardaría en reclamar la atención de su autoría tras el fulminante éxito de su creación, y reeditaría posteriormente el álbum que la vio nacer con nuevo nombre incluido: Everybody’s talkin’.

Fuentes:
https://auriculardigital.com/2009/06/22/everybodys-talkin-una-cancion-pegada-a-una-pelicula/
https://anchaesmicasa.wordpress.com/2015/02/28/canciones-estupendas-29-everybodys-talkin-fred-neil/
http://www.quemarropa.net/everybodys-talkin-en-tres-actos/
http://pococriterio.blogspot.com.es/2011/01/canciones-de-cine-everybodys-talkin.html
http://www.filmaffinity.com/es/film906560.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Harry_Nilsson





WITH THE HELP OF MY FRIENDS (JOE COCKER, 1969) - Cover de The Beatles, 1967

Ringo Starr entró a formar parte de The Beatles de rebote, tras la salida de Pete Best y situándose siempre en un segundo plano; a pesar de ser con diferencia el mejor músico (como intérprete) de los cuatro. Sin embargo, quizás sea menos conocido que él fue el pegamento que permitió que los tres geniales integrantes restantes no saltasen por los aires antes, debido a su carácter afable, su capacidad de mediación y el sincero afecto que todos le profesaban. De hecho, cuando se separaron todos recurrieron a él para trabajar en sus álbumes en solitario, y es en los discos de Ringo Starr en los únicos en los que volverán a coincidir los cuatro aunque en canciones diferentes. Este tema se compuso en un momento en el que Paul McCartney y John Lennon ya se odiaban profundamente, pero sabían que sus peleas estaban afectando mucho a su amigo por lo que aparcaron sus diferencias y le ofrecieron unos versos y melodía en los que le expresaban el gran aprecio que le tenían.


La letra nos habla de una persona que siente miedo de quedarse solo y que está acomplejado por su voz, como era el caso del baterista, y en todo momento él declara (y sus compañeros le contestan) que todo lo puede hacer con un poco de ayuda de sus amigos. Él quiere ese amor a primera vista que tanto ve en los demás, pero hasta que lo encuentre hallará en sus camaradas el auxilio por si fracasa y el ánimo para volver a intentarlo.



La música de "With A Little Help From My Friends" es de las más sencillas del cuarteto de Liverpool, ya que sólo cuenta con una guitarra, el piano, el bajo, un güiro y la batería, y en la que todos los instrumentos están al servicio de no eclipsar la voz nasal del cantante y donde los coros se encargarían de apoyar los momentos en los que él se sentía más inseguro.

"With a Little Help from My Friends" fue la última canción compuesta para el célebre álbum "Sgt. Peppers", acabándose de grabar el mismo día en el que posaron para su cubierta; y cabe mencionar también, que su título preliminar fue "Bad finger Boogie", debido a que Lennon la compuso al piano tocando sin el dedo índice que se había lastimado recientemente. Este título de "Trabajo provisional" dió nombre a la banda británica "Badfinger" (antes conocida como "The Iveys" y de la que es necesario recordar que fueron responsables de componer el tema "Without you", que inmortalizaría Nilsson con su versión).

Se han realizado numerosas versiones de "With a Little Help from My Friends", pero la más destacada sin lugar a dudas fue la de Joe Cocker, que realizó una reestructuración radical de la misma; es más, la muy singular versión no la conocerían ni los Beatles si el cantante inglés le hubiera cambiado la letra, ya que le imprimió un ritmo más lento en estilo blues rock, un compás de 6/8, en un tono diferente, con diferentes acordes en el ocho del medio, y una larga introducción instrumental (que contó con el batería B.J. Wilson del grupo Procol Harum y unas líneas de guitarra a cargo de Jimmy Page).


Con ella Cocker alcanzó el número 1 en 1969, mismo año en el que pasó a la historia de la música por su impresionante actuación en el festival de Woodstock '69, destacando su poderosa voz y una puesta en escena sublime. También se le pudo ver en el documental relacionado, "3 Days of Peace and Music" (Michael Wadleigh, 1970); y además, el citado tema se utilizó como canción de apertura para la serie de televisión estadounidense "Aquellos maravillosos años" (The Wonder Years, 1988).

Fuentes:





BLACK MAGIC WOMAN (SANTANA, 1970) - Cover de Fleetwood Mac, 1968
"Black Magic Woman" es una canción escrita por Peter Green que apareció por primera vez como single de Fleetwood Mac en varios países en 1968, posteriormente aparecen en los discos de 1969 "English Rose" (EE.UU.) y "The Pious Bird of Good Omen"(Reino Unido), aunque no obtuvo demasiada repercusión. Sin embargo,  en 1970 Santana se apoderaría del tema y lanzaría su versión, alcanzando el puesto # 4 en los EE.UU. otorgándole rápidamente la patente de clásico de la banda del gran guitarrista mexicano. Luego la editan en su álbum Abraxas y se hizo mas notorio que la gente asociara esta canción con Santana que con Fleetwood Mac.

Esta versión viene mezclada con una canción de Gábor Szabó llamada "Gypsy Queen" que fue editada en 1967. Contiene una mezcla musical de jazz, folk, ritmos latinos y húngaros. La canción se convirtió en uno de los mayores éxitos de Santana. El álbum "Abraxas" alcanzó el número 1 en los ránkings de los mas vendidos y obtuvo cuatro discos de platino en 1968, en parte gracias al single "Black Magic Woman". Santana consiguió en este disco ir más allá del rock porque como él dijo en una entrevista "mi corazón latino bombeaba sangre hasta las extremidades del jazz y la salsa".

Lo mas curioso de este hit, es esa interesante mezcla de blues, rock, jazz, un poco de son cubano, y sondos latinos. Santana le añadió sonidos de congas, timbales y otros estilos de percusión, además de órgano y piano, para hacer mas compleja e estilo de la canción dándole un toque "vudú" que provoca una sensación distinta a la original.

Fuentes:




PROUD MARY (IKE & TINA TURNER, 1971) - Cover de Creedence Clearwater Revival, 1969
Creedence Clearwater Revival, una de las bandas que mejor logró fusionar el rock y el country, dominó la escena musical a finales de los 60. Su nombre, de por sí complicado pronunciarlo en inglés, no digamos nada hacerlo en la España de entonces (y aún ahora). De ahí que se optase por un abreviado Credence o tan solo un CCR mucho más cómodos. Su estilo de rock, en apariencia duro, le venía como anillo al dedo a un grupo cuya indumentaria (imagen y vestimenta) iba muy en consonancia. Corría el año 1969, aún en plena era hippie, y nuevos aires se empezaban a imponer.

“Proud Mary” fue su primer gran éxito, una canción que aún perdura como uno de los temas míticos del rock. El single fue lanzado en enero de 1969, siendo incluida en el álbum “Bayou Country”, y rápidamente se convirtió en la primera canción de la banda en entrar al Top 10 Hit en los EE.UU. llegando al puesto #2. "Proud Mary" fue el primero de los cinco singles que la banda lanzó promocionando ese disco con tal de llegar al numero uno de las listas; lamentablemente, la banda nunca logró un numero uno con sus singles, pues siempre llegaba al segundo puesto.

La canción fusiona elementos de varios géneros, incluido el rock and roll, blues, gospel, y el Soul; no obstante, contiene muchos de los elementos mas característicos de Creedence Clearwater Revival. John Fogerty, lider de la 'Creedence', dijo que el riff de guitarra fue influenciado por Steve Cropper de Booker T. & the MGs.

El estupendo tema fue escrito en un barco a vapor llamado "Mary Elizabeth" que era propiedad de la familia Grafton. Uno de aquellos 'boat queen' con grandes ruedas de paletas destinados a navegar desde New Orleans por todo el Mississippi. De ahí lo de “rolling on the river” de su estribillo, que incluso les hizo pensar en titularla “Rollin’ down the river”, aunque al final se decidieron por “Proud Mary” en homenaje al barco que traslada desde la ciudad al protagonista en busca de trabajo.

"Proud Mary" arrastró durante bastante tiempo cierta polémica por lo dicho en la segunda línea de su segundo verso: “pumped a lot of pain”, que muchos han interpretado como “pumped a lot of ’pane’”. Lo relacionaban con el propano usado como combustible en esos barcos. La polémica fue iniciada por Ike y Tina Turner que hicieron un cover del tema, en el cual Tina canta “pumped a lot of ’tane" refiriéndose al octano, que es la escala de clasificación química en la gasolina. Fogerty dijo acerca de la confusión: 

"A veces escribo palabras a las canciones para que concuerden con el sonido al cantar. A veces, el oyente no entiende lo que estoy cantando porque estoy dedicado a la vocalización y se divierten con los sonidos de cada palabra que sale de mi boca. "Cleaned a lot of plates in Memphis, pumped a lot of pain down in New Orleans" es un buen ejemplo. Creo que Tina Turner cantó `Tane" en lugar de "Pane", como en forma de hablar sobre el "octanaje". Pero yo ya sabía lo que quería decir."

Polémicas aparte, la versión funky de Ike & Tina Turner, que va del hipnotismo a la apoteosis absoluta, fue un auténtico éxito y está considerada como una canción indispensable en cualquier archivo de clásicos que se precie.

Fuentes:



ME AND BOBBY MCGEE (JANIS JOPLIN, 1971) - Cover de Roger Miller, 1969
Fred Foster, productor y fundador del sello discográfico Monument Records, llegó corriendo un día a casa del joven y aún desconocido músico Kris Kristofferson (que estaba a punto de salir de Nashville para desempeñar su trabajo de piloto de helicópteros), y le dijo: "Tengo el título de una canción para ti: 'Me and Bobby McGee'. El gancho es que 'él' puede ser 'ella'." Efectivamente, el nombre de  “Bobby” puede referirse tanto a un hombre como a una mujer. Foster utilizó el nombre de una de sus secretarias (que en realidad se llamaba Bobbi McKee)  para el título.

Me estuve escondiendo de Fred por muchos días, cuenta Kristofferson, pero a la vez estaba tratando de escribir aquella canción todo el tiempo que estaba volando entre Baton Rouge y New Orleans. En mi mente tenía el ritmo de una canción de Mickey Newbury, ‘Why You Been Gone So Long’, y entonces desarrollé la historia de dos jóvenes que recorren el país, como lo hicieron Anthony Quinn y Giuletta Masina en la película de Federico Fellini, "La Strada".

Aquel mismo año 1969, el cantante de country estadounidense Roger Miller la grabó y consiguió con ella un notable éxito; aunque nada parecido al que lograría dos años después Janis Joplin en su grabación póstuma. Kris y Janis habían sido buenos amigos, y la leyenda decía que el cantautor había compuesto la canción para ella o pensando en ella; pero no fue así.

Recién publicado su primer disco, durante una noche de fiesta de comienzos de 1970, Kris Kristofferson cantó su canción para Janis, su productor y otros amigos, quedando prendados. Así que hicieron unos pocos arreglos y la grabaron. Unos meses después, la cantante fallecía de manera dramática*. Tras el funeral, en casa de la cantante, con Kristofferson entre los asistentes, alguien accionó la cinta que ésta había dejado puesta en su magnetofón y la voz de Janis interpretando “Me and Bobby McGee” llenó la casa desatando un mar de lágrimas. Ni que decir tiene que el más compungido fue el propio autor del tema.

La canción formó parte de su álbum póstumo "Pearl" y también como sencillo, que alcanzó el número 1 en octubre de 1971, lográndose mantener por más de dos semanas en la primera posición.

*Al morir a los veintisiete años, Janis Joplin fue incluida en el llamado Club de los 27. El impulso para la creación del club fueron las muertes de Brian Jones (The Rolling Stones), Jimi Hendrix, Jim Morrison (The Doors) y la misma Janis Joplin. Kurt Cobain (Nirvana), que falleció en 1994, fue añadido más tarde. A excepción de Janis Joplin, existe controversia en relación con las demás muertes de los miembros del club. De acuerdo con el libro 'Heavier Than Heaven', cuando Cobain murió, su hermana dijo que cuando era niño hablaba de que quería formar parte del Club de los 27. En el decimoquinto aniversario de la muerte de Cobain, Robert Smith de National Public Radio dijo, "La muerte de estas estrellas de rock a la edad de 27 años realmente ha cambiado la forma de ver la música rock." El libro 'The 27s: The Greatest Myth of Rock & Roll' detalla la historia del fenómeno. Cabe decir que uno de los últimos artistas en entrar en este funesto club fue Amy Winehouse, en 2011.

Fuentes:





Hasta aquí ha llegado la primera parte de este especial... próximamente publicaremos la segunda entrega con más covers que superan al original!!!

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