jueves, 8 de septiembre de 2016

Covers Musicales que superan al original (Parte 2)

Continuamos con el repaso, dividido en tres entradas, en el que destacamos aquellos covers que han llegado a ser incluso más famosos, o han superado, al tema original.

Si deseas ver la primera parte, puedes entrar en el siguiente enlace: Covers Musicales que superan al original (Parte 1).




WITHOUT YOU (NILSSON, 1971) - Cover de Badfinger, 1970
El mismísimo Paul McCartney comentó sobre "Without you", que "es la canción más increíble de todos los tiempos"; sin embargo, la historia tras esta preciosa balada (o más concretamente, detrás del grupo que la compuso) es una de las más tristes y descorazonadoras de la historia de la música.

Badfinger  fue una banda de rock británica originaria de Gales, considerada como una de las más importantes del llamado power pop. Llamados a ser los nuevos "Beatles", ya que heredaron su característico sonido (no en vano, fue el mismo cuarteto de Liverpool los que apadrinaron el grupo), tenían la calidad y aptitudes suficientes para haber triunfado sin concesiones en la industria. No obstante, la ingenuidad propia de su tierna edad (apenas cumplían la veintena), y los desalmados oportunistas (como su mánager Stan Polley) que se aprovecharon de ellos hasta la saciedad, hicieron que dejaran su huella en el mundo musical de la peor manera posible. Tal como decía Stan Poses, vicepresidente de Badfinger Enterprises, años después: “Eran unos chiquillos y estaban confundidos. Es una auténtica vergüenza que cosas como éstas sucedan en el negocio de la música”, ya que a mediados de los años setenta dos de sus miembros ya se habían quitado la vida, y precisamente fueron los dos artífices de "Without you", posiblemente la canción más rentable de la historia: Peter Ham (uno de los miembros del fatídico "Club de los 27") y Tom Evans.

Si deseas saber más sobre la interesante y triste historia del grupo Badfinger, te invito a que leas el siguiente artículo: Baby Blue: La trágica historia del grupo Badfinger...

Resumiendo, porque la historia da para escribir un buen libro, Ham y Evans escribieron y la grabaron originalmente para su álbum "No Dice" (1970), su álbum más laureado. Harry Nilsson, en su momento conocido por su éxito de Everybody's Talkin' y por componer canciones como 'One' para 'Three Dog Night', se encontraba en la casa de Mama Cass, en el Laurel Canyon de Hollywood. Unos cuantos amigos, entre ellos, Graham Nash , jugaban al póker y bebían como cosacos, pero tenían música puesta como fondo; para ser más exactos, sonaba en el tocadiscos “No Dice” , el nuevo álbum del grupo patrocinado por los Beatles, a través de su sello Apple Records, los Badfinger*. Durante la fiesta, alguien dio la vuelta al disco y empezó a sonar la canción “Without you” , el primer tema de la cara B del disco. Llegado el estribillo, con la maravillosa melodía de “I can´t live if living is without you”, Nilsson apartó la cartas y empezó a prestarle mucha atención a la canción. Como vio el sello de Apple se creía que Paul o John le habían dado esta enorme canción a sus patrocinados, pero en el disco de vinilo ponía claramente que la canción la habían escrito Pete Ham y Tom Evans, componentes de Badfinger.

El resto es historia. Nilsson grabó “Without you” justamente en los estudios Trident de Londres, donde se había grabado y mezclado la canción original. Nilsson había querido hacer una versión muy acústica , tan sólo con el piano de Gary Wright del grupo Spooky Tooth , pero el notable productor del disco, Richard Perry, actualmente casado con Jane Fonda, le sugirió que hicieran una versión más sentimental , más lenta y profunda, incluso con un arreglo de cuerda. Así fue, el maravilloso músico que es Paul Buckmaster hizo un arreglo sensacional (cabe recordar que en aquellos días era el amante de Elton John y suyo era el arreglo de “Your song”). 

"Without you" fue número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 100 durante cuatro semanas, desde el 13 de febrero al 11 de marzo de 1972. En Reino Unido, la canción permaneció cinco semanas en la primera posición, a partir del 11 de marzo de ese mismo año, y vendió casi 800.000 copias. El single fue producido por Richard Perry, quien posteriormente afirmó, "Se trataba una canción diferente para aquella época. Era una gran balada con ritmo muy marcado y, aunque muchos artistas han compuestos canciones similares desde entonces, nadie hasta ese momento lo había hecho". Gary Wright, conocido entonces por pertenecer al grupo británico Spooky Tooth y posteriormente convertirse en un exitoso artista en solitario, tocó el piano en la grabación de la versión de Nilsson. 

Otra de las versiones más estimables de esta canción es la de Mariah Carey, que produjo junto a Walter Afanasieff, incluyéndose en su álbum "Music Box". La producción está basada en la versión de Harry Nilsson, siendo una de las canciones de estilo soft rock más marcado de Carey. En esta balada, la cantante exhibe su voz desde notas muy graves a las más altas.

Sea como fuere, Badfinger convirtió en multimillonarios a Harry Nilsson y posteriormente a Mariah Carey, y ni siquiera cobraron los derechos de autor, ya que fueron exprimidos, masticados, digeridos y regurgitados sin recompensa alguna por la maquinaria discográfica.

El nombre de Badfinger se le ocurrió a John Lennon. “With a little help from my friends”, del Sgt. Peppers, que en un principio, se iba a llamar “Bad Finger boogey” . Antes se llamaron los Iveys, pero a ninguno de los Beatles les gustaba el nombre, a pesar de que habían tenido un discreto éxito con “Maybe Tomorrow”. El grupo como The Iveys lo había llegado a promocionar Ray Davies de los Kinks, que incluso les grabó unas maquetas, pero se quedaron en nada. El pipa de los Beatle Mal Evans los llevó a Apple.

Fuentes:
http://www.plasticosydecibelios.com/hay-evans-ahorcados-badfinger-without-you/
http://www.jotdown.es/2011/07/badfinger-la-maldicion-de-los-%E2%80%9Cnuevos-beatles%E2%80%9D/
https://es.wikipedia.org/wiki/Without_You_(canci%C3%B3n_de_Badfinger)
https://es.wikipedia.org/wiki/Badfinger



KILLING ME SOFTLY WITH HIS SONG (ROBERTA FLACK, 1973) - Cover de Lori Lieberman, 1971
Una gélida mañana del 3 de febrero de 1959, tras un bolo en Clear Lake (Iowa), Buddy Holly decide alquilar una avioneta para evitar un regreso en un autobús con la calefacción averiada a un montón de grados bajo cero, y así poder descansar para el próximo evento de la gira: "Winter Dance Party" en Moorhead (Minnesota). El avión nunca llegó a su destino, estrellándose en medio de un campo de maíz. junto a él (y el piloto, Roger Peterson) fallecían otras dos estrellas del pop the Big Bopper y Ritchie Valens. Aquel día fue una conmoción total entre los amantes de la música, sin embargo apenas había durado un año y medio y sólo contaba con un número uno "That'll Be The Day", y algunos otros éxitos de diverso calado "Peggy Sue", "Everyday","Oh Boy!"... Los otros dos artistas son un caso parecido, the Big Bopper, aunque era un D.J muy popular estaba triunfando únicamente gracias a "Chantilly Lace", mientras que Valens era una incipiente estrella de tan solo 18 años que triunfaba con "La Bamba".

Este fatídico accidente se le conoce como "El día en que murió la música", debido al inmortal clásico que en 1971 compuso el cantautor noteamericano Don McLean, el célebre "American Pie"... que permitió al cantautor mantenerse durante un par de semanas en lo más alto de las listas, además de llenar las salas de conciertos. Fue en uno de estos conciertos donde la escritora y cantante de California (aunque se crió en Suiza) Lori Lieberman, quedó fascinada por el estilo y la música de McLean, que según algunos fue escuchando "American Pie" (aunque la propia Lieberman afirma que fue mientras escuchó "Empty chairs") cuando quedó fascinada y le vino la inspiración para escribir unos poemas dedicados a la experiencia de aquel concierto de McLean, en los que confesaba que la "estaba matando suavemente" con su canción. Norman Gimbel y Charles Fox escribieron "Killing Me Softly" sobre esa base y la primera versión fue grabada por la propia Lieberman.

Sin embargo, dos años después, Roberta Flack inmortalizó la canción con su versión (que daba título a su 5º álbum de estudio), que le hizo mantenerse en el número uno más de cinco semanas consecutivas. Además, fue nominada a los premios Grammy como mejor canción ese mismo año, curiosamente "American Pie" se enfrentaba a ella en la misma categoría, siendo finalmente Roberta Flack quien se llevara el gato al agua, ganando tres galardones.

Posteriormente se han grabado otras versiones de esta canción, siendo la del grupo de hip hop The Fugees la más notoria, con la cual alcanzó el número 1 en las listas estadounidenses y permitiendo que su álbum "The Score" (Columbia Records, 1996) fuera multi-platino y ganador de dos premios Grammy.

Fuentes:
http://grafistantaneas.blogspot.com.es/2011/12/killing-me-softly-with-his-song-de.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Roberta_Flack
https://es.wikipedia.org/wiki/Killing_Me_Softly_with_His_Song
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Fugees
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Score_(%C3%A1lbum)
http://www.musicaememorandum.com/2013/12/killing-me-softly-with-his-song-roberta-flack.html
http://www.elreporte.com.uy/killing-me-softly-with-his-song/




LOVE HURTS (NAZARETH, 1975) - Cover de Everly Brothers, 1960
"Love Hurts" es una canción de la banda de escocesa Nazareth. Fue publicada como single en 1974 (para Europa) y en 1975 (para Norteamerica) logrando conquistar las radios, llegando a los primeros lugares de las listas de ambos continentes y considerada, por los críticos, como una de las mejores "Power Ballads" de la historia del rock.

Esta potente balada fue el impulso que la banda necesitaba para mostrar su talento musical al mundo, e hizo que su disco "Hair of the Dog" fuera uno de los mas vendidos entre 1974 y 1975, logrando la suma de casi dos millones de copias vendidas por todo el planeta.

Debido al gran impacto que provocó esta balada en la gente, muchos creen que esta canción fue escrita por alguno de los integrantes de Nazareth. Pero no es así la cosa, ya que "Love Hurts" fue escrita por la pareja de compositores compuesta por Felice y Boudleaux Bryant para que la interpretaran los Everly Brothers, quienes la lanzaron como single en Julio de 1960, logrando un éxito mas bien moderado, entrando en algunos rankings pero no en gran popularidad. Al año siguiente fue el turno del gran Roy Orbison, que hizo su versión de esta balada y la publicó como lado B de la canción "Running Scared". Su resultado fue mejor que el de los simpáticos hermanos Everly, puesto que logró llegar al quinto puesto en Australia y tuvo buenas criticas en Inglaterra; sin embargo, la versión de Nazareth fue la que hizo mas reconocida a esta balada, debido a su potencia vocal y gran sonido.

Fuentes:
http://detrasdelacancion.blogspot.com.es/2010/03/love-hurts-nazareth.html
http://historiasderock.es.tl/Nazareth.htm
http://corazondecancion.blogspot.com.es/2013/04/nazareth-love-hurts-letra-en-ingles-y.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Love_Hurts
https://es.wikipedia.org/wiki/Nazareth_(banda)
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Everly_Brothers



BETTE DAVIS EYES (KIM CARNES, 1981) - Cover de Jackie DeShannon, 1974
‘Bette Davis eyes’ fue la canción que dio a conocer a Kim Carnes en Europa, a pesar de que la cantautora californiana arrastraba para entonces una dilatada y consistente carrera. Con ella también protagonizó un cambio de timón a su andadura, con una canción más pop que tuvo inmediata repercusión en el mercado.

La canción fue escrita por Donna Weiss y Jackie DeShannon en 1974, basándose en la reconocida actriz estadounidense Bette Davis. Ese mismo año DeShannon la grabó para su álbum New Arrangement. Pero no fue hasta el año 1981, cuando Kim Carnes grabó su versión del tema, que la canción se convirtió en un éxito comercial, ya que pasó nueve semanas no consecutivas en la cima de los Estados Unidos, en el Billboard Hot 100 (interrumpido una semana por "Stars on 45 Medley") y fue el mayor éxito de la cartelera en el 1981.

Kim Carnes nunca se había acercado a este estilo e incluso dicen que inicialmente rechazó ‘Bette Davis eyes’ cuando se la ofrecieron Donna Weiss y Jackie DeShannon; aunque finalmente aceptó grabarla tras un arreglo instrumental firmado por Bill Cuomo. Decidió explorar en nuevos ritmos y acertó. La versión femenina de Rod Stewart fue partidaria incluso el uso del sintetizador. La voz desgarrada de esta inusual rubia platino firmó una joya envuelta en una melodía hipnotizadora. Su timbre, según confesó, era fruto de las muchas horas que dedicó en sus comienzos a cantar en bares y clubs llenos de humo.

Incluso la propia Bette Davis se declaró fan de esta canción. En sus memorias la actriz señaló que le emocionó poder formar parte de la generación del rock. De la canción también surgió una estrecha amistad entre la diva del cine y la cantante. De hecho Carnes visitó a Davis en repetidas ocasiones en su casa hasta su muerte en 1989.

Como dato anecdótico, cabe señalar que ‘Bette Davis eyes’ ha sido muy usada por el mundo de la publicidad. Así, en 1982 el refresco ‘Seven Up’ realizó un spot con la letra ligeramente alterada.

Fuentes:
http://blogs.elcorreo.com/musica-callada/2012/08/30/kim-carnes-bette-davis-eyes-los-ojos-de-bette-davis/
http://www.fragatacultural.com/2012/02/los-ojos-de-bette-davis-bette-davis.html
http://pedro-casquel.blogspot.com.es/2009/02/una-cancion-con-historia.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Bette_Davis_Eyes





TAINTED LOVE (SOFT CELL, 1981) - Cover de Gloria Jones, 1964
Es curioso que una de las canciones ochenteras más versionadas y remezcladas de la historia, este Tainted Love de Soft Cell, sea a su vez una versión de otro tema. Marc Almond y Dave Ball vendieron millones de discos en 1981 con este hito del synth-pop.

Tainted Love fue originalmente escrita por Ed Cobb, del grupo The Four Preps y fue grabada por primera vez en 1964 por Gloria Jones, una joven cantante californiana que fue descubierta por él. 

Ed Cobb impulsó la carrera de Gloria, componiéndole canciones y llevándola a grabar varios singles. Uno de los primeros, grabado en 1965 cuando la cantante apenas tenía 19 años, sería "My bad boy's comin' home", que comercialmente pasaría sin pena ni gloria, pero que en la cara B incluía una canción que con los años se convertiría en mítica.

Los años pasaron. Cobb continuó con una exitosa carrera como compositor y, sobre todo, como productor. Gloria, por su parte, tuvo algunos éxitos, interpretó varios musicales, fichó por la Motown y comenzó a componer para algunos otros artistas de la compañía (incluyendo nombres tan importantes como The Supremes, The Jackson 5 o Marvin Gaye), antes de unirse sentimentalmente a Marc Bolan (con quien tendría un hijo) y unirse a los T-Rex. Ella conducía el coche que tuvo el accidente en que se mató Bolan, quedando ella misma bastante grave, y al no estar la pareja legalmente casada no tuvo derecho a ninguna herencia, perdiéndolo todo y viéndose obligada a volver a América.

Para entonces, sin embargo, ya estaba considerada en Inglaterra la reina del Northern Soul. En 1973 el DJ Richard Searling había conseguido una copia del viejo single en un viaje a América y había popularizado Tainted love en la escena de clubes de Northern Soul, que tan importante sería para el revival mod. Tal fue su popularidad que la propia Gloria regrabaría el tema en 1976, aunque tampoco obtuvo el resultado comercial esperado.

Pero entre los que escucharon la canción en aquellos clubes estaba un joven llamado Marc Almond, que se haría fan de la canción. Poco tiempo después Almond formaría, junto a su colega David Ball, un grupo de synth-pop llamado Soft Cell, que prometía bastante y había firmado un contrato con Phonogram. No obstante, pese a cierto éxito en el circuito de clubes y una buena consideración por parte de los entendidos, los primeros singles del dúo no habían sido ni mucho menos un éxito comercial, así que la compañía les dejó entrever que si no conseguían un éxito con su siguiente trabajo les rescindiría el contrato. Y Almond recordó aquella vieja canción que tanto le gustaba. El resto, como suele decirse, es historia.

El éxito de la canción en todo el mundo fue indiscutible. En el Reino Unido alcanzó rápidamente el número uno. En Estados Unidos tardó más en calar, pero acabó alcanzando el núnero 8 en las listas, eso sí, consiguiendo una permanencia entonces record de 43 semanas entre los 100 singles más vendidos. Curiosamente, Almond y Bell no cobraron nada por derechos de autor por uno de los singles más vendidos e influyentes de la década, puesto que como cara B del single habían escogido otra versión (Where did our love go, de las Supremes), de modo que ninguna de las canciones incluidas iba firmada por ellos.

La influencia que tendría esta versión sería enorme. Su éxito abriría el camino al pop de sintetizadores que predominaría en los 80, que unos meses después se consolidaría con el "Don't you want me" de The Human League. Incluso el vídeo, realizado por Tim Pope (conocido sobre todo por ser el autor de casi todos los videos de The Cure), dejaría su huella, que puede verse en la reutilización de la imaginería clásica decadente en el impresionante vídeo de "Relax" de Frankie Goes to Hollywood.

Sin embargo, el dúo no conseguiría igualar su éxito y se separaría en 1984. En 1991 publicarían una nueva remezcla de la canción que les había dado fama. Mientras tanto, las versiones de esta canción se multiplicaron, muchas de ellas sin siquiera conocer la original. Una de las primeras y más memorables sería la que realizaría Coil en 1985, para el primer single de la historia destinado a obtener fondos para la lucha contra el SIDA.

Fuentes:
https://thebestofthe80s.wordpress.com/2012/06/24/tainted-love/
http://queco.blogspot.com.es/2011/08/biografia-de-una-cancion.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Tainted_Love
https://es.wikipedia.org/wiki/Soft_Cell




RED RED WINE (UB40, 1983) - Cover de Neil Diamond, 1967
"Red Red Wine" pertenece al famoso cantautor norteamericano Neil Diamond, quien la grabó a inicios del año 1968, y la publicó en Abril de ese mismo año bajo la producción de Jeff Barry y Ellie Greenwich, dos pesos pesados de la música Pop en Estados Unidos.

Esta canción, que es una alabanza al vino y su capacidad generosa de hacer olvidar de manera rápida (o mejor dicho temporal) las penas de amor, llegando sólo al puesto #63 del Bllboard Hot 100 (estuvo tres semanas en esa posición), y se convirtió en una canción de Diamond que tomaría más fuerza y popularidad con el paso de los años, gracias a nuevas versiones que vendrían en camino.

La más conocida es sin lugar a dudas la que realizó la banda británica UB40, que fue publicada como single un 23 de Agosto de 1983, que fue incluida en su disco "Labour Of Love", cuarto trabajo musical de esta banda oriunda de Birmingham, que incluía versiones "reggae" de algunas obras musicales de sus artistas favoritos.

Hacer un disco de "covers" al parecer es un buen caballito de batalla para toda banda que quiera generar recursos monetarios mayores, pero cuando el músico pesca sus canciones favoritas y las adapta a un nuevo estilo y las hace suyas, la cosa es distinta, y aparte de generar grandes cifras monetarias también demuestran la calidad, y eso merece un gran aplauso. "Labour Of Love" es uno de eso trabajos, donde las canciones quedan disfrazadas de manera magistral con el sonido de UB40.

Como apunte, cabe reseñar que posteriormente UB40 alcanzaría bastante éxito con las versiones de "I got you babe" (originalmente de Sonny & Cher en 1965) incluida en su Lp "Baggariddim" (A&M Records, 1985) y con "I can't help falling in love" (originalmente de Elvis Presley en 1956) incluida en su Lp "Promises and Lies" (Virgin Records, 1993) y que fue banda sonora de la película "Sliver (Acosada)" (Phillip Noyce, 1993).

Fuentes:
http://detrasdelacancion.blogspot.com.es/2011/03/red-red-wine-ub40.html
https://es.wikipedia.org/wiki/UB40
http://shumanes.blogspot.com.es/2012/08/ub-40-red-wine.html
http://www.filmaffinity.com/es/film273921.html




YOU CAN LEAVE YOUR HAT ON (JOE COCKER, 1986) - Cover de Randy Newman, 1972
Sin duda, podríamos afirmar con total seguridad que "You can leave your hat on" es la canción más sexy de la historia, y todo ello gracias a Kim Basinger... Cómo no escuchar esta canción y rememorar aquella escena de la película dirigida por Adrian Lyne en 1986 “Nueve semanas y media”, protagonizada por Mickey Rourke y Kim Basinger, donde la actriz realiza un streaptease de auténtico infarto.

Aunque cabe puntualizar que la canción fue escrita originalmente por Randy Newman, un artista que era, y sigue siendo, considerado compositor antes que interprete. La canción está incluida en uno de sus álbumes más laureados: "Sail Away" (Reprise Records, 1972), aunque tal éxito fue precedido posteriormente a raíz de versiones, como ésta de Joe Cocker que nos concierne. Es de sobra conocido que Randy Newman ha triunfado mucho más como compositor de bandas sonoras, teniendo la friolera de 20 nominaciones a los Oscar, las cuales ganó en dos ocasiones por las memorables películas de Disney-Pixar "Monstruos S.A." (Monsters Ink, 2002) y "Toy Story 3" (Id., 2011).

Es estimable recordar que en 1997 el portentoso cantante galés Tom Jones volvió a interpretarla en una escena similar de otra película, “The Full Monty” (Id., Petter Cattaneo, 1997).

Fuentes:
https://godsavetherock.wordpress.com/tag/you-can-leave-your-hat-on/
http://detrasdelacancion.blogspot.com.es/2009/04/you-can-leave-your-hat-on-joe-cocker.html
http://xtarlings.blogspot.com.es/2007/11/estamos-en-otoo-el-sol-ya-no-es-tan.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Randy_Newman
1001 Discos que ha que escuchar antes de morir, de Robert Dimery (Grijalbo, 2009) (ISBN: 978-84-253-4330-8)



MY GREAT PRETENDER (FREDDIE MERCURY, 1987) - Cover de The Platters 1955
No cabe duda que Freddie Mercury es uno de los mejores cantantes de la historia musical, y también fue el carismático líder de la mítica banda británica de rock "Queen". 

En 1986, tuvo lugar la última gira de Queen. El 'Magic Tour' recorrió Europa durante dos meses, acabando en Knebworth Park, el 9 de agosto (aquel famoso concierto en el que aterrizaron en un helicóptero). Esa fue la última actuación en directo de Freddie Mercury con Queen. Durante los primeros meses de 1987, el grupo se tomó un tiempo de descanso por lo que Freddie aprovechó para grabar un trabajo en solitario en los estudios Townhouse. Entre otras canciones, grabó una reedición de la vieja canción de The Platters llamada "The Great Pretender", que fue lanzada como single el 23 de febrero, y la cual alcanzó el número cuatro en la UK Singles Chart. Es muy conocido el vídeo que grabó para promocionar la versión, mostrando a Freddie cantando la canción delante de un plató formado por unas largas escaleras, un fondo con luz azul y decenas de figuras de cartón-pluma de él mismo disfrazado; intercalado con imágenes de diferentes vídeos de Queen, como "I Want To Break Free" o "Crazy Little Thing Called Love". También salen escenas grabadas para este clip en los platós de estos anteriores vídeos y unas imágenes de tres mujeres coristas, que realmente son el propio Freddie junto a Roger Taylor y Peter Straker. El vídeo comienza y termina con una imagen de un telón con el título de la canción. 

Tras la fatídica muerte de Mercury, se lanzó en 1992 el álbum recopilatorio The Freddie Mercury Album (llamado en Estados Unidos The Great Pretender), y en 2000 se publicó el box set The Solo Collection, que incluyeron esta canción, junto con otros singles sueltos, agrupándolos dentro de un mismo disco; y también es necesario reseñar, que el tema se utilizó en la película "La noche y la ciudad" (Night and the City, Irwin Winkler, 1992).

Fuentes:
http://historiasderock.es.tl/Freddie-Mercury.htm
https://es.wikipedia.org/wiki/The_great_pretender
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Great_Pretender_(versi%C3%B3n_de_Freddie_Mercury)
https://es.wikipedia.org/wiki/The_Platters
http://www.filmaffinity.com/es/film785815.html





NOTHING COMPARES 2 U (SINNÉAD O'CONNOR, 1990) - Cover de The Family, 1985
The Family fue una banda creada por Prince para su sello Paisley Park Records. Sólo publicaron un disco el cual, de las ocho canciones que contenían en un extraño estilo de funk-jazz, siete fueron escritas por el pequeño genio de Minneapolis y toda la instrumentación (excepto las voces y el saxofón) corrían de su cuenta. Podría haberse tratado de otro álbum del creador de "Purple rain", visto el grado de involucración en el proyecto (podríamos decir que un 95%), pero quisieron ocultar la trampa dando créditos de autoría a la pareja que formaba The Family, excepto en un tema, "Nothing compares 2 U" (que el artista dedicó a su entonces novia, la actriz y vocalista Susannah Melvoin), canción que ni siquiera fue single de este singular proyecto.

Probablemente, siendo consciente de la grandiosidad de su creación, Prince no quiso quemarse más de lo que estaba y conservó su nombre en la firma del tema, por lo que ésa era su única reclamación artística dentro de The Family, aparte de la producción y la instrumentación, claro está. Como anécdota, cabe decir que los demos originales de este disco, interpretados por Prince, son un tesoro codiciado por sus acérrimos seguidores.

No obstante, fue en 1990 cuando la por aquel entonces casi desconocida Sinéad O’Connor estremeció a la escena musical de aquel periodo con el single ‘Nothing compares 2 U’, la versión del tema de Prince del que se sabía bien poco hasta ese momento. La versión de Sinéad toma un aire más nostálgico gracias al arreglo musical y su capacidad vocal, lo que la convirtió en un hit radical en casi todo el mundo. En Irlanda, llegó al primer lugar en julio de 1990 y se mantuvo allí durante 11 semanas; siendo el octavo mayor éxito de la década. Tuvo un éxito similar en el Reino Unido, estuvo en el número 1 durante tres semanas, y en Alemania (# 1 durante 11 semanas). Inusualmente para una balada, la canción también escaló las listas de popularidad de música rock moderna. A esto se suma un vídeo musical que fue éxito en MTV que consistió básicamente en un acercamiento al rostro de Sinéad mientras cantaba y al final ruedan un par de lágrimas por sus mejillas. Según O’Connor, se debe a la frase "All the flowers that you planted, Mama/All died when you went away" (Todas las flores que plantaste, mamá, murieron cuando te fuiste), debido a la compleja relación que tuvo con su madre.


El álbum que contuvo el tema, "I Do Not Want What I Haven't Got", vendió millones de copias en todo el mundo y recibió varios discos de platino. Sinéad obtuvo cuatro nominaciones al Grammy, incluyendo Grabación del Año y Mejor Interpretación Vocal Pop Femenino, ganando el de Mejor Álbum de Música Alternativa, siendo la primera artista en ganar ese premio (1991 fue el primer año en que se abrió la categoría). Sin embargo, Sinéad se negó a aceptar las nominaciones y el premio argumentando: “No acepto premios que se me hayan concedido por mi éxito material. Los Grammy se dan al disco que más ha vendido, pero no al mejor artísticamente hablando. No me interesan. No quiero tomar parte en nada que anime a la gente a creer que el éxito material es importante, especialmente si eso representa que te has de sacrificar personalmente para obtenerlo.”

Fuentes:
http://musicinmouth.blogspot.com.es/2008/12/nothing-compares-2-u-la-historia-detrs.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Nothing_Compares_2_U
https://es.wikipedia.org/wiki/Sin%C3%A9ad_O%27Connor
http://otrapintaplease.blogspot.com.es/2015/04/25-anos-de-nothing-compares-2-u-de.html
http://shumanes.blogspot.com.es/2012/10/sinead-oconnor-nothing-compares-to-you.html





KNOCKING ON HEAVENS DOOR (GUNS N' ROSES, 1991) - Cover de Bob Dylan, 1965
La música y el cine son un matrimonio insoluble de gran arraigo. Algunas películas dan a conocer canciones y viceversa. Es por ello que, si eres un cineasta, contar con un músico y compositor de talento, garantiza la inmortalidad de tu obra. Estaba un día de 1973 Bob Dylan haciendo sus cosas, cuando le llegó una oferta del gran Sam Peckinpah, que necesitaba una canción para un momento determinado, en el que disparaban y herían de muerte al shérif del western que se iba a rodar "Pat Garret and Billy the kid". De las meninges de Bob salió este "Knockin’ on Heaven’s Door"... una canción escrita desde la perspectiva del shérif moribundo: "Mamá, toma esta placa de encima / No puedo usarla  más / se está poniendo oscuro, demasiado oscuro para mí / siento que estoy llamando a las puertas del cielo".

El sencillo alcanzó el puesto doce en la lista estadounidense Billboard Hot 100. En 2004, fue votada como la número 190 por los representantes de la industria de la música y prensa en la revista 'Rolling Stone' como parte de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos; además, se ha versioneado en numerosas ocasiones, sin embargo fue Guns 'N' Roses quien la inmortalizó con su versión, incluida en el venerado "Use for illution II", superando en ventas a la original y con una interpretación en directo que ronda los diez minutos realmente impresionante; de hecho, la banda californiana la tocó en el majestuoso concierto multitudinario "Tributo a Freddie Mercury" celebrado en el estadio de Wembley en 1992, y posteriormente la lanzó como single.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Guns_N%27_Roses
https://es.wikipedia.org/wiki/Knockin%27_on_Heaven%27s_Door
http://shumanes.blogspot.com.es/2012/08/bob-dylan-knocking-on-heavens-door.html
http://www.codigonuevo.com/la-historia-detras-de-la-cancion-knockin-on-heavens-door/
http://musicamasalladeaca.blogspot.com.es/2012/07/knockin-on-heavens-door.html
http://www.musicaememorandum.com/2015/02/knockin-on-heavens-door-guns-n-roses.html
http://www.elreporte.com.uy/knockin-on-heavens-door/




I WILL ALWAYS LOVE YOU (WHITNEY HOUSTON, 1992) - Cover de Dolly Parton, 1974

Dolly Parton escribió "I always love love you" en 1973 para despedirse de su mentor, productor y por años dueto, Porter Wagoner, con quien sostuvo una relación romántica. Dolly decidió que era el momento de independizarse y decirle adiós; sin embargo, Wagoner no quería que ella siguiera como solista: “A veces, te metes en una de esas relaciones de amor-odio con las personas con las que trabajas. Porter y yo éramos muy competitivos y apasionados. Así que también te pones un poco celoso. Y no me avergüenzo de haberme sentido de esa manera. Pero se me estaba partiendo el corazón porque pensé que lo mejor era irme. Él no me escuchaba. No había nada que pudiera decir que lo hiciera más fácil. Así que me senté y escribí esta canción”.

Así que Dolly Parton llamó a su compañero y mentor para comunicarle la noticia como ella mejor sabía hacerlo: “Le dije: ‘Siéntate, Porter. He escrito una canción y quiero que la escuches’. Y lloró. Me dijo: ‘Es la canción más bonita que he escuchado. Puedes irte, siempre y cuando yo te produzca este disco’. Y lo hizo”. Aquella canción de despedida la tituló ‘I will always love you’ y la incluyó en su décimo tercer álbum de su carrera, “Jolene”, publicado en 1974. El primer single de aquel trabajo fue la canción homónima ‘Jolene’, con la que Dolly expresaba su temor a que otra mujer le robara a su hombre. La inspiración la encontró en las habituales visitas que su marido hacía al banco, donde le atendía una voluptuosa mujer. Que la tremenda Parton tuviera celos de las curvas de otra mujer puede resultar sorprendente. El nombre lo tomó prestado de una fan pelirroja de diez años que le pidió un autógrafo. El segundo single del álbum fue, por supuesto, ‘I will always love you’.

La canción tuvo tan buena acogida que Elvis Presley estaba interesado en grabar su propia versión de esta balada. Para la Reina del Country que el Rey del Rock quisiera versionar uno de sus temas era un auténtico sueño cumplido, sin embargo, los trapicheos del Coronel Parker lo echaron todo a perder. El Coronel exigía la mitad de los beneficios obtenidos por el tema, pero Parton no cedió y se negó aceptar el acuerdo. Aunque Elvis no llegó a grabar su propia versión, quien sí lo hizo fue Linda Ronstadt. Esta versión fue incluida en el álbum su sexto álbum, “Prisioner in disguise” (1975) y, precisamente, esta versión fue el motivo por el que la canción se asocia a la película “El guardaespaldas” (Mick Jackson, 1992). En un principio, la película protagonizada por Kevin Costner y Whitney Houston iba a terminar con Houston interpretando el tema de Jimmy Ruffin ‘What becomes of the broken hearted’, pero cuando Costner descubrió que esa canción también iba a sonar en la película “Tomates verdes fritos” (Jon Avnet, 1991), había que buscar una alternativa. El actor conocía la versión de ‘I will always love you’ de Ronstadt y consideró que sería una canción adecuada para Houston. Aunque los ejecutivos no estaban del todo seguros de que fuera a funcionar, el paso del tiempo ha demostrado que la versión de Whitney Houston es más popular que la original de Dolly Parton... ya que la convirtió en la canción más romántica de la historia.

La versión de Houston fue el primer sencillo publicado de la banda sonora de la película The Bodyguard (El guardaespaldas), en donde Whitney Houston, quien interpreta la canción, debutó como artista de cine. El sencillo fue un hit mundial y la banda sonora vendió más de 48 millones de copias a nivel mundial. El 2 de septiembre de 2013 la revista Billboard publicó su lista Hot 100 55th Anniversary: The All-Time Top 100 Songs donde se colocó en la posición #49. 

Fuentes:
http://www.eloriente.net/home/2013/02/13/historia-detras-la-cancion-i-will-always-love-you-de-whitney-houston-por-canal-3/
http://www.efeeme.com/la-cara-oculta-de-las-canciones-will-always-love-una-despedida-segun-dolly-parton/
https://es.wikipedia.org/wiki/I_Will_Always_Love_You
http://blogs.antena3.com/acusticamente/will-always-love-you-cancion-mas-romantica-historia_2012021400105.html
http://shumanes.blogspot.com.es/2012/10/whitney-houston-i-will-always-love-you.html

 


Hasta aquí ha llegado la segunda parte de este especial... próximamente publicaremos la tercera (y última) entrega con más covers que superan al original!!!

Si te ha gustado este artículo, te invito a que leas su primera parte a través de este enlace: Covers Musicales que superan al original (Parte 1).

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