lunes, 16 de enero de 2017

Covers Musicales que superan al original (Parte 3)

Terminamos con el extenso repaso, dividido en tres entradas, en el que destacamos aquellos covers que han llegado a ser incluso más famosos, o han superado, al tema original.

Si deseas ver tanto la primera parte como la segunda, puedes entrar en los siguientes enlaces: 


TODO TIENE SU FIN (MEDINA AZAHARA, 1992) - Cover de Módulos, 1969
Que en España, en el año 1969, se hiciera música como ésta es casi un milagro. Los Módulos (junto con Máquina!) introdujeron en nuestro país el rock sinfónico (o progresivo) cuando la mayoría de los grupos hacían pop, siendo unos auténticos pioneros de aquello que vendría después, a mediados de los setenta, con el movimiento underground del rock progresivo y culminando en los ochenta con la 'verdadera movida', el rock duro de los Leño, Barón Rojo, Obús y compañía.

Desde sus primeros singles, el cuarteto madrileño destacaron por su elevado talento instrumental y compositivo, además de la original voz de su cantante, Pepe Robles, una de las mejores voces que ha dado nuestro país. Durante aquel primer año trabajaron duro en los locales del sello Hispavox, para crear las canciones que compondrían su primer LP, titulado “Realidad”, álbum que aparecería en el mercado un año después en 1970. Se trata de uno de los álbumes más importantes del rock español, un disco muy variado, excelente de principio a fin, en el que destaca un tema por encima de todos, “Todo tiene su fin”, editada en single en 1969 junto a otro tema soberbio titulado “Nada me importa”.

“Todo tiene su fin” es una balada impresionante, una canción mágica, deudora del sinfónico más antiguo, aun alejado de largos y barrocos temas conceptuales y de virtuosismos instrumentales, que ha envejecido a tono con su calidad.

No obstante, a principios de la década de los noventa, el grupo cordobés Medina Azahara, tras su álbum en concierto "En directo (Avispa Music, 1990), cambiaron de estilo musical, pasando del rock sinfónico al heavy metal, lanzando el álbum "Sin tiempo" (Avispa Music, 1992). Cabe decir que arrasaron con un álbum para la leyenda. Nueve temas sin desperdicio que comenzaban a apuntar a una vertiente más hard y heavy, con espacio para las baladas, y la imponente versión del clásico de Los Módulos, que obtendría la certificación de disco de platino.

Como apunte personal, me gustaría destacar la estimable versión al estilo flamenco pop que realizó en 2003 el cantante gaditano El Barrio, publicada en la edición especial del disco "Angel Malherido" (Senador, 2003).

Fuentes:




HALLELUJAH (JEFF BUCKLEY, 1994) - Cover de Leonard Cohen, 1984
'Hallellujah' significa "alabado sea el Señor"; sin embargo, el gran poeta y cantautor canadiense (recientemente fallecido) Leonard Cohen, no quiso hacer una alabanza religiosa ni tampoco una letra encasillada en las "canciones cristianas", sino que su intención fue componer un poema basado en historias bíblicas, relatos antiguos, creencias, la fe y las inseguridades e inquietudes existenciales, utilizando la simbología judeocristiana para expresar la gloria y la pena de amar.

Cohen la publicó en 1984, dentro de su álbum "Various Positions". Según palabras del propio autor canadiense, estuvo dos años dándole vueltas a la letra e hizo hasta 80 estrofas que luego resumió en seis para la grabación; pero más tarde, confesó que fueron cinco los años en que tuvo la letra pululando por su libreta. A pesar de tanto esfuerzo, en aquel disco, la canción pasó sin pena ni gloria.

Años más tarde John Cale, mítico componente de la Velvet Underground, la rescató para sus actuaciones y le pidió a Cohen que le pasara las estrofas sobrantes. Leonard le pasó sólo 15, pero con ellas J. Cale le dio otra forma y comenzó a interpretar la canción en sus conciertos. Posteriormente J. Cale la grabó para "I’m your fan", un disco de tributo a Leonard Cohen; y fue precisamente en ese disco cuando Jeff Buckley la encontró.

Según cuenta un amigo de Buckley, éste se obsesionó con la canción y comenzó a cantarla en directo. La fue puliendo hasta que llegó la hora de grabarla para su primer y único disco, titulado "Grace". Cambió alguna estrofa de sitio, le hizo un arreglo con una única guitarra cargada de reverb y le añadió el amplio registro de su voz. A esto le sumó una interpretación cargada de intensidad y emoción, llena de altos y bajos, matices, momentos delicados combinados con ráfagas abrasivas. En resumidas cuentas, elevó la creación de Leonard Cohen al himno que ahora todos conocemos, convirtiéndola en una obra de arte incontestable.

Hoy en día se canta en funerales y hasta en bodas, también se incluyó hasta en una película de "Shrek" (interpretada por el excelente cantante Rufus Wainwright); y además, ha estado en el número 1 (o en los primeros puestos) de muchos países, en algunas de las múltiples versiones que se han hecho de ella. Cabe mencionar también que la ha cantado en directo el mismísimo Bob Dylan, hay versiones en infinidad de idiomas, gente que se tatúa la letra y hasta un libro entero de casi 300 páginas dedicado a la canción.

Sobre Jeff Buckley, es necesario comentar que tuvo una trayectoria musical efímera, ya que tres años después de lanzar su álbum de estudio antes citado (considerado por la crítica como una obra maestra de todos los tiempos), mientras se encontraba en la cima de su carrera tras inmortalizar "Hallellujah"... falleció ahogado mientras nadaba en el Río Wolf (Tennessee, EE UU) a la altura de la ciudad de Memphis. Su repentina muerte a los 30 años dejó tras de si una prometedora carrera, debido a su virtuosismo, su potente rango vocal de cuatro octavas y media, y su sensibilidad interpretativa única; no obstante, tuvo una gran influencia en artistas del talante de Radiohead, Muse o Lady Gaga, entre otros.

Como apunte, cabe decir que es hijo del cantautor Tim Buckley, que también tuvo una muerte prematura, a los 28 años, a causa de los excesos con las drogas y el alcohol.

Fuentes:

 


THE MAN WHO SOLD THE WORLD (NIRVANA, 1994) - Cover de David Bowie, 1969

En 1970, el camaleónico David Bowie pasaba por una increíble crisis de identidad y esto lo dejaba muy expresado en las letras de sus canciones. Era tanta su desesperación por buscar un molde de identidad o algún camino que le dijera la realidad de su personalidad que muchas veces se escondió bajo maquillajes extravagantes y en la creación de personajes ficticios. Una de esas canciones era "The Man Who Sold the World", que trata sobre un hombre que no se reconoce a sí mismo y eso le provoca momentos de poca autoestima y mucha confusión.

En algunas entrevistas Bowie ha descrito a su canción como un homenaje abierto a la juventud y de como ellos van descubriendo su verdadera personalidad con el paso de los años basados en un proceso lento, donde los sentimientos juegan un papel muy (pero que muy) importante.

La canción se incluyó en el álbum del mismo nombre, lanzado en 1970, y a pesar de no tener tanto éxito en materia comercial, para muchos críticos es considerado como una pieza fundamental para la carrera de Bowie, ya que fue en este álbum donde trabajó por primera vez con su banda de apoyo en "Spiders from Mars", que serían los protagonistas secundarios del gran éxito musical de este personaje antológico. Cabe mencionar además, que "The Man Who Sold the World" no fue lanzada como single promocional; sin embargo, logró ser una de las canciones mas reconocidas en la extensa y cambiante carrera musical del duque blanco, gracias a que en 1973 apareciera en el lado B del single que incluía uno de sus grandes clásicos, "Space Oddity" (solo para Norteamérica); y en el Reino Unido, fue lanzada ese mismo año como lado B del single que promocionaba a la canción "Life on Mars?" (otro gran clásico). En ambos lanzamientos la canción, junto a sus respectivos lados A, logró llegar a los primeros lugares de los rankings.

No obstante, la enorme popularidad del tema llegó casi veinte años después, cuando el mítico grupo de rock Nirvana la interpretó durante su presentación en el concierto acústico MTV Unplugged, en 1993. Esta monumental versión fue lanzada en el álbum póstumo "MTV Unplugged in New York" al año siguiente y colocó a "The Man Who Sold the World" de moda, liderando todos los rankings norteamericanos, entrando en las listas de las radios, emitiéndose en canales de televisión especializados como MTV y postulándose como uno de los himnos musicales de la década de los 90's; y es que, sin lugar a dudas, se trata de una canción adaptable a cualquier época, un himno a la juventud que siempre busca algún símbolo de personalidad o un estereotipo que sirva de emblema para sus ideales; y además, está compuesta por uno de los artistas mas influyentes de todos los tiempos.

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LOVE IS ALL AROUND (WET WET WET, 1995) - Cover de The Troggs, 1967

Tras disfrutar del rotundo éxito con la buena promoción de su canción "Wild Thing", la banda británica The Troggs se encaminó en la producción de su segundo hit, y la elegida fue la juguetona balada "Love Is All Around". Esta pieza fue escrita por el vocalista Reg Presley (que usaba ese emblemático apellido sólo con fines comerciales) luego de ver por televisión una actuación de la banda cristiana The Joystrings, donde interpretaban de manera perfecta su llamativa pieza "Love That's All Around". 
"Recuerdo que había vuelto de Estados Unidos, era un Domingo, y desde la cocina salía el aroma de un sabroso almuerzo. Habíamos pasado meses solo comiendo hamburguesas. Besé a mi esposa, abracé a mi pequeño hijo que en aquel entonces tenía cuatro años. Comimos juntos, fuimos al salón a mirar la televisión y ahí estaban los 'Joystrings' golpeando tambores, arrodillados y gritando frases de amor. Su música me llamó la atención de inmediato y mi esposa e hijo también quedaron maravillados con la energía de la canción... De aquella experiencia decidí escribir esta balada", —recordaría en Julio de 2011 Presley en una entrevista concedida por la revista Mojo—.
En tan sólo 10 minutos Reg escribió "Love Is All Around", con un aroma a folk, campo y amor libre. Una pieza ingeniosa de principio a fin, con un intro de guitarra que sirve de cortina perfecta para los extraordinarios juegos de voces. Se trata de una pieza muy hippie, pero a la vez un ejercicio perfecto sobre como hacer una balada efectiva sin caer en lo cursi ni en lo trivial.

El 18 de octubre de 1967 fue la fecha exacta en que la canción llegó al puesto #50 en el UK Singles Chart y escaló de manera sombrosa a la casilla #5 el 22 Noviembre de ese mismo año. Se mantuvo dentro del top 10 por casi 15 semanas consecutivas, lo cuál ya era un récord para la banda. Mientras que en Estados Unidos, lugar donde la invasión británica causaba furor, la canción llegó a la casilla #7 del Billboard Hot 100 el 18 de Mayo del año 1968.

Pero el éxito de la canción tomaría nuevas energías en la década de los 90's, específicamente en Mayo del año 1994, cuando la banda escocesa de Pop Wet Wet Wet hizo una nueva versión de "Love is All around" con motivo de la banda sonora de la película "Cuatro bodas y un funeral" (Four Weddings and a Funeral, Mike Newell, 1994), estando la friolera de quince semanas liderando todos los charts británicos; y de paso, lograría resucitar los viejos discos de una emblemática banda inglesa como los Troggs, la cual dejó un gran legado musical para la historia del Rock.

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TURN (NATALIE IMBRUGLIA, 1997) - Cover de Ednaswap, 1995

Todo el mundo conoce el gran hit de Natalie Imbruglia llamado "Torn", pero la realidad es que la guapa cantante y actriz australiana realizó un cover en aquel 1997 que la dio a conocer ante el mundo, que incluiría en su álbum debut "Left of the middle".

Es menester decir que "Torn" sonó dos años antes en un disco de Ednaswap, una banda considerada grunge (de corto alcance comercial), que en mayo de 1995 se lanzó a la aventura musical con su debut homónimo y que colocó esta composición en el mercado como segundo sencillo. Lo más irónico es que la citada banda, originaria de Los Angeles, jamás se sintió cómoda en las grabaciones y terminó tachando el proceso creativo como algo decepcionante, especialmente porque nunca sonaron como deseaban.

Imbruglia, en contraste, se bañó de gloria con la más dulzona y popera interpretación de la susodicha canción, acompañada además de un vídeo curioso en el que aparecía Jeremy Sheffield y que invadió horas y horas de la programación de MTV durante el final de 1997 y prácticamente todo el año siguiente. Todo esto le valió a Natalie una merecida nominación al Grammy, aunque sus aspiraciones se hundieron a costa de Céline Dion y su conocidísima oda al barco más famoso de todos los tiempos.
"Lo bueno de todo esto es que, si 'Torn' es tocada en la radio, nosotros ganamos dinero"le dijo en 1999 Anne Preven, integrante de Ednaswap y compositora de dicha canción, a Howard Stern, justo antes de interpretar en su programa una versión acústica. En aquel año, dicha agrupación se desintegraría para siempre.
En resumidas cuentas, se trata de una de tantas historias dentro de la industria musical en las que una melodía puede ser ignorada en voz de uno y reciclada por otro para dejar el limbo y acercarse al cielo... y es que veces las cosas cambian por completo con sólo mover una pequeña tuerca a la 'máquina'.

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IT'S OH SO QUIET* (BJÖRK, 1995) - Cover de Betty Hutton, 1951
*El título original de la canción es "Blow a Fuse" y fue grabada por la actriz Betty Hutton en 1951. En 1995, al cantante islandesa realizó su versión, cambiando su título original por "It's Oh So Quiet".

Cabría decir que el mayor hit de toda la carrera de Björk, fantástica cantautora, multiinstrumentista, compositora y productora islandesa, es una versión que no tiene demasiado (por no decir nada) que ver con ella. El tema en cuestión, que fue top 4 en Reino Unido y permaneció en las listas de éxitos durante quince semanas, fue el tercer single de su segundo álbum en solitario "Post", lanzado en 1995. 

No obstante, la canción es la versión de una versión, ya que Björk interpretó la propuesta de la cantante y actriz Betty Hutton, con letra re-escrita en inglés por Bert Resifeld, que incluyó como lado B de su sencillo "Murder, He Says"; sin embargo, aquella ‘It’s Oh So Quiet’ lanzada en 1951 (titulada originariamente como "Blow a Fuse") ya era en realidad una versión de un tema alemán más antiguo (concretamente de 1948), ‘Und jetzt ist es still’ de Horst Winter, escrita por los también alemanes Hans Lang y Bert Reisfeld. Como dato curioso, cabe mencionar también que en Francia, otra cantante, Ginette Garcin y The Jacques Hélian Orchestra la grabaron en 1949, con el titulo "Tout est tranquille".
"Todo fue una broma en realidad." declaró Björk a la revista Record Collector de agosto de 2002—. "Era una canción que Guy Sisworth solía tocar en el camión en el cual íbamos de gira. Desde entonces, yo me negaba a hacer una versión de esa canción ya que tenía gran interés en generar música nueva. Mucha gente estaba re-haciendo música antigua e incluso grupos nuevos haciendo canciones viejas. Si he hecho algo en este mundo, ha sido el tener el valor de hacer nuevas cosas, así que es irónico que 'It’s Oh So Quiet' se haya convertido en mi más grande canción, y luego el vídeo."

El vídeo fue dirigido por Spike Jonze y fue inspirado en los musicales de los años 40s y 60s. Luego de la publicación del vídeo, con el que ganó numerosos premios, el sencillo se convertiría en un gran éxito en Australia, donde llegó al #6 en las listas. En el Reino Unido alcanzaría el certificado de sencillo de oro, vendiendo más de 400,000 copias.


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ALL BY MYSELF (CELINE DION, 1996) - Cover de Eric Carmen 1975


La historia de esta famosa canción empieza a mediados del año 1975, cuando el cantante estadounidense Eric Carmen se encontraba en su habitación intentando escribir una balada.  Acordes tras acordes, acompañadas de varias frases que iban directo al basurero, eran la rutina que ya llevaba casi dos meses el compositor con el fin de llegar a la canción en su forma perfecta, y esa tarea no siempre puede resultar simple. Pero en esa ocasión, y para buscar algo de inspiración, Carmen decidió poner un disco del "Concierto para piano n.º 2", una obra en Do Menor escrita por el pianista y director de orquesta ruso Serguéi Rajmáninov en 1901, y tras escucharla de manera atenta, el músico no tuvo ningún temor ni vergüenza en tomar (o mejor dicho, en calcar!!!) algunos acordes para acompañar los primeros versos. Esto le traería problemas meses después tras creer que la música de este pianista era de dominio publico, ya que los representantes del músico ruso Rachmaninoff y Eric tuvieron que llegar a un acuerdo económico (pagando el 12% de las ganancias) para frenar los paseos a tribunales y los 'dimes y diretes' de la prensa en el momento exacto de su fama mundial.


Tras lograr escribir la música para los primeros versos, el siguiente paso que se le venía en el camino a carmen era encontrar un buen coro; y tras varios intentos, el músico decidió utilizar acordes parecidos a una de las canciones que publicó con los Raspberries. 

Se trataba de "Let's Pretend", una canción que el mismísimo Carmen ha declarado que contiene una melodía agradable y que por varios motivos no llegó tan lejos como se pensaba a la hora de grabarla. Carmen no lo pensó dos veces, y tomó algunos acordes de esta "rola" y logró dar con ese coro impresionante y a la vez inolvidable, que hizo de su canción un clásico eterno.


Sobre la letra de la canción, se puede mencionar que al igual que varias de las otras piezas del disco debut de Carmen, esta contiene guiños autobiográficos y reflexiones sobre la vida solitaria y sobre el futuro, basándose en en compromiso y la responsabilidad para no volver a cometer los errores de un pasado donde lo tuvo todo pero jamás lo disfrutó de buena manera. El propio Eric Carmen comentó en una entrevista publicada en su Web Oficial:
"Si entramos a una tienda de discos y vemos un disco que se titula 'All By Myself' de inmediato la asociamos a nuestras vivencias, ya que es una emoción que todos hemos sentido en algún momento de nuestras vidas. Es una canción que directamente la corazón. La letra es simple, pero a la vez dramática. A veces mis melodías son dramáticas y cuando contienen una letra dramática uno llega a pensar que sólo es una exageración." 
La balada fue tan famosa que alcanzó el puesto #2 en los Billboard Hot 100. Desde entonces, ha sido versionada por diferentes artistas entre los que destacan: Frank Sinatra (que la publicó en 1976), Tom Jones (tomada de su concierto en las Vegas, en 1980), Sheryl Crow (que la publicó como single en 1994) y sobretodo la gran cantante canadiense Céline Dion, que la incluyó en su álbum de 1996 "Falling into you", en el que logró establecer su popularidad mundial, mostrando una mayor progresión en su música y por el cual ganó dos premios Grammy en 1997, en las categorías "Álbum del año" y "Mejor Álbum Pop"; además de ganar diversos premios a través de todo el mundo.


Fuentes:



AMERICAN WOMAN (LENNY KRAVITZ, 1999) - Cover de The Guess Who 1970

The Guess Who arrastraban una larga trayectoria profesional desde su formación en Winnipeg durante 1958, bajo el nombre de Al and the Silvertones fueron ganándose un sitio entre las bandas locales de Rock. A lo largo de los 60 tuvieron cierta repercusión tocando temas clásicos de Rock and Roll (como su single de debut "Tribute To Buddy Holly", 1962), cambiaron varias veces de nombre (Chad Allan and the Reflections, Chad Allan and the Expressions...) hasta que llegó 1965. Con uno de sus singles, una versión del "Shakin 'All Over" de Johnny Kidd and The Pirates, llegan al número 1 en Canadá, y se cuelan en las listas USA, en el puesto 22, y el 27 en Australia, esto hace que su sello discográfico (Quality Records) decida dedicarles mas atención e impulsar su carrera. En un intento de crear un halo de misterio, los productores deciden, a modo de juego con, cambiar el nombre de la banda por el misterioso "Guess Who?" (algo así como "adivina quien"), ocultaron la identidad de sus miembros, potenciando así la creencia de que se trataba de un grupo Beat, formado en paralelo por miembros de importantes bandas británicas. No sabemos si la fórmula funcionó bien, aunque se pueden encontrar artículos de prensa americana de la época en la que se barajaban nombres como Lennon, Keith Richards, o Jimmy Page. El caso es que incluso después de que Quality Records revelara que "Guess Who?" eran en realidad Chad Allan and The Expressions, tanto la prensa, como los Dj's, como el público, continuaron llamándolos "Guess Who?" por lo que la banda cambió definitivamente de nombre, aunque, eso sí, sus primero álbumes aparecen acreditados con ambos nombres.

A finales de los 60, los diversos cambios en los componentes del combo (Randy Bachman, Burton Cummings, Jim Kale y Garry Peterson) trajeron también un cambio en su sonido, intentan alejarse del Rock más tradicional y del Merseybeat, y buscan una identidad propia, dejándose influenciar por el Blues, el Jazz y un Rock más potente y eléctrico. Tras conseguir su primer disco de oro con la balada "These Eyes" y una agotadora gira por los Estados Unidos, volvieron a su Canadá natal. Una vez allí, salieron de gira por su país y durante un concierto en Kitchener (Ontario), el guitarrista Randy Bachman rompe una de las cuerdas de su guitarra, mientras la cambia, el resto deciden improvisar algo para animar al público, un riff sencillo y un punteo chirriante que hizo que el vocalista Burton Cummings se decidiese a cantar lo primero que se le vino a la cabeza... "American Woman, stay away from me-ee!", el público alucinaba, se volvieron locos, y la banda, una vez en el estudio, decidió dar forma a aquella frase, y crear un tema para su próximo disco. 

El resto es historia (como suele decirse), ya que esta canción marcó todo un hito para la banda y para el rock canadiense, ya que fue el primer single de una agrupación oriunda de ese país en lograr el primer lugar en los rankings de los Estados Unidos.

Mientras arreglaban la canción, la banda decidió darle otro sentido a la letra y dejar un mensaje oculto en ella, el cual se componía de contenido anti-belico y de protesta hacía la actitud imperialista que había tomado el gobierno estadounidense. En primera instancia muchos de los fans, especialmente las de sexo femenino, pensaron que era una canción con contenido machista y se dedicaron a criticar abiertamente esta canción de la banda. Sin embargo, con el paso de las semanas, y luego de varias entrevistas hechas por la banda a diferentes medios, se dieron cuenta que la mujer de la cual se hablaba en la canción era la mismísima y 'damosa' Estatua de la Libertad, la cual era usada como una metáfora comparativa hacía la actitud imperialista de Estados Unidos en momentos donde la Guerra de Vietnam era el tema principal en el mundo.

Debido a esta interpretación de la letra, las autoridades del gobierno de Nixon declararon que el contenido de "American Woman" era anti-estadounidense y decidieron que The Guess Who no participara en un show artístico a las afueras de la Casa Blanca en 1970, donde iba a estar presente el "fanático de los micrófonos" Richard Nixon. Obviamente esas autoridades temían que el mensaje de la canción lograra hacer pensar al público sobre las innecesarias guerras y que eran mandados por unos "gorilas". A tal punto llegaba el manejo comunicacional por parte de los políticos estadounidenses hacia los diarios y revistas, que en muchos de estos medios se mencionaba que la canción de los Guess Who era una oda patriótica a EE.UU. y especialmente era un homenaje a sus esforzadas y ejemplares mujeres... Hasta a eso llegaban. Con todo, "American Woman" logró el #1 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en dicho puesto durante 3 semanas.

En 1999 la canción volvió a tener fama gracias a la interesante versión más funk y psicodélica que le hizo Lenny Kravitz para el soundtrack de la película "Austin Powers 2: La espía que me achuchó" (Austin Powers: The Spy Who Shagged Me, Jay Roach, 1999) y que fue incluida en disco titulado simplemente como "5". Cabe decir que el tema ocupó la tercera posición en la lista de Mainstream Rock y la séptima en Modern Rock Tracks, ambas de la revista Billboard.1 En 2000, ganó un premio Grammy en la categoría de "mejor interpretación vocal de rock masculina".

Fuentes:
http://grafistantaneas.blogspot.com.es/2013/02/canciones-con-historia-american-woman.html
http://detrasdelacancion.blogspot.com.es/2010/04/american-woman-guess-who.html
https://lacanciondelasemana.wordpress.com/2010/03/16/marzo-7-2010/
http://www.filmaffinity.com/es/film741052.html
https://es.wikipedia.org/wiki/American_Woman



HURT (JOHNNY CASH, 2002) - Cover de Nine Inch Nails, 1994
Corría el año 1994, Trent Reznor lanzó el disco que lo confirmaría como un genio "The Downward Spiral", envuelto en una grandísima crisis existencial, debido a que un íntimo amigo suyo murió de un disparo en la cabeza. Este hecho hizo que Trent entrara en una espiral de drogas y sufrimiento, viendo caer a pedazos su fe en Dios (tema constante en su obra) y entró en una fase durísima de autodestrucción en la que aunque profesionalmente sería su mejor momento, personalmente estaría hundido. Además, se da cuenta de que sus amigos lo han abandonado tras intentar advertirle de que estaba cayendo, y los pocos que permanecen junto a él, es Reznor mismo quien se encarga de hacerles daño, debido a sus malas decisiones.

El tema en cuestión, Hurt, se encargaba de cerrar tan glorioso álbum... un tema intimista, depresivo y sincero, cantado siempre con extrema delicadeza, agarrando el micrófono como si quisiera aferrarse a un amigo para confesar sus errores cometidos, errores de juventud que le han hecho apartar a los seres más queridos y llevándole a una espiral de autodestrucción.

Por otro lado, Johnny Cash fue uno de los máximos representantes de la música country. Cantautor autodidacta y hombre de escenario (en el que siempre aparecía con colores oscuros, de ahí el apodo de “Man In Black”), fue considerado como la voz de la gente desheredada de los Estados Unidos e implicándose junto con su querida June Carter, también cantante, en apoyar causas de los más desfavorecidos.

En el año 2002 la productora ofrece a Johnny Cash la oportunidad de interpretar Hurt en un disco de versiones. Cash accedió a entrar en el estudio, a pesar de vivir un momento personal complicado marcado por su delicado estado de salud y por la pérdida de su gran amor. Hurt adquiere bajo la potente voz de Cash un tono más desgarrador, una versión prácticamente desnuda, revestida de escasos arreglos instrumentales y embadurnada de una gigantesca solemnidad. Su versión se transforma (aún siendo la misma letra) en un repaso por su vida sin imágenes, las cuales toman forma con el extraordinario videoclip que produjo Mark Romaneck y que recibió el premio a mejor vídeo del año, donde Cash aparece reflexivo, sereno, haciendo balance de su vida, echando la mirada atrás, mientras su esposa lo observa... donde los éxitos del pasado se llenan de polvo en un museo cerrado y sin público.

Revestida de un simbolismo que aún hoy es estremecedor, Hurt había dejado de ser una canción de Reznor para convertirse en una de Johnny Cash, una de inmenso éxito comercial y la más celebrada del héroe del country en sus últimos días. Cash transformaba la adicción de Reznor en un relato universal sobre los conflictos internos y las contradicciones emocionales de todo ser humano, en un alegato casi dramático y desesperado (moriría siete meses después).


Reznor, inicialmente receloso, abrazó la versión de Cash sin despecho, y se mostró maravillado por cómo un hombre desde una perspectiva creativa distinta (que no radical: el impulso emocional era el mismo) podía transformar su canción en algo nuevo sin que perdiera todo su potencial emocional: "He perdido a mi novia, esa canción ya no es mía".

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Hurt_(canci%C3%B3n_de_Nine_Inch_Nails)
https://enlaeternidad.wordpress.com/2007/04/13/hurt-una-cancion-dos-versiones-opuestas/
https://magnet.xataka.com/idolos-de-hoy-y-siempre/la-historia-detras-de-hurt-la-espectacular-cancion-del-nuevo-trailer-de-logan
http://alvarolamela.blogspot.com.es/2010/12/hurt-reznor-y-cash-unidos-por-el-mismo.html


REGRESA A MI* (IL DIVO, 2004) - Cover de Tony Braxton 1996
*El título original de la canción es "Un-break My Heart" y fue grabada por la cantante estadounidense Toni Braxton en 1996. En 2004, el  el grupo vocal de ópera-pop Il Divo, compró los derechos de la canción y la reeditó traduciendo su título al español como "Regresa a mí".
Toni Braxton comenzó su carrera en 1993 y rápidamente, gracias a la ayuda de sus productores, se convirtió en una estrella, con su homónimo disco debut alcanzando el primer lugar en ventas y más tarde, con "Secrets", de donde se desprende la balada que la llevó a la fama mundial, "Un-Break My Heart", propiciando que ganara siete premios Grammy.

La canción se convirtió en el segundo hit número uno consecutivo de Toni Braxton en el Billboard Hot 100, y se mantuvo en esa posición por once semanas seguidas durante finales de 1996 y comienzos de 1997 siendo el sencillo más exitoso de Braxton para la fecha. También llegó al número 2 del Billboard Hot R&B/Hip-Hop Songs. Sin embargo, los problemas en su vida entraron con la bancarrota que le dejó el mal manejo de sus productores al obligarla a ir de gira, hecho que se unió al descubrimiento del autismo de su segundo hijo; y finalmente, el descubrimiento del lupus y los intentos por ocultar su enfermedad, lo que le trajo varios problemas que la obligaron a hacer público su padecimiento en 2010. Todo ello lo plasmó en el telefilme "Toni Braxton: Unbreak my Heart" dirigido por Vondie Curtis-Hall y producido por la propia Braxton.

Por otra parte, en 2004 el grupo vocal de ópera-pop Il Divo compró los derechos de la canción y la reeditó al español como "Regresa a mí", su primer sencillo en su primer álbum Il Divo publicado en 2004, haciendo de la canción su tema emblema y todo un éxito a nivel internacional, que incluso apareció como una de las canciones oficiales de la FIFA World Cup 2006 de Alemania, en el álbum 'Voices from the FIFA World Cup'... así como la canción "The time of our lives" (El Tiempo de nuestras Vidas), en el que para interpretarla oficialmente durante el Mundial, el grupo invitó a la cantante Toni Braxton para que cantarla a dúo. 

El 9 de junio de 2006, recitaron la canción durante el descanso del partido inaugural entre la Selección de fútbol de Alemania y la Selección de fútbol de Costa Rica, y de nuevo, un mes más tarde, en la ceremonia de clausura del 9 de julio 42 de la Final de la Copa Mundial de Fútbol de 2006 entre la Selección de fútbol de Italia y la Selección de fútbol de Francia. El videoclip oficial de "The time of our lives" fue grabado en Alemania bajo las órdenes del director Nigel Dick. El single se publicó en el disco anteriormente citado de la FIFA World Cup; y también, en la re-edición europea de Braxton de su álbum 'Libra' y en una versión abreviada de la canción, en el segundo disco del álbum de 'Greatest Hits' de Braxton.

Fuentes:
http://www.cronica.com.mx/notas/2016/991660.html
http://www.filmaffinity.com/es/film407362.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Un-Break_My_Heart
https://es.wikipedia.org/wiki/Il_Divo#Single_Regresa_a_m.C3.AD



VALERIE (MARK RONSON FEAT. AMY WINEHOUSE, 2007) - Cover de The Zutons, 2006

¿Cuándo iba a pensar la desaparecida banda de Liverpool 'The Zutons' que su canción Valerie llegaría a ser tan popular en la voz de otra artista y no en la de ellos?

Para ser honestos, Valerie si alcanzó cierto nivel de popularidad en la versión de la banda cuando salió como single en su segundo álbum de estudio, "Tired of Hanging Around", llegando al puesto #9 en el ranking británico. Aquello ocurrió en 2006; no obstante, la explosión final llego al año siguiente cuando el músico y productor de muchas de las mejores canciones del 'Back to Black' de Amy Winehouse, Mark Ronson, la incluyó en su segundo disco, titulado escuetamente 'Version', la cual invitó a su amiga Amy para que interpretara la voz principal, sacando el máximo partido al soul de su voz, combinándolo con el motown y el pop clásico y el ingrediente de los instrumentos de viento que acompañan en determinados momentos de la canción.. Tal fue el éxito, que esta versión llegó al número #2 en el ranking británico y se mantuvo entre las 20 más escuchadas por 19 semanas consecutivas. Es importante mencionar también que Mark Ronson interpreto una vez más esta canción cuando asistió al funeral de su amiga Amy en julio del 2011.

Fuentes:
http://www.rockandpop.cl/2015/07/the-zutons-valerie-amy-winehouse-valery/
http://cabezademoog.blogspot.com.es/2011/06/zutons-tired-of-hanging-around-2006.html
http://melomaniasinremedio.blogspot.com.es/2010/03/valerie-amy-winehouse-y-mark-ronson.html
http://www.corrientescirculares.es/2013/07/canciones-que-dan-cosica-valerie-de-amy-winehouse/
https://es.wikipedia.org/wiki/Mark_Ronson
https://es.wikipedia.org/wiki/Valerie


Si te ha gustado este artículo, te invito a que leas sus dos primeras partes, a través de los siguientes enlaces: 

Covers Musicales que superan al original (Parte 1).
Covers Musicales que superan al original (Parte 2).

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