miércoles, 4 de abril de 2018

10 grandes canciones con nombre de mujer



En la historia de la música las baladas se alojan en un lugar privilegiado de nuestra memoria colectiva; posiblemente porque apelan al sentimiento más universal y esencial para el ser humano: el amor. Y detrás de una historia de amor, sin lugar a dudas se encuentra una mujer. Así que, a lo largo de los tiempos, grandes y numerosas mujeres han sido fuente de inspiración para todo tipo de canciones, que han ido revistiendo de grandeza este prolífico, y precioso a fin de cuentas, mundo musical.

Diferentes épocas y variopintos artistas, cada uno de un país distinto de procedencia, y con su particular estilo musical, engrosan la lista de aquellos artistas que, guiados por su musa femenina, han perfilado (en la mayoría de las ocasiones) las mejores canciones de su carrera.

Nosotros, desde nuestra posición, no hemos querido dejar pasar la ocasión para seleccionar, de las miles de millones de canciones que existen, una pequeña porción de diez temas titulados con el nombre de la mujer al que van dirigidos... y sus historias que tienen detrás de cada uno de ellos nos han maravillado, y en algunos casos, hasta nos han dejado sin habla. 

Tomen asiento, relájense, preparen su equipo de música o unos buenos auriculares, y disfruten con este breve (pero intensísimo) viaje a través de la historia de las canciones... y por supuesto, de todas aquellas mujeres, que de una manera especial, han servido de inspiración para los mejores artistas... y si desean, una vez hayan terminado, pueden dejar vuestro comentario luego...


Donna - RITCHIE VALENS 1958
Ricardo Steven Valenzuela Reyes, mundialmente conocido como Ritchie Valens, fue un pionero del rock and roll y un precursor del movimiento de rock; a pesar de que su carrera musical sólo duró ocho meses... y es que Valens forma parte de aquellos tres artistas que perdieron la vida la madrugada del 3 de febrero de 1959, conocido como "El día que murió la música" que tan bien citó el gran cantautor estadounidense Don McLean en su mítica "American Pie". Valens, junto con los también músicos Buddy Holly y The Big Bopper, perdieron la vida en un accidente de avión en Iowa, con tan solo 17 años de edad, quedando truncadas tanto sus vidas como sus prometedoras trayectorias.

En cambio, durante ese corto lapso de tiempo, el joven cantante y guitarrista estadounidense de ascendencia mexicana se anotó varios éxitos, como por ejemplo "La bamba" (1) o la canción que nos ocupa "Donna".


"Donna" es una hermosa balada dedicada a Donna Ludwig, que supuestamente fue su novia; aunque oficialmente nadie sabe si realmente lo fueron. La historia cuenta que Valens y Ludwing se conocieron en la secundaria en San Francisco y el músico estaba locamente enamorado, y fue tanto su amor hacía aquella muchacha que le escribió esta preciosa canción.

La canción fue lanzada como single a finales del año 1958 y a la postre fue la última que grabó antes del fatídico accidente aéreo. Un mes después de la muerte del músico, la canción llegó al casillero # 2 del Billboard Hot 100, siendo una de las canciones mas famosas de este gran artista.



Fuentes:


Eleanor Rigby - THE BEATLES 1966
John Lennon y Paul McCartney se conocieron en 1957, durante una fiesta en la iglesia de St Peter de Wolton, un barrio de Liverpool, su ciudad natal situada al noreste de Inglaterra. Cerca del lugar, concretamente en el cementerio y a varios metros bajo tierra, yacía la sirvienta Eleanor Rigby, muerta en 1939 a los 44 años. Nueve años después, McCartney escribiría la letra de la que se convertiría en una de las canciones más emblemáticas de los 'Fab Four'.

A menudo descrita como una oda a la soledad o a la sociedad británica de posguerra, "Eleanor Rigby" cuenta la historia de una mujer que "murió en la iglesia y fue enterrada junto con su nombre". Sin duda, es tentador imaginarse a dos adolescentes Lennon y McCartney contemplando la lápida, mientras elucubraban sobre la vida que habría llevado Eleanor, para escribir tiempo después la letra; sin embargo, McCartney ha negado que se inspiraran en la tumba para crear la canción, y siempre sostuvo que el nombre "Eleanor" lo tomó de la actriz Eleanor Bron (quien actuó en la película Help!) y el apellido "Rigby" de una tienda de abastos ubicada en la ciudad de Bristol. Pero durante la época de los 80, alguien encontró una tumba en el patio de la iglesia St. Peter (recordemos que fue el lugar donde se conocieron) cuyo epitafio tenía grabado el nombre de Eleanor Rigby, muerta el 10 de octubre de 1939 a la edad de 44 años. McCartney declaró al respecto:
"El patio de la iglesia St. Peter era un lugar que John y yo frecuentábamos regularmente, es posible que haya visto la tumba con el nombre y quizás inconscientemente lo haya recordado o relacionado; quizás mi memoria se clavó particularmente en ese recuerdo, o en el nombre, Eleanor. Pero el nombre no me resultaba suficiente, quería un apellido poco común, y recuerdo un día, caminando con Jane por la ciudad de Bristol, divisé una tienda con el nombre Rigby, y pensé 'eso es, ya lo tengo'."
Tumba de Eleanor Rigby, en el
patio de la iglesia St. Peter.
Sea como fuere, la célebre canción permitió continuar con la transformación del grupo (principalmente en el pop), haciendo ver una banda de estudio más seria y experimental; no en vano, George Martin se inspiró para sus arreglos de cuerda en las composiciones de Bernard Herrmann (en concreto, su tema para "Fahrenheit 451" de François Truffaut, y el inevitable 'The Murder' de la BSO de "Psicosis" de Alfred Hitchcock).

Por otro lado, la impresionante canción fue capaz de desconcertar a todo un Ray Davies. Pasmado ante el cambio de registro, el líder de "The Kinks" declaró a 'Disc and Music Echo' que Eleanor Rigby estaba compuesta para agradar a “los profesores de música en las escuelas para niños”. Esta malévola interpretación de Davies, no muy alejada de la realidad (Martin fue el que decidió desnudar la canción, reduciéndola a las voces y un sexteto de cuerda), no le hace justicia a un tema cuya letra fue calificada como “un poema de la hostia” por nada menos que Allen Ginsberg, uno de los poetas más destacados de la Generación Beat de los 50. También es pertinente decir que la complejidad del tema le voló la cabeza a Brian Wilson, líder de los "Beach Boys". Cansado de la vieja fórmula de las 'cancioncillas surferas' que tanto éxito le había reportado al grupo californiano, en aquella época decidió aparcar los coches trucados y dejar de mirar a las chicas de la playa, para buscar un amor verdadero y espiritual, y componer "el disco de rock and roll más importante de la historia", tal y como confesó Wilson a su mujer Marilyn. El resultado fue el monumental "Pet Sounds" (1966), que aunque fue bastante incomprendido en la época, hizo que los Beatles se pusieran en guardia. De hecho, McCartney ha reconocido numerosas veces la influencia de este álbum en la elaboración de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967), del cual afirmó que el "Pet Sounds" era el mejor elepé de todos los tiempos.



Fuentes:

Delilah - TOM JONES 1968
Delilah es una de las baladas de los años sesenta que más ha conseguido quedarse en la memoria de la gente. Su ritmo dramático y la potente voz de Tom Jones hicieron de ella un éxito fulminante a principios de 1968, impacto que se extendió por todo el mundo; sin embargo, distaba mucho de contar una historia de amor convencional. Originalmente, su autor, Les Reed, afirma que se inspiró en la historia de Sansón y Dalila: "Pero yo estaba perdido como un esclavo que ningún hombre podría liberar", quizás la única línea que alude a la historia bíblica en la letra de la canción. No obstante, la letra dista bastante del mito bíblico. Por poner un ejemplo gráfico, si "Loquillo y los trogloditas" amenazaba a la chica con apuñalarla en el tema "La mataré", la historia que cantaba Tom Jones sencillamente consumó el asesinato: sí, era el clásico "la maté porque era mía", con el agravante de que aquí, incluso, había espionaje voyeurista y todo. Vaya un guión romántico con final feliz, desde luego.


Representación de "Sansón y Dalila", pintado por el artista español José Echenagusía, perteneciente al movimiento Orientalismo. (2)
Tom Jones se posesiona mientras entona Delilah, como si fuera aquel amante engañado que espía a su mujer a través de una ventana, mientras ésta hace el amor con otro hombre. Enceguecido por la infidelidad y lleno de ira, espera hasta la mañana a que su amante salga de la casa para encarar a su mujer, y encontrar así una explicación; en cambio, no se controla y la acaba apuñalando. Una vez consumado el asesinato, su esposo le ruega que la perdone; aunque obviamente es demasiado tarde para disculparse.

Por si esto no fuera suficiente, la canción fue adoptada por los aficionados del club de fútbol inglés 'Stoke City' a principios de la década de los noventa; y a día de hoy, sigue siendo cantada en los partidos, considerándose como uno de los himnos más reconocidos en el fútbol. También suena en los estadios de rugby; de hecho, la famosa balada de Tom Jones se ha convertido casi en el segundo himno nacional de Gales, y es la canción más coreada en los encuentros de esta liga que enfrenta a las selecciones nacionales de rugby de Escocia, Francia, Gales, Inglaterra, Irlanda e Italia. Año tras año, los estadios se vienen arriba con el mítico "She stood there laughing. I felt the knife in my hand and she laughed no more" (que traducido al castellano dice: sentí el cuchillo en mi mano y ella dejó de reír); y por consiguiente, es lógico que una canción tan poco modélica y ejemplarizante levante polémica cada vez que resuena en cada acto deportivo. 


Hincha de la Selección Galesa de Rugby coreando a pleno pulmón la polémica "Delilah" de Tom Jones. Foto: BALLS.ie

El diputado laborista Chris Bryant ha sido una de las personas en defender el veto de la canción en el campo. "Yo he cantado 'Delilah' también, a todo el mundo le gusta cantar el momento del 'She stood there laughing...', pero si queremos tomarnos este problema en serio, tenemos que cambiar cómo hacemos las cosas", escribía en The Guardian a principios de 2016. El primero en llamar la atención sobre esta cuestión fue Dafydd Iwan, cantante de folk y ex presidente de 'Plaid Cymru' (partido político galés que lucha por la independencia del país), que en 2014 dijo que "la canción tendía a trivializar la idea de asesinar a una mujer". Por otra parte, la 'Welsh Rugby Union' respondió en su momento a las críticas, justificando que Delilah "se ha hecho famosa por su musicalidad más que por su letra". También argumentó que "las tragedias de Shakespeare, como Romeo y Julieta, retratan igualmente aspectos negativos de la vida" y que, si nos ponemos así, "hay muchos precedentes similares en el arte y la literatura".

Como apunte, cabe apostillar que el mensaje inapropiado de la canción no pasó inadvertido en el mercado musical hispánico de los 70. La letra de "Delilah" traducida al castellano suavizó bastante el tono y decía algo así: "Sentí su cuchillo de la traición en la mano, clavándolo en mi corazón".


Layla - DEREK & THE DOMINOS 1970
1970 fue un año complicado para el virtuoso guitarrista Eric Clapton. Tras la disolución de su grupo "Cream" (3) y la breve experiencia de "Blind Faith" (4), se podría decir que no encontraba su norte artístico. Al no poder encontrar a los compañeros adecuados para un nuevo proyecto, se incorporó como músico de apoyo para "Delaney & Bonnie", un dúo de soul y soft rock. Para sumarle más drama a sus cavilaciones, le dio por enamorarse de Pattie Boyd, la mujer de su mejor amigo, un tal George Harrison. Ante este escenario, Clapton sintió la necesidad de plasmar sus desventuras emocionales en un disco. Así fue como reclutó a los músicos de apoyo de "Delaney & Boonie" (que, al igual que él, habían abandonado el barco), y bautizó al proyecto como "Derek and The Dominos". Poco antes de comenzar a grabar, se incorporó a la banda el guitarrista Duane Allman, con quien lo unía una mutua admiración artística.

Representación de Layla y Majnún.
El eje de este proyecto fue "Layla", una canción dirigida, como no podía ser de otra forma, a Pattie Boyd, y de la cual es pertinente decir que está inspirada en el poema persa "Layla y Majnún" (5). Escrito por el poeta clásico Nezami Ganjavi, se basa en una historia real centrada en un joven llamado Qays ibn al-Mulawwah, que vivía en la península arábiga en el siglo VII. Clapton la escribió después de que su amigo Ian Dallas (actualmente Abdalqadir as-Sufi), que en aquél momento se estaba convirtiendo a la religión islámica, le contase la historia.​ La historia de Nezami nos narra la obsesión del Qays por una joven llamada Layla (que en persa significa noche) que pertenecía a una tribu rival adinerada. La obcecación de Qays por Layla fue de tal magnitud, que lo llevó a pregonar el amor que le profesaba a los cuatro vientos, y esto para la familia de su futura esposa fue considerado como una manera de deshonrarla. Por este motivo, se negaron a que estuviesen juntos el resto de sus vidas y esto dio todavía más tintes de amor inalcanzable y de lucha constante por alcanzar la conquista, por lo que la locura de Qays ibn Al-Mulawwah fue en aumento. Es a partir de aquí, cuando Majnún (que en persa significa loco), que no Qyas, empiece su camino sin retorno hacia la locura absoluta, escribiendo versos que describen el terrible dolor que siente por estar alejado de Layla.

Pattie Boyd, estaba casada desde 1966 con George Harrison, tras conocerse durante la grabación de la película de The Beatles "Qué noche la de aquel día" (A Hard Day's Night, 1964) de Richard Lester. A su vez, Clapton y Harrison eran grandes amigos, tras haber trabajado juntos en algunos discos de The Beatles, la canción "Badge" de Cream, y sobretodo, en la concepción de "All things must pass" (1970), el primer álbum en solitario de Harrison, después de separarse The Beatles. La fama de gentleman de Clapton es de sobra conocida, pero no siempre fue correspondido (al igual que en el cuento árabe), o por lo menos en los primeros asaltos de la conquista. Su amistad con el 'Beatle' Harrison se tambaleó cuando Clapton intentó pescar en aguas revueltas. La relación de Harrison con su mujer estaba prácticamente finiquitada por las constantes infidelidades de este (una de ellas con la mujer de Ringo Starr), pero su amigo lejos de ayudar a la reconciliación puso todo su talento en favor de la causa opuesta. La fijación e insistencia de “Manolenta” por Pattie Boyd, sirvió de inspiración para que naciese el tema 'Layla' como herramienta de conquista irresistible, cuando ella todavía estaba infelizmente casada con Harrison.


Eric Clapton y Pattie Boyd.
Durante la grabación del álbum Pattie y Eric ya se veían a escondidas, aunque era difícil mantenerlo en secreto. Clapton tenía la esperanza de que esta canción le ayudaría a conquistar definitivamente a Pattie, y que ésta abandonaría a su marido por él. En el libro de Pattie Boyd, "Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me", escribió:
Nos vimos a escondidas en un piso de South Kensington. Clapton me había pedido que fuera porque quería que escuchase algo nuevo. Encendió el radiocasete, subió el volumen y sonó la canción más potente que jamás había escuchado. Era "Layla", trataba sobre un hombre que cae enamorado perdidamente de una mujer que le quiere pero no está disponible. Me la puso dos o tres veces, mientras miraba mi cara para ver mis reacciones. Mi primer pensamiento fue que todo el mundo me iba a reconocer".​
Boyd se divorció de Harrison en 1977 y se casó con Clapton en 1979. Harrison demostró no tener rencor por el divorcio, asistiendo a la boda junto a Ringo Starr y Paul McCartney. Durante su relación, Clapton compuso otra canción para Boyd llamada "Wonderful Tonight". Clapton y Boyd se divorciaron en 1989, después de años de disputas. Boyd ha llegado a decir de Clapton que era un ser abominable, definición compartida por su posterior esposa, Lory del Santo.

George Harrison y Eric Clapton.
Centrándonos en la canción, decir que vería la luz en el primer y único álbum de la superbanda “Derek and The Dominos” titulado “Layla and Other Assorted Love Songs“ (1970), y con los años se convertiría en uno de los temas insignes de Clapton. Lo que inicialmente era una balada lastimosa se reformuló en clave rockera, una vez que Allman creara el riff que guía el tema. La coda final de piano surgió de la casualidad, cuando Clapton escuchó al tecladista Jim Gordon practicar esa secuencia durante un tiempo muerto en el estudio, buscando posteriormente junto a la banda la manera de unir ambos movimientos para crear una sola pieza.

Derek and the Dominos se separó en 1971 y, dada su fugaz existencia, no hay registros en directo de "Layla" en ninguno de sus dos álbumes en vivo, aunque la canción formó parte del repertorio de Clapton en cada uno de sus proyectos posteriores. El tema no tuvo una gran acogida en sus inicios; sin embargo, esto cambió con el paso de los años, ya que desde entonces ha logrado gran éxito entre la crítica y el público, llegando a ser considerada como una de las canciones de amor más destacadas de la música rock. Años más tarde llegaría el reconocimiento unánime de este tema con la vuelta de tuerca que logró darle en su “Unplugged” en 1992, una obra maestra al alcance de muy pocos genios, o probablemente solo al alcance del 'viejo calcetín' Eric Clapton.



Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Layla_(canci%C3%B3n)
https://www.plasticosydecibelios.com/albumes-historicos-derek-dominos-layla-1970/
http://esturionmusic.com/es_ES/2016/07/canciones-con-historia-layla-eric-clapton-derek-and-the-dominos/
http://www.rollingstone.com.ar/1650861-rescate-emotivo-layla-de-derek-and-the-dominos


Noelia - NINO BRAVO 1972
Augusto Algueró fue uno de los más inspirados compositores españoles de música ligera, con alrededor de mil quinientas canciones inscritas en la SGAE y más de un centenar de bandas sonoras cinematográficas, amén de sus trabajos para diversas cadenas televisivas. A principios de los años setenta, Algueró dedicó expresamente una de sus creaciones hacia la mujer que despertó en él un interés especial, pero que no pudo cristalizar porque ella ya estaba comprometida con otro hombre que iba a ser su marido. Si el esposo de Carmen Sevilla, que solía fingir cuando confesaba que sólo pensaba en ella a la hora de urdir una pieza musical, se sintió decepcionado al no poder conquistar a aquella belleza que lo había cautivado, y a quien compuso cual mensaje directo a su corazón esta melodía que nos ocupa, tuvo al menos una compensación artística y económica. Porque aquel tema, que nació en la intimidad de su estudio madrileño de la calle de Magallanes, acabó en las listas de éxitos de 1972, aunque el disco saliera al mercado a finales del año anterior. El título llevaba el nombre de la mujer que se lo había inspirado: "Noelia".

En el Madrid de los primeros años 70 abundaban los cócteles y veladas nocturnas en el ambiente social y artístico, con la presencia de grandes estrellas del mundo del espectáculo. Algueró, que presumía de vago como compositor, era en cambio un reconocido noctívago que no se perdía ninguna de aquellas reuniones, donde presumía que iba a encontrarse con alguna mujer bonita. En tanto, Carmen Sevilla lo esperaba en duermevela en su dormitorio del paseo del Generalísimo hasta que se cansaba, y le dejaba en la puerta un plato de jureles; mientras él trasnochaba en pos de algún nuevo "ligue". Y en esas se fijó en una joven veinteañera, la canaria Noelia Afonso, a la que invitaban mucho por su condición de Miss España 1968; que fue proclamada Miss Europa dos años más tarde.


La modelo Noelia Afonso, cuando fue proclamada Miss Europa.
Alta, con una espectacular figura y de carácter encantador, departió con el músico aquella afabilidad que le caracterizaba. Y Algueró creyó que "la tenía en el bote". En poco tiempo le dedicó aquella canción, "Noelia", que daría la vuelta a España; y además, la alentó para que cantara en alguna ocasión (no lo hacía nada mal), prometiéndole que haría de ella una estrella. Hasta se comprometió a hacerle unas pruebas de voz para que grabara un disco. Naturalmente, lo primero de todo era lanzar la canción a ella dedicada, y como Algueró tenía una exclusiva con la multinacional holandesa Phillips, no le fue complicado convencer a un artista que acababa de firmar con esta discográfica, el valenciano Nino Bravo; para que estrenara aquella romántica pieza.

Apareció en el sello Polydor, un año después del éxito conseguido con "Te quiero, te quiero", del mismo autor e intérprete. En ella, la melodiosa voz de Nino Bravo nos traslada a una especie de ensoñación que se repite constantemente, el de una chica única y de la que sólo sabe su nombre: Noelia. El tema se convirtió casi al instante en número uno. Calidad en la melodía, en la letra y en la interpretación hicieron de este tema un clásico del pop español, en el que Nino Bravo utiliza sus portentosas facultades vocales para dotar de dramatismo a la historia.

Si deseas conocer más sobre la figura de Nino Bravo, te invito a que leas el reportaje que publicamos hace algún tiempo, titulado Homenaje a Nino Bravo... Un Mito de la Canción Romántica Española...



Fuentes:


Angie - THE ROLLING STONES 1973
Los Rolling Stones lo tenían difícil. Después de “Exile on main st.” (1972), el álbum que habían grabado exiliados en Francia, resultaba muy complicado que 'Sus Satánicas Majestades' volvieran a superarse a sí mismos. “Beggars banquet” (1968), “Let it bleed” (1969) y “Sticky fingers” (1971) habían sido los escalones para llegar a la cumbre que alcanzaron con aquel disco doble. Así que con el listón por las nubes, cuando los Stones publicaron en 1973 su siguiente trabajo, “Goat head soup”, la crítica los devoró.

A pesar de los comentarios desfavorables, el elepé se vendió por una razón con nombre propio: ‘Angie’. Con un sonido melancólico y una letra aún más triste, la canción mostró una faceta diferente que, hasta el momento, los fanáticos de este cuarteto londinense desconocían; sin embargo, el origen de la balada tal vez tenga un significado un poco más extraño de lo que su cadencioso y moderado ritmo nos pueda ofrecer.

¿Quién es esa Angie? Se suele dar por sentado que la canción está inspirada en la primera mujer de David Bowie, Angela, con quien se suponía que Mick Jagger tenía un idilio; no obstante, esto no es cierto. Otra interpretación dice que bajo el nombre de ‘Angie’ se escondía una identidad masculina, y que este tema era una declaración de amor de 'Morritos' Jagger hacia el 'Duque Blanco' Bowie, que tuvo que camuflar bajo un nombre de mujer. Según un extracto del libro "Backstage Passes: Life On the Wild Side with David Bowie", publicado en 1993 y escrito por Mary Angela Barnett, esposa de 'Ziggy Stardust' hasta 1980, la canción surge después de un suceso que vivió cuando, regresando a casa después de un viaje, se encontró a su esposo y a Jagger desnudos en la cama. 
"Habían dos personas en mi habitación. Creo que estaban componiendo 'Angie', el hit No. 1 de Mick en 1973, en el que lamentan el fin de una aventura. Tras verlos en la cama, mi reacción inmediata fue irme a preparar el desayuno." 
Los cantantes Mick Jagger y David Bowie, junto a Mary Angela Barnett.
Barnett en ningún momento asegura que haya pasado algo "más" de lo que ella atestiguó en aquel momento; no obstante, provocó que el rumor empezara a crecer como la espuma. ¿Habían mantenido relaciones sexuales David Bowie y Mick Jagger? Cuando estos comentarios llegaron a los oídos del vocalista de los Stones, éste aseguró que era una “tontería”. Por otra parte, el abogado de Bowie redactó una carta con un mensaje conciso y directo: “Cualquier insinuación de que hubiera una aventura homosexual entre Mick Jagger y David Bowie es pura invención”. Paul Trynka, autor de la biografía sobre el 'Duque Blanco' titulada “David Bowie. Starman” (Alba Editorial), no cree que esto sucediera y lo describe de una manera gráfica:
"Resulta ridículo para todo aquel que los haya visto juntos. Ambos eran cautelosos e, incluso veinte años después, seguirán siendo demasiado conscientes de su posición con respecto al otro. La idea de que uno de ellos se abriese completamente al otro era inconcebible, menos aún ser 'el pasivo'."
Keith Richards con Anita Pallenberg
y su recién nacida hija Dandelion Angela.
Sea como fuere, este tampoco es el origen del famoso hit. El verdadero germen de la balada se encuentra inspirado en la segunda hija que tuvo Keith Richards con Anita Pallenberg: Dandelion Angela. Así recuerda el guitarrista en sus memorias cómo se le ocurrió el tema mientras estaba tratando su adicción a las drogas:
"Yo estaba en la clínica y Anita (Pallenberg), un poco más abajo, en la misma calle, trayendo al mundo a nuestra hija Angela. Una vez que pasó el trauma habitual de los primeros días, agarré una guitarra que tenía y escribí ‘Angie’ sentado en la cama en una tarde, porque por fin podía mover los dedos otra vez y ponerlos donde se suponía que iban, y ya no sentía que me tenía que cagar en la cama o subirme por las paredes, ni estaba frenético. Así que empecé a cantar ‘Angie, Angie’. No era sobre nadie en particular, no era más que un nombre, podía haber sido ‘ooooh, Diana’, de hecho no sabía que Angela se iba a llamar Angela cuando compuse ‘Angie’. Entonces no se sabía el sexo del bebé hasta que nacía; lo que es más, Anita le puso Dandelion… Solo le cayó Ángela de segundo porque nació en un hospital católico donde insistieron en que se añadiera también un nombre ‘como es debido’. En cuanto creció un poco, la propia Angela dijo: ‘No me volváis a llamar Dandy en la vida’."
Resulta curioso que ni Mick ni David ni Angie, los protagonistas de esta historia, tuvieran algo que ver con el significado de una canción que siempre se les ha asociado a los tres.



Fuentes:


Roxanne - POLICE 1978
A principios de 1977, Copeland, Sting y un músico francés llamado Henry Padovani, comenzaron a intentar abrirse paso en la movida punk. De allí nació la canción “Fall Out”, un single que no representó mucho para el grupo en cuanto a popularidad. Parecía que uno de los motivos estaba en que Padovani no era técnicamente un guitarrista del nivel, ya que no gozaba de una gran experiencia, y por lo tanto limitaba la creatividad del grupo.

En esos primeros pasos Copeland era el principal compositor del grupo, en una de aquellas jornadas de ensayos con Sting y Padovani le apostaban a hacer un tributo a la banda “Gong” del músico Mike Howlet. En aquella idea también estaba involucrado un músico llamado Andy Summers; quien ya venía ensayando con Howlet para el tributo. En uno de los ensayos Howlet le propone a Sting, a Copeland y a Summers (digamos que a espaldas de Padovani) formar un nuevo grupo. El problema era que se veía raro una banda musical con dos bajistas (Howlett y Sting). De las citadas sesiones quedaron cintas con demos que verían la luz veinte años después con el título "Police Academy: el grupo se llamaba Strontium 90". Allí aparece la versión en demo de "Every Little Thing She Does Is Magic". Summers percibe que hay algo que podría lograr en esta banda, pero Padovani no encaja. Summers es un tipo experimentado y que a esas alturas ya se había codeado con todos los músicos de su época (Clapton, Hendrix, Page...) y Padovani llevaba apenas unos meses tocando la guitarra. Copeland empecinado con mantener a Padovani en la banda sugirió probar con un cuarteto, pero la diferencia seguía siendo abismal entre ambos guitarristas. Por citar un ejemplo, se podría mencionar que no llegaban a los mismos acordes en los mismos tiempos; y por consiguiente, no había forma de conseguir una harmonia. Todo ello llevó a Summers a darles un ultimátum a Sting y Copeland: "quiero que el grupo sea un trío". Summers relataba en su libro "El tren que no perdí" esa situación diciendo que "me sentía mal porque le estaba quitando el empleo a otra persona, pero ¿de qué empleo hablo, el del guitarrista de una banda que no es nada y no ha llegado a ninguna parte?"

Finalmente Sting y Copeland despidieron a Padovani, y así quedó formada la banda de la manera en que se hicieron legendarios: Sting en el bajo y la voz, Andy Summers en la guitarra y Stewart Copeland en la batería. Pero eso era solo el principio, la banda aún tenía varios problemas por resolver, como la falta de lugares donde ir a tocar, tener una cantidad de temas convincentes o lugares donde poder grabar con cierta comodidad. 


Stewart Copeland, Henry Padovani y Sting.
Pronto todo empezaría a cambiar: The Police tenía que ir a telonear a una banda a París; sin embargo, mientras empujaban la chatarra sobre un puente de París les pilló la lluvia. Aquella misma noche, Copeland y Summers se van al cine a ver "La guerra de las galaxias" (Star Wars, 1977) de George Lucas; muy en boga por aquellos lares. Sting, por otro lado, prefirió salir a caminar y en medio de aquel paseo por Pigalle (el famoso distrito rojo de París), lugar donde se ven "lindas prostitutas", le nació la inspiración para componer una de las mejores canciones de la banda: Roxanne. 

Ilustración de Cyrano de Bergerac.
La letra de la canción trata de una prostituta ficticia de París; aunque el nombre Roxanne es en referencia a uno de los personajes de la obra "Cyrano de Bergerac". Es por ello que Sting (autor de la canción) se dirige a ella declarándole su amor y pidiéndole que "no enciendas más la luz roja".

La primera idea que tuvo Sting era componer una bossa nova, pero tras enseñársela al baterista Stewart Copeland, ambos decidieron imprimirle un ritmo de tango. Al notar que si hacían un tema a ese ritmo comercialmente no sería viable, el grupo decide cambiarla al estilo reggae; en concreto con lo que el grupo entiende como "reggae de blancos", a menudo definido, por muchos críticos, como el estilo de la banda. Por otra parte, las risas que se escuchan en la introducción se deben a que, mientras grababan esta versión, Sting se tropezó con un piano, provocando una tonalidad de piano por efecto del golpe y las carcajadas de sus amigos en el estudio.

Pigalle, el famoso distrito rojo de París.
El resultado de aquella grabación le pareció excelente a Miles, hermano de Copeland y mánager de la banda; el mismo que no le auguraba ningún tipo de futuro al trío. Tras escuchar el tema declaró que los llevaría al sello A&M. En su primera edición, "Roxanne" no consiguió llamar la atención. La canción se incluyó en su primer álbum, "Outlandos d'Amour" (1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado "Roxanne", "So Lonely" o "Can't Stand Losing You"; además de otras piezas menos conocidas, como "Next to you" o "Born in the 50's", que formaron parte de un LP extraordinario. Este proceso dio comienzo a un período de febril creatividad para el grupo, propiciando que el trío editara cuatro discos más hasta su disolución en 1983.

Como dato anecdótico, huelga decir que la canción ha sido versioneada por numerosos artistas, siendo la más interesante de todas ellas la reformulación en clave de jazz que hizo George Michael para su álbum de covers: "Songs from the last century" (Virgin Records, 1999).



Fuentes:


Eloise - TINO CASAL 1987
Tino Casal no pasaba desapercibido. Su estética, su forma de moverse a la hora de interpretar y su carisma hicieron de él todo un referente para aquellos que amaban la música en los años de “La Movida Madrileña”; aunque también fue productor, pintor, escultor y multidisciplinar en general.

Empezó en la música en 1967 con el desconocido grupo “Los Archiduques” (con Antonio Caparrós, que al parecer es un ciclista famoso) pero tras tres singles sin ningún éxito, se separaron. Tino se marchó a Inglaterra a pintar y se hizo colega de un tal David Bowie. Ello no impide que, al volver en 1977, grabe un par de singles en plan Nino Bravo y decida pasarse a producir discos de grupos españoles de pop que ya nadie recuerda (Goma de Mascar, Tebeo, Tacones) y a poner la pasta para la primera película de un director llamado Pedro Almodóvar; que estaba sin blanca.

Tras producir el primer disco de Obús "Prepárate" (Chapa Records, 1981), les hace también la portada, el vestuario y el logo, porque se aburre. A EMI le gusta este tipo, y le deja sacar un disco, "Neocasal", que incluye el hilarante título 'Champú de Huevo'; la producción es de Julián Ruiz (Plásticos y Decibelios), el cual declaró:
"A Tino Casal no se le ha olvidado porque sus canciones han envejecido bien. Estuvimos en la vanguardia en lo que se refiere a la revolución digital: con los sintetizadores, la batería electrónica… Han pasado los años y muchos siguen trabajando con esos aparatos que nosotros utilizábamos. Hacíamos canciones inolvidables para toda una generación que transmitían ese ansia por innovar del artista y su productor. Nuestro espíritu era estar a la última, queríamos estar al tanto de lo que se estaba haciendo a nivel internacional. Esa innovación sonora mezclada con canciones fantásticas, hechas a base de una intro, estrofa, puente y estribillo (algo que ya apenas se hace), junto a unas letras de insolencia social como podía ser por ejemplo ‘Champú de huevo’ y la exuberante imagen de Tino, se convirtió en la fórmula mágica."
De Izq a Dch: Julián Ruíz, Tino Casal y Andrew Powell en los estudios Abbey Road. 
Foto: Plásticos y Decibelios.
Tras lanzar algunos álbumes y alcanzar el éxito con sencillos como "Embrujada", en 1987 publicó "Lágrimas de Cocodrilo", un álbum producido en Abbey Road y con la colaboración de la London Philarmonic Orchestra, y que contiene esta canción, "Eloise", una versión del tema original de Barry Ryan (1967), pero que se basaba en el cover que hicieron "The Damned" en 1985. Julián Ruíz, productor del elepé y amigo personal del cantante, confiesa en la web de "Plásticos y Decibelios":
"Una de las razones por las que me hice amigo de Tino era por su gran cultura musical. Hacía años que nos habíamos fijado concretamente en ‘Eloise' para realizar una versión. Era una canción de Barry Ryan de los años sesenta. ¿Pero como hacer una versión de un tema que necesitábamos un orquesta sinfónica? Cuando nos aceptaron el presupuesto, no nos lo creímos. Siempre nos habían gustado los arreglos de Andrew Powell, que había trabajado mucho con Alan Parsons Project. Él hizo este solemne “score”. Un arreglo rico, vital, formidable y maravilloso, con 90 músicos en el Estudio 1 de Abbey Road. Es decir, en el grande, en el de John Williams para 'La guerra de las galaxias' (Star Wars, George Lucas, 1977) o 'Superman' (Richard Donner, 1978). Powell tenía la buena costumbre de grabar primero con instrumentos de metal y percusión. Luego, en otra sesión, grababa con la cuerda y los instrumentos de viento. Se portó formidablemente. Es un excepcional músico y una gran persona. Creo recordar que el presupuesto en el año 1988 de sólo este tema se acercó a los 12 mil euros. Tan sólo basta decir que Tino invirtió unos ocho días, por las tardes y noches, para grabar la voz. Algo desesperante. Aunque lo cierto es que el tema estaba muy alto de tesitura."
En referencia a la inspiración para escribir la letra de la canción nos tenemos que remontar al año 1968, cuando se lanzó la impresionante canción de Barry Ryan, creada por su hermano gemelo Paul Ryan, y que vendió más de cuatro millones de copias. Aquel año, los hermanos Ryan ya habían abandonado su proyecto musical juntos, “Paul and Barry Ryan”, un dúo promovido por Frank Sinatra, que obtuvo algunos pocos éxitos propios y ajenos. Entre ellos, la versión de The Hollies “Have you ever loved somebody” o la que les hizo más conocidos, “Don’t bring me your heartaches”.

Los hermanos Paul y Barry Ryan.
Se da la circunstancia de que estos dos hermanos ya traían la música “de serie”. Eran hijos de la cantante británica de los años 50 Marion Ryan, conocida por su versión de “Love me forever” (una canción que en España es recordada con el título de “Quiéreme siempre”, y que en suelo patrio escuchamos en las voces de 'Los Cinco Latinos' y más tarde, en la interpretación de 'Paloma San Basilio'). Paul y Barry, por tanto, estaban más que acostumbrados al ambiente musical. Pese a ello, Paul decidió hacer una retirada a tiempo, sabedor de que no encajaba en la caótica vida de la fama y el artisteo, y se dedicó a componer, dejando el camino libre para que Barry comenzase su carrera en solitario. Fruto de aquella etapa es “Eloise” y lo son también algunas canciones que después interpretó Frank Sinatra.


Exagerada, barroca, excesiva y brillante. Así la creó y así es “Eloise”. Una canción que crece a medida que transcurren sus más de cinco minutos de duración, no solo por su imponente orquestación, producida por Bill Landis, y en la que se incluyen partes instrumentales a intervalos de muy distinta intensidad. También por los coros que enfatizan aún más el resultado final, y muy especialmente, por la manera histriónica en que Barry Ryan la interpreta. Un tema sin duda complicado de cantar, plagado de agudos, y que defendió de manera apasionada y efectiva el gran Tino Casal.


Fuentes:
https://carasce.wordpress.com/2009/07/09/tino-casal-eloise-1987/
http://100x100musica.es/echo-menos-tino-casal/
https://dejateinspirar.wordpress.com/2015/09/10/la-historia-de-una-cancion-eloise-barry-ryan-1968/
https://www.plasticosydecibelios.com/historia-canciones-tino-casal-por-julian-ruiz/


Alba - ANTONIO FLORES 1994
Antonio Flores nació en Madrid el 14 de noviembre de 1961, siendo el único hijo varón de la conocida artista Lola Flores "La Faraona" y del guitarrista Antonio González, "El Pescaílla"Antonio venía de una familia de artistas, y por ello desde pequeño estuvo involucrado en el mundo de la música y la actuación. Nunca le gustó estudiar y terminaron, ya de jovencito, expulsándolo del colegio. "Era lo que yo buscaba", confesaría cuando empezó a ganarse la vida como cantante: "He sido vago durante dieciocho años, viví de lo que le sacaba a mis padres y a mi hermana Lolita; ahora es cuando no dependeré de ellos". Rebelde, bohemio y un artista de los pies a la cabeza, Antonio siempre estuvo cerca de los suyos, aunque tuviera temporadas en casa propia, con Ana Villa, la madre de su hija Alba. Se separó pero no olvidó a su pequeña, dedicándole una sentida canción. 

Dejando de lado la música, cabe puntualizar que Antonio Flores tuvo una fructífera carrera como actor. A la edad de 8 años apareció en su primera película "El Taxi de los Conflictos" (Mariano Ozores y José Luis Sáenz de Heredia, 1969). Apareció como actor junto con su hermana Rosario Flores en dos películas: "Calé" (Carlos Serrano, 1987) y "Colegas" (Eloy de la Iglesia, 1982), siendo ésta última una de las cumbres del cine quinqui. También ha actuado en "El balcón abierto" (Jaime Camino, 1984), "Sangre y Arena" (Javier Elorrieta, 1989) —junto a Sharon Stone—, "La mujer y el pelele" (Mario Camus, 1990), "Chechu y familia" (Álvaro Sáenz de Heredia, 1992) —junto con el gran Fernando Fernán Gómez—, y en "Cautivos de la sombra" (Javier Elorrieta, 1994); asimismo, también apareció en la serie de televisión "Los ladrones van a la oficina" (Eduardo Ladrón de Guevara, 1993); sin embargo y terminando con este pequeño inciso, decir que fue en su faceta musical donde Antonio Flores destacó de sobremanera, con la particularidad de romper con la tradición familiar del flamenco para dedicarse al género pop-rock, donde intentó tener voz propia como cantautor de baladas urbanas.

Su lanzamiento discográfico se produjo en 1982 con "No dudaría". Le costó ser un artista rentable, pues sus primeros álbumes tuvieron una tibia acogida. Sólo grabó cinco. Las canciones "Siete vidas" y "Lejos de aquí" (interpretado por Antonio junto a Cucharada, para la banda sonora del filme "Colegas"), así como sus versiones de “Pongamos que hablo de Madrid” y “Sabor, sabor” (de Joaquín Sabina y de Rosario Flores respectivamente), han quedado en la memoria de sus seguidores. Otra canción que también se quedó en nuestra memoria colectiva fue "Alba", perteneciente a su último y más exitoso álbum, titulado "Cosas mías" (1995).

Antonio Flores con Ana Villa, en el hospital
posando con su recién nacida hija.
Foto: Semana.
En esta canción, con mucho ritmo y el corazón puesto en su creación, Antonio recuerda que el nacimiento de su hija le hizo sentir “el hombre más feliz” y que “no olvidaré el olor a vida de tu piel nada más nacer”. "Alba" trata de la felicidad del padre, del sentimiento de unión, del primer llanto del bebé, de su pelo, de sus ojos, de su olor; en definitiva, muestra toda la ternura y los sentimientos tan intensos que los padres viven durante esos especiales momentos.

Como dato, decir que Alba Flores se ha consolidado como actriz, apareciendo en series tan destacables como "El tiempo entre costuras" (Boomerang TV y Antena 3 Televisión, 2012), "Vis a vis" (Iván Escobar, Esther Martínez Lobato, Álex Pina y Daniel Écija, 2015) y "La casa de papel" (Álex Pina, 2017).

Si deseas puedes leer nuestro reportaje sobre la serie de televisión "Vis a vis. La serie carcelaria de Atresmedia."



Fuentes:


Valerie - AMY WINEHOUSE 2006
Amy Winehouse fue una arrolladora cantante británica que con su voz rasgada revitalizó el soul; no obstante, su convulsa vida privada, repleta de excesos y salidas de tono, proporcionó constantes titulares a la voraz prensa amarilla de su país. Su gran talento como cantante y compositora, así como su prematura muerte, le hicieron pasar a la historia de la música; de hecho, forma parte del conocido "Club de los 27". (6) En su corta (pero intensa) trayectoria musical, lanzó tres discos, uno de ellos a título póstumo. Su segundo álbum "Back to black" (2006) la cubrió de gloria, alcanzando el número uno en el Reino Unido, ganar un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica y cinco premios Grammy en 2008.

Centrándonos en el disco póstumo, "Lioness: Hidden Treasures" (2011), decir que es una recopilación de covers y canciones inéditas grabadas antes del lanzamiento de su álbum debut "Frank", en 2003, y la música que estaba grabando en el año 2011. Una de aquellas versiones es "Valerie", que cantó en colaboración con Mark Ronson; aunque originariamente pertenece a la banda británica de indie rock "The Zutons".

El tema de "The Zutons" alcanzó cierto nivel de popularidad cuando salió como single del álbum "Tired of Hanging Around" (2006). Llegó al puesto # 9 en el ránking británico aquel mismo año. Dave McCabe, líder de The Zutons, compuso la canción como homenaje a un viejo amor; y además, presumía de haberlo escrito en veinte minutos. Un excelso tema de pop rock, algo áspero, cantado con voz rasposa y un ritmo tajante. Suaves coros femeninos y una sección de viento bastante difuminada decoran el conjunto. La inspiración fue el romance del cantante con Valerie Star, una muchacha de Tampa (Florida, EE. UU.). 


La banda británica de indie rock The Zutons.
Aunque, sin lugar a dudas, la canción se hizo mundialmente famosa en 2007, cuando el productor y músico Mark Ronson la incluyó en su segundo disco, "Versions", invitando a su amiga Amy Winehouse a hacer la voz principal, sacando el máximo partido al soul de su voz, combinándola con el genuino aroma motown, el pop clásico y el ingrediente de los instrumentos de viento que acompañan en determinados momentos de la canción. Esta versión llego al número # 2 en el ránking británico y se mantuvo entre las veinte más escuchadas por 19 semanas.


Fuentes:


BIBLIOGRAFÍA:

(1) "La bamba" fue originalmente una canción popular mexicana de son jarocho, la cual Valens transformó con un ritmo de rock and roll y la convirtió en un éxito en 1958, haciendo de Valens un pionero del movimiento del rock and roll en español, influenciando a artistas como Carlos Santana.

(2) Orientalismo es un término polisémico que se usa tanto para designar a los estudios orientales (el estudio de las civilizaciones orientales, actuales e históricas, especialmente las del Próximo y Medio Oriente, y en menor medida las del Lejano Oriente), como para designar a la representación (imitación o mistificación) de determinados aspectos de las culturas orientales en Occidente por parte de escritores, diseñadores y artistas occidentales, que terminaron por convertirse en tópicos estereotipados. Algunos de los pintores más conocidos, pertenecientes a este término, fueron Eugène Delacroix (1798–1863), Jean-Léon Gérôme (1824–1904) o Jean Auguste Dominique Ingres (1780–1867). En España podemos destacar a Mariano Fortuny (1838-1874) o el citado José Echenagusía (1844 - 1912). Fuente: WIKIPEDIA: Orientalismo.

(3) Cream fue un power trio de rock fundado en Londres, en 1966, por el bajista y vocalista Jack Bruce, el batería Ginger Baker y el guitarrista y vocalista Eric Clapton. Su sonido se caracterizaba por ser un híbrido de blues, rock psicodélico y pop.​ Cream es a menudo considerado como el primer supergrupo de éxito y a pesar de haber estado en actividad poco más de dos años,​ ha vendido más de quince millones de copias en todo el mundo hacia 2011, según la revista Rolling Stone.​ La banda tuvo un impacto significativo en la música popular de la época y, junto a Jimi Hendrix, popularizó el uso del pedal wah-wah.

Después de grabar cuatro álbumes de larga duración —Fresh Cream, Disraeli Gears, Wheels of Fire y Goodbye—, el grupo se separó a finales de 1968 debido a la mala relación entre Baker y Bruce; aunque, la banda se reunió posteriormente en 1993, con motivo de su ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame,​ y en 2005, para unas actuaciones en el Royal Albert Hall y el Madison Square Garden.

A pesar de su corta trayectoria, Cream ha influenciado a un gran número de grupos posteriores,​ y ha sido incluido en la lista de los «100 mejores artistas de todos los tiempos» de la revista Rolling Stone.​ En 2006, el trío recibió un Grammy honorífico en reconocimiento a su carrera artística. Fuente: WIKIPEDIA: Cream.

(4) Blind Faith fue un supergrupo británico de blues rock; formado por Eric Clapton (The Yardbirds, Cream), Ginger Baker (Graham Bond Organisation, Cream), Steve Winwood (Spencer Davis Group, Traffic) y Ric Grech (Family). Tan solo publicaron un álbum, Blind Faith, en agosto de 1969. Se les puede comparar estilísticamente a las bandas que Winwood y Clapton habían tenido anteriormente, Traffic y Cream respectivamente. La banda ayudó en la fusión del rock & roll y el blues.

Blind Faith nació a mediados de 1968 mientras el grupo Cream se disolvía. El supergrupo alcanzó un gran éxito en ventas en muy pocos años, lo que se tradujo en un gran éxito financiero. A pesar de este panorama, los conflictos entre Jack Bruce y Ginger Baker complicaban las relaciones dentro del grupo. Eric Clapton, que actuaba como mediador en estos conflictos, también se sentía obligado y cansado de tocar un blues comercial, sin la posibilidad de experimentar con nuevos sonidos.

Steve Winwood enfrentaba problemas similares con The Spencer Davis Group, donde había sido cantante durante tres años. Winwood buscaba fundir elementos del jazz en la música blues, pero abandonó al grupo debido a sus marcadas diferencias musicales, formando una nueva banda -- Traffic -- en 1967. Esta banda se separó temporalmente en 1969, y Winwood comenzó a trabajar con su amigo Eric Clapton tocando en sesiones de improvisación en Surrey, Inglaterra. Winwood y Clapton habían trabajado previamente en la grabación de Clapton "Powerhouse". Fuente: WIKIPEDIA: Blind Faith.

(5) Si deseas saber más acerca de la maravillosa historia de 'Layla y Majnún', puedes hacerlo mediante el estupendo post de TARAB AL-ANDALUS: Layla y Majnún. Historia de un amor eterno.

(6) El club de los 27 es una expresión utilizada para referirse a un grupo de músicos populares que fallecieron a la edad de 27 años. Si deseas saber más sobre esta expresión, puedes hacerlo en el estupendo post de GUIOTECA: La maldita historia del “Club de los 27”: las estrellas del rock que murieron trágicamente a los 27 años; y además, te invito a que leas el reportaje Baby Blue: La trágica historia del grupo Badfinger... sobre una de las historias más tristes del 'Club de los 27'.

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