lunes, 26 de agosto de 2019

Top 15 Mejores Plano Secuencia de la Historia del Cine.


Un plano secuencia es, en el cine y la televisión, una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado. Este procedimiento no se usa habitualmente debido al gran número de elementos que deben coordinarse (actores, cámara, iluminación, etc.), debiendo iniciarse de nuevo desde el principio si alguno de ellos falla. Por este mismo motivo resulta más costoso que una planificación más fragmentada, tratándose de toda una virguería técnica solo al alcance de los cineastas más talentosos. Para este artículo, hemos querido destacar unos cuantos de estos memorables planos secuencia... Desde el primerizo periodo mudo, pasando por los grandes clásicos y aterrizando en plena era blockbuster...

AMANECER (Sunrise: A Song of Two Humans, 1927) de F.W. Murnau

Se podría decir que las primeras películas de la Historia del Cine, a finales del siglo XIX, se rodaban en plano secuencia. La cámara se colocaba fija sobre un trípode y rodaban películas cortas completas, capturando aquella realidad como si fuese un cuadro en movimiento. Más tarde, a medida que se fue descubriendo la magia que atribuía las técnicas del montaje, el lenguaje cinematográfico se fue enriqueciendo cada vez más con diferentes tamaños de plano.

Uno de los primeros planos secuencia, y uno también de los más venerados de la etapa del cine mudo, se rodó ya en el año 1927. El cineasta alemán F.W. Murnau realizó una de las obras cumbre, tanto de su filmografía como de este periodo, con "Sunrise (Amanecer)". En ella, había movimientos de cámara y planos dirigidos de forma exquisita. Como por ejemplo esta secuencia, en la cual asistimos al encuentro de un hombre con su esposa por la noche.


LA SOGA (Rope, 1948) de Alfred Hitchcock

Del periodo mudo nos pasamos a los años 40, 1948 para ser exactos, cuando el maestro del suspense Alfred Hitchcock se empeñó en filmar una película entera en un solo plano secuencia; sin embargo, con la tecnología de entonces era totalmente imposible, ya que los rollos de cine tenían una duración limitada (unos diez minutos aproximadamente), y el maestro tuvo que utilizar sus habilidades para disimular algunos de los cortes. El experimento que supuso "La soga" no dejó convencido a su director (de hecho, llegó a odiar la película), y lo cierto es que vista hoy día a esta intriga teatral se le notan bastante los trucos y las costuras para que no se note que en realidad fue filmada en varias tomas. A pesar de ello, su magia y magnetismo que irradia aun sigue sorprendiendo por la angustia que esta técnica consigue imprimirle al filme.

Como dato anecdótico, el primer cineasta en lograr filmar por primera vez una película íntegramente en un solo plano secuencia fue el ruso Aleksandr Sokurov, con "El arca rusa" (Russkiy kovcheg, 2002). Para ello utilizó una cámara Sony F900 que grababa directamente sobre un disco duro. El filme en cuestión mostraba 33 habitaciones del Museo Hermitage de San Petesburgo, y contó con unas 2000 personas delante de las cámaras, entre actores y figurantes, así como tres orquestas tocando en directo. El plano, además, se ensayó durante varios meses con 22 ayudantes de dirección y se consiguió realizar bien tras cuatro tomas. A decir verdad, todo un logro.

VER EL ARCA RUSA EN FILMIN


SED DE MAL (Touch of Evil, 1958) de Orson Welles

Orson Welles no hizo demasiadas películas, pero el puñado resultante le bastó para revolucionar el medio a cada paso. Si ya creó escuela con "Ciudadano Kane", con la algo más tardía "Sed de mal" se lució desde el principio. Sin duda el inicio de este impresionante 'thriller' sentó las bases de lo que se conoce como plano secuencia. En poco más de tres memorables minutos asistimos al recorrido de una bomba desde que es activada hasta que hace explosión, una toma de tremenda dificultad técnica (planos detalle, cámara al hombro, subirse a una grúa y varios movimientos de cámara) que dejó sin palabras a crítica y público en su momento. 


LA NOCHE AMERICANA (La Nuit Américaine, 1973) de François Truffaut

El director, crítico y actor francés François Truffaut, famoso por ser uno de los pioneros del movimiento llamado la 'Nouvelle vague', y por reivindicar la maestría de Alfred Hitchcock en una entrevista que plasmó en un libro esencial para cualquier cinéfilo que se precie "El cine según Hitchcock", realizaría con "La noche americana" su particular homenaje al mundo del celuloide. En ella se nos transmite su cinefilia, protagonizando también la película en la cual encarna al propio director del filme durante un rodaje, con todas las dificultades que surgen en su realización, de igual forma que con todas sus gratificaciones.

Aquí, ante la excusa de la filmación de un plano secuencia con un gran número de extras, se emplea un 'travelling' larguísimo al que posteriormente se suma un movimiento de grúa que nos permite observar todo el escenario. Se trata de cine en sí mismo, que nos muestra todos los instrumentos que hacen posible el resultado que vemos en pantalla, aunque no por ello deje de conservar su magia. Una delicia imprescindible.


EL ESPEJO (Zerkalo, 1975) de Andrei Tarkovsky

Andrei Tarkovsky es uno de los mejores directores que jamás se hayan parado detrás de una cámara. "El espejo" es una cinta complicada, muy visual, con una narrativa lenta que no se preocupa tanto por lo que está diciendo si no que cuida más el cómo lo está contando. Es una película tan rematadamente personal que por fuerza debía parecer indescifrable para cualquier espectador que no fuera él; llena de 'flashbacks' que se suceden desordenadamente, varios personajes interpretados por un mismo actor, y en definitiva una estructura muy caprichosa. No obstante, nos resulta tan fascinante por cosas como el plano secuencia que se sucede en cierto momento del metraje, retratando algo tan sencillo como el incendio de una casa a los ojos de una familia pobre, que asiste estólida a cómo el edificio es consumido por las llamas. La cámara se mueve con una suavidad desarmante, y la iluminación natural hace que todo parezca un lienzo en movimiento. Pura poesía visual.


EL RESPLANDOR (The Shining, 1980) de Stanley Kubrick

Uno de los grandes cineastas de la historia, como Stanley Kubrick, también realizó algunos de los planos secuencia más recordados, gracias al uso de la 'steadicam' (nombre comercial del primer estabilizador de cámara, inventado por Garret Brown). Gracias a este invento, la cámara podía seguir al pequeño Danny recorriendo con su triciclo los vacíos pasillos del hotel Overlook, hasta llegar a la inquietante habitación 237. Con el uso espectacular del sonido, Kubrick nos crea en "El Resplandor" un desasosiego y la incertidumbre de que algo puede suceder al doblar cualquier esquina. En esta ocasión, el uso del plano secuencia consigue meternos en ese universo terrorífico de una forma que no hubiese logrado el montaje, ni la fragmentación de planos.


EL SUR (Id., 1983) de Víctor Erice

Depositando la mirada en nuestro cine español, es imprescindible explorar la figura de Víctor Erice, al que le bastaron sólo tres largometrajes con su firma para consolidarse como un autor inconfundible. En el primero de éstos, "El Sur", contenía un plano secuencia de estructura circular (empezaba y acababa con una corona de flores) en el cual la cámara sigue a la protagonista bailando con su padre un alegre pasodoble, constituyendo un recuerdo casi onírico al que este espléndido filme volvía esporádicamente.


UNO DE LOS NUESTROS (Godfellas, 1990) de Martin Scorsese

Si vamos a hablar de planos secuencia, es obligatorio hacerlo del bueno de Martin Scorsese, porque este director siente una especial predilección por ellos. El mejor ejemplo es el de "Uno de los nuestros", en el cual consigue una gran potencia visual siguiendo a Ray Liotta y su chica al club Copacabana. Para ello, utiliza una 'Steadicam', que sigue por detrás a los personajes mientras se adentra por los pasillos, la cocina y el restaurante del amplio local, describiéndonos a la perfección la vida de lujos y privilegios de los gángsters de la cinta. Sin duda, se trata de un impresionante y talentoso ejercicio cinematográfico.


HARD BOILED (HERVIDERO) (Lashou Shentan, 1992) de John Woo

No todo en el cine son escenas introspectivas, lentas y llenas de simbolismos; también existe la acción y la violencia. De hecho, el plano secuencia puede servir para darle un brillo especial a las escenas de acción, consiguiendo que el espectador se meta aún más en la trama. El famoso tiroteo en el hospital que presenciamos en "Hard Boiled" (la película que le abrió las puertas de Hollywood a John Woo y a Chow-Yun Fat) es un buen ejemplo de esto, conformando una escena bastante árida en la que sólo los tiros son capaces de romper el silencio. 


BOOGIE NIGHTS (Id., 1997) de Paul Thomas Anderson

Este monumental estudio sobre la industria del porno en los años 70 tan sólo era la segunda película de Paul Thomas Anderson, y ya este realizador norteamericano hacía gala de un talento que daba hasta rabia. No hay que fijarse más que en su inicio, consistente en un plano secuencia que se dedica a mostrar a algunos de los protagonistas del portentoso film de tres horas que nos aguardaba inmersos en su trabajo. En la secuencia en cuestión, arrancamos con las luces de neón de un local llamado 'Boogie Nights', al que llegamos en coche. Bajan de él su protagonista Jack Horner (un formidable Burt Reynolds) y su acompañante Maggie (Julianne Moore). Entran en la discoteca y comienza la magia...


SNAKE EYES (OJOS DE SERPIENTE) (Id., 1998) de Brian De Palma

Si la fuerza con la que nos ata a la butaca desde el principio de la historia se hubiera mantenido a lo largo del metraje estaríamos hablando de una obra maestra sin paliativos. "Ojos de serpiente" peca de ser demasiado demasiado ambiciosa, en el que tras ese fulgurante inicio su trama de espionaje y policíaca se vuelve de segundo nivel. No obstante, como en este artículo estamos tratando el tema de los planos secuencia, huelga decir que su inicio es memorable. Se trata de más de trece minutos en los que De Palma no corta el plano, enseñándonos a varios personajes sospechosos y un pobre Nicolas Cage que solo quiere ver un combate de boxeo. Un asesinato tiene lugar en plena lucha de púgiles a los que no vemos pelear. Curioso y difícil plano secuencia que tuvo que ser repetido numerosas veces, y que sin lugar a dudas, salva al filme de la quema.



OLDBOY (Oldeuboi, 2003) de Park Chan-wook

Con su 'Trilogía de la Venganza', este director surcoreano acabó de pulir un estilo que luego acogería su cumbre con "La doncella" (Ah-ga-ssi, 2016), pero también consiguió uno de sus mayores éxitos con "Oldboy", una de las grandes obras maestras de la 'Nueva Ola de Cine Coreano'. Esta adaptación del manga homónimo de Garon Tsuchiya y Nobuaki Mineguisi narraba la odisea de un hombre en busca de, sí, venganza, tras haber pasado 15 años encerrado sin saber por qué, y encontraba su clímax de violencia en la escena del pasillo, donde Oh Dae-su (un brutal Choi Min-sik, nunca mejor dicho) acababa con una multitud de esbirros con la única ayuda de un martillo. Pues sí, cabe decir que la cosa era bastante cruda, la verdad.


HIJOS DE LOS HOMBRES (Children of Men, 2006) de Alfonso Cuarón

En México hemos encontrado una dupla de realizadores que, además de ganar el premio Oscar de manera consecutiva, han empleado el plano secuencia de manera repetida en su filmografía, en su mayor parte con resultados impresionantes. En el caso de Alfonso Cuarón (el otro es el gran Alejandro González Iñárritu), tras dejarnos con la boca abierta gracias a la mejor película de Harry Potter posible (que es, obviamente, "El prisionero de Azkaban"), desarrolló posteriormente con "Hijos de los hombres" una angustiosa distopía filmada de manera modélica.

Se podría afirmar que este plano secuencia es probablemente el más impresionante de la lista (de hecho es mi preferido) debido a diversos factores. Entre estos se encuentra el ritmo: pues comienza con dos personajes que parece se conocían hace mucho tiempo y se vuelven a encontrar, recuerdan épocas pasadas y hasta juegan; de pronto, un auto llega de la nada incendiándose y bloqueándoles el paso, seguido de una multitud de gente salvaje que los ataca. Luego está la dificultad: todo esto sucede dentro de un coche, la cámara está adentro y gira en 360 grados. Hay fuego, sangre y gente chocando en motocicleta, para luego detener el vehículo y salir de él... ¡Cuarón es un genio!


EL SECRETO DE SUS OJOS (Id., 2009) de Juan José Campanella

Y sin apartarnos del cine hablado en lengua española, llegamos a "El secreto de sus ojos", la máxima explosión del talento de Juan José Campanella, que ya antes había deslumbrado con "El mismo amor, la misma lluvia" y "El hijo de la novia". Este thriller melancólico, ganador de un merecido Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa, se apartaba momentáneamente de su tono reflexivo y sentimental para ofrecer una 'set pièce' ambientada en un estadio de fútbol donde los detectives trataban de atrapar al asesino... La toma arranca desde un helicóptero abarcando la totalidad del estadio, y, luego de dos cortes camuflados, prosigue en la cámara en mano de un camarógrafo que sigue a los protagonistas en una persecución por las instalaciones del estadio hasta la captura del sospechoso dentro del campo de juego. Durante la filmación de esta escena, el camarógrafo encargado de seguir a los protagonistas debió realizar una caída de aproximadamente tres metros con la cámara en mano. Todo ello sin interrupción visible; gracias obviamente a las tecnologías digitales.


LOS VENGADORES (The Avengers, 2012) de Joss Whedon

Gracias a las sofisticadas técnicas por ordenador actuales, el plano secuencia también se cuela en el 'blockbuster' puro y duro; y además con consecuencias realmente 'cool'. En la primera película de "Los Vengadores", su director al mando, Joss Whedon, demostró que lo tenía todo controlado, que un filme aglutinante de tantos superhéroes podía funcionar, y que la famosa técnica podía ser la ideal para mostrar el gran poder de estos personajes cuando se reunían. Y así, la cámara recorría la batalla de Nueva York deteniéndose primorosamente en cada Vengador merendándose a un Chitauri; un momento grandioso que trataba de repetirse bien al comienzo de "Vengadores: La era de Ultrón", sin por supuesto conseguir ser la mitad de genial.



Hasta aquí llega nuestra particular lista... Hay infinidad de planos secuencia que se han quedado en el tintero, y que probablemente también podrían formar parte de esta pequeña selección. Si deseas, puedes compartir con nosotros tus opiniones, o citar tus planos secuencia favoritos, escribiendo un comentario, tanto aquí en el blog como en las redes sociales...




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Un libro de Miguel Ángel Plana Fernández y Jose Gracia.