Clásicos Cinéfilos

En esta sección del Blog, poco a poco, según vayan surgiendo, rescataremos un clásico del cine... Espero que sea de vuestro agrado...


MATCH POINT (Id.)
Woody Allen 2005
"Match Point" supuso un punto de inflexión en la filmografía del director estadounidense Woody Allen, debido a que fue su primera película rodada íntegramente fuera de Nueva York, su ciudad predilecta.

El director de obras maestras, tales como "Annie Hall" (1976) (que está considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine), "Manhattan" (1979), "La rosa púrpura del Cairo" (1985), o "Hannah y sus hermanas" (1986), entre otras, no contaba con el favor de la crítica, afirmando que realizaba comedias ligeras cortadas siempre por el mismo patrón; resumiendo, que de algún modo se había estancado, perdiendo ese toque genial que le caracterizó durante las décadas de los setenta y ochenta; también puede que se debiera a la tormentosa ruptura matrimonial con Mia Farrow a principios de la década de los noventa, la musa con la que estuvo casado durante doce años.

En 2005, se fue al Reino Unido y rodó la película que nos ocupa, sorprendiendo a propios y extraños, ya que aparte de ser su primer largometraje realizado en tierras británicas, supuso un cambio radical en su estilo cinematográfico. En este filme dejó de lado a su típico personaje hipocondríaco y tartamudo de siempre, del mismo modo que su estilo cómico, y se embarcó en un drama con pinceladas de intriga, que realizaba a su vez una interesante reflexión sobre el azar y el destino.


Destaca el gran trabajo de todo el elenco, sobretodo el de una exuberante Scarlett Johansson, en uno de los primeros roles importantes de su carrera, que la convirtieron en musa de Allen en años posteriores, participando también en filmes sugerentes como "Scoop" (2006), y "Vicky Cristina Barcelona" (2008); ésta última fue rodada íntegramente en España, en las ciudades de Barcelona, Oviedo, Avilés y La Felguera, y en el cual participaron reconocidos intérpretes españoles como Javier Bardem y Penélope Cruz (interpretación que le valió el premio Oscar a la mejor actriz secundaria).



La película hace un retrato de la sociedad clase alta londinense, centrándose en la historia de un joven tenista retirado de la competición internacional, que se establece en la ciudad como profesor de tenis; motivado por la ambición hace todo lo que está en su mano para conseguirlo: mintiendo y engañando llegado el caso. Contrae matrimonio con la hija de un rico empresario, aunque sienta una pasión obsesiva por una joven veinteañera estadounidense, que es excéntrica, neurótica, fascinante, frustrada por el fracaso de sus deseos de triunfar como actriz, y con una pasión obsesiva por el sexo.

Huelga decir que en el último tercio del film hay un genial giro narrativo, con un estilo deudor del mejor Alfred Hitchcock, que convierte a "Match Point" en una obra maestra incontestable, con un Jonathan Rhys Meyers impresionante; además, es digno de mención la genial escena del beso bajo la lluvia en los campos de centeno entre Scarlett Johannson y Johnatan Rhys Meyers, siendo una de las escenas más subidas de tono filmadas por el maestro neoyorkino; asimismo, el filme posee una brillante puesta en escena, y una banda sonora totalmente operística, que la ensalza de forma realmente sublime (aun más si cabe); en definitiva, una maravilla.



Como apreciación personal, me ha recordado vagamente a la también reivindicable "Delitos y Faltas" (1988), en la cual Allen compartía protagonismo con Martin Landau, Mia Farrow y Angelica Huston. 

Posteriormente Allen ha realizado multitud de películas en el viejo continente europeo, algunas de ellas destacables como "Medianoche en París" (2011), hasta el regreso a su ciudad natal en 2013 con "Blue Jasmine"; sin embargo ninguna de ellas es tan fascinante y rematadamente buena como esta joya cinematográfica.


MILLION DOLLAR BABY (Id.)
Clint Eastwood 2004
Clint Eastwood, desde sus inicios en la década de los sesenta, casi siempre se ha prodigado en papeles de spaghetti western y de tipo duro. A principios de los setenta debutó tras las cámaras con “Escalofrío en la noche” (Play Misty for me, 1973), un interesante filme de suspense que comparte bastantes similitudes con "Psicosis", el clásico de Alfred Hitchcock. Durante el periodo restante de los setenta y toda la década de los ochenta, Eastwood fue desarrollando su faceta como director (intercalándola con la de actor) de manera efectiva, ofreciendo películas enmarcadas en la acción, y en el suspense policíaco; pero fue en la década de los noventa cuando realmente empezó a consolidarse como un director de nivel, tras realizar el western crepuscular “Sin Perdón” (Unforgiven, 1992), erigiéndose como ganadora absoluta en los premios Oscar de aquel año, obteniendo cuatro (incluyendo mejor película y director). Tras aquella le siguieron: “Un mundo perfecto” (A perfect world, 1993), “Los puentes de Mádison” (The bridges of Madison County, 1995), “Poder Absoluto” (Absolute Power, 1996), y “Mystic River” (2003), entre otras; todas ellas le consagraron definitivamente como uno de lo grandes directores del momento.

Posiblemente el 2004 fue su gran año, tras volver a ganar el premio Oscar al mejor director por “Million Dollar Baby”, una soberbia cinta que combina una historia de boxeo y un profundo drama sobre la eutanasia. La película está basada en un libro de relatos cortos de título homónimo, escrito por F.X. O'Toole, del cual Eastwood adapta el relato principal (que contiene solamente treinta páginas) de forma íntegra, y escoge lo más interesante de los otros relatos, dándole entereza y profundidad a la historia. Se podría afirmar en este caso que la película supera con creces al libro.



La trama se centra en Frankie Dunn (Eastwood), que regenta un gimnasio, con la ayuda de Scrap (Freeman), un ex-boxeador que es además su único amigo. Un día, entra en su gimnasio Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), una voluntariosa chica que quiere boxear y que está dispuesta a luchar para conseguirlo. Tras multitud de negativas de Frankie, que no quería entrenar a mujeres, finalmente decide adiestrarla para que se presente al campeonato mundial y convertirla en la “chica del millón de dólares”.

Aparte de la certera adaptación de Eastwood, junto con Paul Haggis (reputado guionista que triunfó en 2006 en los Oscar con su opera prima “Crash (Colisión)”), cabe destacar el excelente trabajo de los actores: Hillary Swank, que interpreta a la protagonista de forma brillante; un impresionante Morgan Freeman; y el propio Clint Eastwood. Ambos actores masculinos demuestran la gran química que atesoran (como ya hicieran anteriormente en la citada “Sin Perdon”); asimismo la voz en off de Morgan Freeman es impresionante y engrandece aun más el filme (del mismo modo que en “Cadena Perpetua” [The Shawshank Redemption, Frank Darabount, 1994]).



Mención especial merece la genial e intimista banda sonora compuesta por el propio Eastwood, y el tremendo giro argumental en los últimos treinta minutos, que al igual que un típico gancho ganador en boxeo, Eastwood nos deja noqueados y sin respiración, elevando el largometraje a la categoría de una obra maestra absoluta.

Después de “Million Dollar Baby”, Clint Eastwood ha seguido realizando grandes películas, tales como “Gran Torino” (2008), “El Intercambio” (The Changeling, 2008), “Invictus” (2009) o “El Francotirador” (2014); no obstante, ninguna es tan genial y contiene tanto calado como ésta.



LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (Gone With the Wind)
Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood 1939
En el año 1939 fue cuando la Edad de Oro de Hollywood vivió su máximo esplendor, debido al estreno de grandes películas como: "El Mago de Oz", "Cumbres Borrascosas" de William Wyler, "La Diligencia" de John Ford", "Caballero sin espada" de Frank Capra o "Ninotchka" de Ernst Lubitsch, entre otras muchas; que ayudaron a asentar definitivamente el conocido Star System (sistema de los grandes estudios). Aunque de entre todas ellas, hubo una que marcó un antes y un después en la forma de entender y realizar el cine: "Lo que el viento se llevó", una grandilocuente superproducción que fue galardonada con diez premios Óscar. "Lo que el viento se llevó" introdujo cambios importantes en lo referente a la técnica cinematográfica, gracias principalmente a la labor de William Cameron Menzies y su magnífico uso del color, en una época en la que aun no se había asentado tal sistema, predominando el blanco y negro. Está basada en la novela homónima de Margaret Mitchell, y cuenta la historia de la joven adinerada y vanidosa Scarlett O'Hara, que durante la guerra de Secesión, y en los difíciles tiempos de la post-guerra, lucha por salir adelante cargando con todas las responsabilidades familiares. Del mismo modo, suspira por el amor de Ashley Wilkes, marido de su prima Melania Hamilton, y además tiene que lidiar con las pretensiones del apuesto (pero no tan noble) Rhett Butler, que está enamorado de ella. 



Destaca la soberbia banda sonora de Max Steiner; por añadidura, es sobresaliente el trabajo de todo el reparto; la joven Vivien Leigh que interpreta a Scarlett, papel que la elevó al estrellato; el aplomo de Clark Gable interpretando a Rhett Butler; Olivia de Havilland como Melania; Leslie Howard como Ashley; y Hattie McDaniel dando vida a la entrañable "Mammy", que fue la primera actriz afroamericana galardonada en la historia con un premio Óscar a la mejor actriz secundaria. Su productor y gran artífice del resultado final, David O’Selznick, tardó dos años en elegir a la actriz que diera vida a Scarlett, que tras un multitudinario casting al que se presentaron más de 1400 candidatas (entre las que se encontraban Joan Crawford, Barbara Stanwyck, o Paulette Goddard) fue elegida finalmente Vivien Leigh, actriz inglesa de ascendencia india que por aquella época estaba casada con Sir Lawrence Olivier. 



También se empecinó para que se rodara en color, además de introducir en el guión los conocidos diálogos, como las primeras palabras del comienzo, o el de la última frase de Rhett “Frankly my dear, I don't give a damn" (que traducido al español sería "Francamente, querida, me importa un bledo"), que a punto estuvo de no pasar la censura por culpa de la palabra “damn”, de ahí que O’Selznick se viera obligado a pagar a los censores una cuantiosa suma para poder incluirla. Se puede afirmar que "Lo que el viento se llevó" es el melodrama por excelencia, que cuenta con una historia muy bien relatada; unos personajes carismáticos y repletos de matices; secuencias y diálogos increíbles que han pasado a la historia como "A Dios pongo por testigo que nunca más volveré a pasar hambre". Está impregnada de valores como el amor, el honor, el orgullo, la familia, la propiedad y la esclavitud; todo ello la convierte en una de las películas más veneradas, galardonadas, y hermosas jamás realizadas.

Podéis leer también la reseña en el magnífico blog de Jesús Fariña: Las Mejores Películas de la Historia del Cine.

http://www.lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine.com/2014/07/lo-que-el-viento-se-llevo-1939-vivien-leigh-clark-gable.html


UNA NOCHE EN LA ÓPERA (A Night at the Opera)
Sam Wood 1935
A pesar de que “Sopa de Ganso” (Duck Soup, 1933) fue su película más lograda hasta esa fecha, no tuvo el favor de la crítica ni del público de la época, hecho que desencadenó que “Los Hermanos Marx” dejaran la Paramount. 
     
Un par de años después, tres de “Los Hermanos Marx” (ya que Zeppo dejó de actuar y se convirtió en agente de sus hermanos, cargo que desempeñó hasta el final de sus carreras) pasaron a la Metro-Goldwyn-Mayer, y siguiendo la sugerencia de Irving Thalberg (amigo íntimo de Chico), decidieron dar un giro a su fórmula humorística. Así que para sus siguientes películas intercalaron entre las escenas de humor con otras de tipo romántico, y números musicales no cómicos. Además, el blanco de sus iras fueron en adelante villanos declarados, por lo que muchos consideran que solo en las películas de la Paramount mostraron su genio en estado puro.
     
“Una noche en la opera” fue su primera película para la Metro, la sexta que realizaron, y posiblemente la más lograda de toda su excelente trayectoria.
     
La película reúne todos los ingredientes que hicieron grandes de la comedia a “Los Hermanos Marx”; que eran la verborrea chispeante e irónica de Groucho (con perlas como: “No lo despierte, tiene insomnio y quiere curárselo durmiendo.”, “Estaba con esa mujer porque me recuerda a usted... sus ojos, su cara, su risa... todo me recuerda a usted... excepto usted.”, “Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?”, o “La parte contratante de la primera parte, será considerada como la parte contratante de la primera parte.”), los geniales diálogos absurdos de Chico, y el toque de humor slapstick de Harpo.  Todo ello complementado con números musicales de alto nivel (notable el realizado por Chico y Harpo en el barco con el piano y el arpa respectivamente) y una brillante puesta en escena (como en la impresionante y milimétricamente coreografiada escena del camarote, que es considerada por muchos como la mejor secuencia cómica de la historia del cine).


El humor inteligente de “Los Hermanos Marx” influenciaría en multitud de cineastas, películas, y hasta artistas musicales, valga como ejemplo los dos álbumes que dedicó el grupo británico Queen a los famosos hermanos (el “A night at the opera” (1974) y el ”A day at the races” (1975)); o el cine realizado por el maestro cinematográfico Woody Allen, que públicamente ha afirmado su admiración por la figura de Groucho Marx.
   
Después de esta maravillosa sátira al mundo de la opera, los hermanos realizaron las también muy reivindicables "Un día en las carreras" (1937), "El hotel de los líos" (1938), "Una tarde en el circo" (1939), y "Los Hermanos Marx en el oeste" (1940) en el que dieron rienda suelta a su idiosincrasia humorística. 


Habiendo pasado casi ochenta años de su estreno, “Una noche en la opera” sigue siendo una comedia divertidísima, que conserva toda la frescura en sus sketches descarados y sin complejos, haciéndote reír a carcajadas; ya que es, sin lugar a dudas, es una de las mejores comedias que ha dado el séptimo arte en toda su historia.



FALSO CULPABLE (The Wrong Man)
Alfred Hitchcock 1956
Se podría afirmar que "Falso Culpable" ("The Wrong Man" en su título original en inglés) es la película más sombría del maestro del suspense Alfred Hitchcock. Basada en la historia real de Manny Balestrero, tomada tanto del libro "La verdadera historia de Christopher Emmanuel Balestrero", escrito por Maxwell Anderson, y también del artículo de Herbert Brean "A Case of Identity", publicado el 29 de junio de 1953 en la revista Life; nos cuenta como este hombre, un músico de jazz neoyorkino, es acusado por error de haber robado en un oficina de correos. Este hecho hará que su esposa, debido al gran sentimiento de culpabilidad y vergüenza pasada, vaya sumiéndose poco a poco en la locura, recalando finalmente en un psiquiátrico.

La película está rodada en blanco y negro, y bajo un punto de vista subjetivo, va relatando el calvario que pasa este hombre de forma meticulosa y realista; asemejándose a un documental. El actor estadounidense Henry Fonda (que un año después conseguiría el premio Óscar por "Doce hombres sin piedad", de Sidney Lumet) construye un personaje contenido y angustiado de forma magistral; al igual que Vera Miles, en un personaje muy parejo al que interpretó un año antes en el episodio "Venganza", de la afamada serie televisiva del maestro del suspense "Alfred Hitchcock Presenta".


Hitchcock huye del suspense que tanto le caracteriza, y se centra en el drama puro y duro; proponiéndose hacer una historia real ateniéndose a la realidad lo máximo posible. Esto suponía un reto importante para el director británico, que hasta se ofreció a dirigirla sin cobrar su sueldo. Tres años más tarde, retomaría el tema del "falso culpable" en la célebre "Con la muerte en los talones", aunque en esa ocasión enfatizó más en el suspense y la acción.

Además del gran trabajo de los actores principales, destaca el sólido guión escrito por Maxwell Anderson (basado en su propio libro) y Angus MacPhail; y la manera próxima en la que Hitchcock lo plasma; consiguiendo mediante la misma transferir el desasosiego del protagonista. Un buen ejemplo de ello es la genial secuencia cuando Manny es detenido, con el cacheo y la posterior toma de huellas, enfocando en primer plano las manos sucias de tinta como confirmación de su supuesto delito.


Como curiosidad, huelga decir que Hitchcock en esta ocasión no realiza su particular cameo; pero es el encargado de, mediante un pequeño prólogo, advertir al público de que la película se basa en una historia real.

Fuentes:
Imágenes extraídas de: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-2468/fotos/



EL MÁS ALLÁ (E tu vivrai nel terrore - L'aldilà) (también conocida como "The Beyond")
Lucio Fulci 1981
Voy a romper la tendencia que sigue esta sección para comentaros una película no apta para cualquier comensal; debido a la extrema violencia de sus imágenes... que se trata de "El Más Allá", la obra cumbre del realizador italiano Lucio Fulci.

Hablar de Lucio Fulci es hablar de un director de culto; de un cine cruel y visceral; que tiene en el gore potente, su característica más destacada. Un gore distinto al que ofrecen películas como las de la saga Saw, que comparando se podría decir que lo ofrecido en la afamada saga iniciada por James Wan es un patio de colegio al lado de lo que hacía el maestro italiano a principios de los ochenta. 

Fulci era un director que descuidaba el guión de sus películas, siendo enrevesado y caótico; centrándose en conseguir una atmósfera malsana y onírica, haciendo especial hincapié en la truculencia y el gore para impactar al espectador. Pese a que siempre contaba con muy pocos medios y presupuestos mínimos; unido también a la censura que padecía casi siempre en sus films, siendo algunos de ellos catalogados como video nastys (la famosa lista negra de las autoridades censoras del Reino Unido); siendo esta "El Más Allá" catalogada como tal de manera injusta durante muchos años. En 2001 le fue retirada dicha etiqueta y reestrenada sin cortes


Existen muy pocos directores de cine que sean tan amados y odiados como Lucio Fulci. De su persona se han hecho y se hacen las afirmaciones mas extremas y opuestas: desde que es un imitador descarado, sin talento y sobrevalorado, hasta que es un genio absoluto, creador de películas inigualables. En general, las críticas, tanto a favor como en contra, suelen ser extremadamente parciales, muy poco objetivas, superficiales e inacabadas: solo se suelen destacar ciertos aspectos paradigmáticos del cine de Fulci (como la ultraviolencia) en detrimento de muchos otros igualmente significativos. Pareciera que muchos críticos y aficionados, cuando reseñan sus películas, en verdad no las hubiesen visto o no conocieran el contexto en el cual se filmaron.

Fulci fue un director que se curtió en multitud de géneros; como la comedia; el spaguetti western; los thrillers; sus buenos y exitosos giallos; y hasta el cine de aventuras. Pero fue en el terror donde, con el paso del tiempo, se ganó su estatus de culto.

Antes de filmar "El Mas Allá", Fulci había realizado la película "Miedo en la Ciudad de los Muertos Vivientes" (Paura Nella Città Dei Morti Viventi), que constituía el primer titulo de una serie de películas sobre las siete puertas del infierno; siendo "El Más Allá" el segundo título; conectadas principalmente por "El Libro de Eibon". Pero los problemas de salud de Fulci, unido al hecho de que tanto "La Ciudad de ..." como "El Más Allá" fueron un fiasco internacional (sobre todo al otro lado del Atlántico), acabarían dando al traste con el ambicioso proyecto. 

El Libro de Eibon es uno de los tantos grimorios imaginarios de la literatura Lovecraftiana. Al igual que el Necronomicón, el Cultes des Goules y De Vermis Mysteriis, El libro de Eibon surgió en la serie de cuentos de los Mitos del Cthulhu, escritos entre 1926 y 1935 por Clark Ashton Smith, gran amigo de Lovecraft durante el último periodo de su vida. Lovecraft utilizaría este libro imaginario en varios de sus relatos.

Conforme al universo Lovecraftiano, Eibon era el nombre de un mago de Hiperbórea — una antigua tierra perdida según la mitología griega —, que escribió este libro de más de 500 páginas donde habla sobre religión y hechicería propias de Hiperbórea. Habla también de razas antiguas que poblaron la tierra mucho antes que los humanos, como El Pueblo Serpiente de Abhoth, el Gusano de Hielo y otros, por lo que se ha ganado el sobrenombre de el libro más antiguo del mundo. Cuando Hiperbórea fue destruida se dice que el manuscrito fue conservado durante milenios por un culto secreto. Ha contado, al menos, con cinco traducciones, incluyendo la versión latina Liver Ivonis de Caius Phillippus (entre 800 y 900 a.C), que es la más famosa y antigua de cuantas se tiene conocimiento.

Es interesante conocer un poco sobre el porqué Fulci utilizó El Libro de Eibon como estandarte sobre la cual debía basarse la serie de las siete puertas del infierno, para comprender bien lo que quería lograr el director romano.

A partir de aquí la reseña contiene spoilers...

La película comienza con un prólogo ambientado en Louisiana, en el año 1920. En un hotel, una turba enfurecida tortura, crucifica y empareda a un pintor de apellido Schweick (Antoine Saint-John) al cual acusan de brujo mientras Emily, una misteriosa muchacha ciega (Cinzia Monreale) recita tenebrosas profecías del libro de Eibon, el cual afirma que el hotel esta situado sobre una de las siete puertas del infierno y que, cuando se abra, el mal invadirá el mundo. Ya en 1981, Liza (Catriona MacColl) hereda el hotel. Mientras espantosas muertes inexplicables comienzan a suceder, Liza conoce al Dr John Mc Cabe (David Warbeck) quien permanece escéptico ante sus temores. Emily (para quien el tiempo no transcurrió) entra en contacto con Liza, advirtiéndole sobre el peligro que corre de permanecer en el hotel. John y Liza acabarán enfrentándose a hordas de muertos vivientes, y traspasarán el mas allá.


Huelga decir que la versión censurada no incluye el prólogo; y sin embargo la versión Uncut sí, filmado en un tono diferente de color al resto de la película; en el que se utiliza un tono muy sepia, tirando al blanco y negro típico de las películas antiguas; y en cuanto la escena finaliza, el film pasa al technicolor propio de la época.

En "El Mas Allá" los personajes son asesinados y los cadáveres se acumulan en la morgue sin que nadie investigue los crímenes. 

"Pura anarquía". "Mi idea era hacer un film absoluto. "El Mas Allá" es un film sin argumento, no hay lógica, solo una sucesión de imágenes" dijo Fulci sobre la película. Nada mas acertado. 

"El Mas Allá" es un apasionante resumen amplificado de absolutamente todas las morbosas obsesiones del director: salvajes ataques de animales, un apasionante clima mágico, fantástico e irreal, horripilantes muertos vivientes (en este caso, no caníbales) y obsesivos planos detalle a los rostros y ojos (muchos de ellos ciegos) de los protagonistas... sobre todo a los ojos, los cuales son atravesados con clavos que ingresan desde la nuca, o arrancados con los dedos. ¿Por qué esta obsesión morbosa de Fulci con los ojos?. El director intenta explicarlo: 

"Ellos (los ojos) son la primer cosa que tienes que destruir, porque han visto demasiadas cosas malas". Solo un imposible viaje al interior de su mente podría explicar su insistencia en enfocar y lacerar de todos los modos posibles los ojos de sus personajes.

Pero no todo son agresiones oculares. El primer encuentro entre Liza y Emily, en una desolada carretera, es hermosamente siniestro. Durante una de sus reuniones en el hotel, Emily huye asustada con su perro lazarillo y Liza se queda sola. Tras esto, Liza cierra los ojos y ve, como en trance o mágicamente (y de distintos e imposibles ángulos) la huida de Emily, en cámara rápida y lenta; siendo una sutil demostración de que la reglas mundanas de tiempo y realidad, en aquel hotel, no existían.

En la morgue, luego de vestir a su marido asesinado, su afligida mujer recibe un baño de ácido en su rostro, el cual se deshace lentamente ante la espantada visión de Jill, su hija. La sangre que mana del rostro, avanza, susurrando, con vida propia, hacia ella. Durante el apasionante clímax, Liza, John, y Jill se enfrentan a tiros ante montones de muertos vivientes, quienes avanzan con los ojos cerrados y la cabeza gacha, (La escena con los zombies en el hospital fue agregada para el gusto de los distribuidores alemanes, ¡los cuales no compraron la película por ser demasiado violenta!. A Fulci, la escena no le gustaba.) y ante el propio Schweick, al cual, inexplicablemente, Warbeck nunca le dispara a la cabeza, aun habiendo comprobado que así mueren los zombies. Sin embargo a Jill, ahora convertida en zombie, si le dispara a la cabeza, reventándosela, como en una especie de broma irónica.


En el mejor final de toda el cine de Fulci, los protagonistas escapan de los zombies bajando unas escaleras, para volver inexplicablemente al sótano del hotel. Aterrorizados, trasponen una pared destruida que emana una luminiscencia azulada y alcanzan "El Mar de las Tinieblas", el mas allá pintado por Schweick en el prólogo del film. Ambos caminan por un paraje desolado y desértico, cubierto de nieblas y arena, similar al cuadro que pintaba Schweick durante el prólogo. En el suelo, yacen hombres y mujeres desnudos entremezclados con extrañas figuras de cemento. Aterrorizados, John y Liza oyen que unas voces susurrantes los llaman, y descubren que no hay manera de salir, y quedan atrapados, completamente ciegos...

La apocalíptica imaginería irreal y salvaje de Fulci es acompañada por la mejor banda sonora de Fabio Frizzi, una genial fotografía de Sergio Salvati (el prólogo en tintes sepia es excelente), un guión trepidante de Dardano Sacchetti, y unos FX ultra explícitos y horripilantes de Gianetto de Rossi.

En definitiva, con sus defectos y virtudes "El Mas Allá" es una genial película de terror, pese a que su presupuesto y condiciones de trabajo eran bastante apretadas; tanto que para la escena final en el mas allá, no había dinero para extras, el cual el equipo técnico tuvo que recoger a vagabundos y borrachos de la calle y darles alcohol para que se quedasen quietos e inconscientes mientras eran filmados.

En 1998, El más allá fue reestrenada en los cines por Quentin Tarantino, quien ha citado a la película, y al propio Fulci como fuente de inspiración. En 2005, la revista británica Total Film la ubicó en el puesto número 49 de las mejores películas de terror de la historia; y cinco años más tarde, la revista Wired la incluyó entre las 25 mejores películas de terror de todos los tiempos.

Fuentes:
http://www.filmaffinity.com/es/film412415.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Lucio_Fulci
http://es.wikipedia.org/wiki/El_m%C3%A1s_all%C3%A1_(pel%C3%ADcula_de_1981)
http://es.wikipedia.org/wiki/Video_nasty
http://www.almasoscuras.com/el-mas-alla
http://platea.pntic.mec.es/~jdelucas/cine/fulci.htm
http://unlagartoconplumasdecristal.blogspot.com.es/2008/04/el-ms-all-de-lucio-fulci.html



ESCALOFRÍO EN LA NOCHE (Play Misty for me)
Clint Eastwood 1971
Opera prima como director del aclamado actor y realizador estadounidense Clint Eastwood. En ella nos cuenta la historia de un popular locutor de radio (interpretado por el propio Eastwood), el cual empieza a verse acosado por una psicótica fan llamada Evelyn (magistralmente interpretada por Jessica Walter), haciéndole la vida imposible a él y los que le rodean, y desembocando en peligrosas y terribles consecuencias.

Eastwood empezó a apuntar maneras con este primer film, que fue aclamado por la crítica y público, dotándolo de un excelente pulso narrativo, con secuencias de angustioso suspense; una muy buena dirección de actores, sacándoles el máximo a cada uno, desde los estupendos secundarios como Donna Mills que interpreta a Tobie la novia de este, o John Larch que interpreta al puntilloso sargento McCallum, hasta una espectacular Jessica Walter que interpreta a Evelyn; y también un exquisito gusto por la música jazz (huelga decir que de las estupendas canciones que componen su banda sonora, destaca la gran versión que Roberta Flack realizó del tema "The first time ever I saw your face" escrito por el compositor Ewan MacColl para Peggy Seeger en 1957), y el buen cine, ya que se podría decir que esta inquietante película posee reminiscencias al maestro del suspense Hitchcock y a su gran clásico Psicosis, y también al infravalorado clásico de su mentor Don Siegel (que como dato curioso tiene un pequeño papel interpretando al barman Murphy) "El Seductor (The Beguiled)", también de ese mismo año, en el que Eastwood realiza una interpretación muy pareja, pero distinta a los papeles de duro que nos tenía acostumbrados.



Pese a tener sus fallos y no ser una película redonda, sí que podemos afirmar que se trata de un peliculón muy recomendable, y sin duda un clásico de culto de Clint Eastwood, leyenda viva de la historia del cine.


Fuentes:
http://www.filmaffinity.com/es/film972736.html
http://www.covercaratulas.com/caratula-dvd-Escalofrio_En_La_Noche-1817.html



EL EXPERIMENTO (Das Experiment)
Oliver Hirschbiegel 2001
Unos científicos se disponen a realizar un experimento para estudiar la conducta de la represión y la obediencia según el medio de la uniformación. Para llevarlo a cabo, los científicos recrean una cárcel ficticia, reclutando a un grupo de voluntarios, dividiéndolos posteriormente en dos grupos, unos que harán de presos y otros de guardias. Para ese grupo de personas, lo que parecía una forma fácil de obtener dinero, pronto se convertirá en un verdadero infierno a medida de que los voluntarios asuman el rol asignado.

Bajo esta interesantísima premisa se presenta esta película alemana titulada "El Experimento", basada en el libro titulado "The Black Box", escrito por Mario Giordano, que a su vez se inspiró en el célebre experimento real llevado a cabo durante el verano de 1971 por el Doctor Phillip Zimbardo para la Universidad de Stamford (EE UU), en el que 18 voluntarios del cuerpo de estudiantes fueron divididos en "prisioneros" y "guardias". Los prisioneros fueron alojados en un sector reformado del Departamento de Psicología, que había sido cerrado con barras de acero para parecerse a una prisión. A los guardias se les dio control total sobre ellos. Luego de seis días, el comportamiento de los guardias degeneró tan dramáticamente hacia el sadismo, que el experimento fue abortado, pero antes de eso varios voluntarios mostraron signos de alteración mental, por ejemplo los guardias juraban que los presos "se lo merecían , los presos empezaban a dudar de si de verdad era un experimento o los habían metido presos, hubo algunos intentos de motines, gente con colapsos nerviosos, otro que perdió completamente el concepto de la autoestima, etc... El propio Zimbardo se sintió comprometido... "Estos chicos eran todos pacifistas –dijo de los estudiantes elegidos como guardias–. Se volvieron prácticamente nazis."

Esta notable y muy recomendable película está dirigida por el realizador alemán Oliver Hirschbiegel, que tres años después realizó la también notable "El Hundimiento (Der Untergang)" (2004) que fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Destaca el gran trabajo realizado por los actores, sobretodo Moritz Bleibtreu que interpreta al rebelde preso 77, Christian Berkel que interpreta al marine Steinhoff (preso 38); y también Justus von Dohnányi que interpreta al guardia psicópata Berus.  La ambientación también está muy lograda, haciendo un buen uso de la banda sonora tecnho-metalera, con una historia que te engancha sin remisión, manteniéndote pegado a la butaca, con poso, y que da razón a aquel dicho popular en el que dice que "los peores monstruos residen dentro de personas comunes".

Fuentes:
http://www.filmaffinity.com/es/film156441.html
http://www.imdb.es/title/tt0250258/fullcredits?ref_=tt_ov_st_sm#cast
http://www.animalpolitico.com/blogueros-cine-sapiens/2012/10/22/el-experimento/
http://www.prisonexp.org/espanol/
http://informacionporlaverdad.wordpress.com/2012/09/22/el-experimento-basada-en-hechos-reales-el-peligro-de-la-obediencia-ii/



EL QUIMÉRICO INQUILINO (Le Locataire)
Roman Polanski 1976
Me gustaría reivindicar en esta sección de clásicos cinéfilos una película que realizó el maestro polaco Roman Polanski a mediados de los años setenta. La película en cuestión se titula "El quimérico inquilíno", una genial obra maestra, injustamente menospreciada y que hoy en día está considerada como un clásico de culto.

El Quimérico Inquilino nos trae la historia de un tímido y amable ciudadano francés de procedencia polaca llamado Trelkovski, que alquila una habitación en la que la anterior inquilina intentó suicidarse tirándose por la ventana, pero fracasando en su intento queda en coma, aunque muere poco después durante la visita de Trelkovski en el hospital. Tras instalarse en la habitación, poco a poco, nuestro protagonista (brillantemente interpretado por el propio Polanski, en el que quizás, realice la mejor interpretación como actor de su carrera) empieza a presenciar hechos que le meten de lleno en una auténtica pesadilla que le induce a la locura.

Polanski, al igual que hizo con sus magistrales filmes “Repulsión” y “La Semilla del Diablo” logra realizar una disección de la paranoia, metiendo de forma brillante elementos surrealistas, tanto grotescos como bizarros (genial la secuencia en el que el patio de luces se transforma en un anfiteatro), con pinceladas de humor negro (impagable la secuencia en el que un travestido Polanski está frente al espejo), que dan forma al infierno en el que se sumerge nuestro protagonista. Mención especial para la excelente banda sonora realizada por Philippe Sarde, en el que los sonidos lisérgicos potencian aun más los hechos que sufre el personaje. Polanski dirige con pulso firme esta historia cocinada a fuego lento, con una logradísima ambientación, y todo ello aderezado con el notable trabajo del elenco actoral.

Incomprendida y vapuleada en su estreno, tanto por la crítica especializada, como por el público, El Quimérico Inquilino se ha convertido en una exquisita pieza de culto con el paso del tiempo, en una ambigua obra maestra que está entre lo mejor que ha realizado el cineasta polaco y que bien merece ser rescatada de su injusto olvido. 



TITANIC (Idem)
James Cameron 1997
El famoso naufragio del transatlántico RMS Titanic, a lo largo de la historia, ha protagonizado multitud de libros, documentales, series de televisión, y películas cinematográficas. De todas las películas realizadas, la más célebre es la que en 1997 realizó James Cameron, que en su momento fue tal el fenómeno que batió el record de película más taquillera de la historia (siendo superada en 2010 por Avatar (Idem) también de Cameron), y siendo multigalardonada, convirtiendose en uno de los films con más premios Óscar de la historia (empatado a 11 con "Ben-Hur (Idem)" (1959) de Wiliam Wyler, y "El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (The Lord of the Rings: The Return of the King)" (2003) de Peter Jackson).

Cameron  tenía una fascinación con los naufragios y en su opinión, el del RMS Titanic era «el Monte Everest de los naufragios». Su interés en él aumentó al reunirse con el explorador Robert Ballard, quien descubrió los restos del barco en la década de 1980, durante la producción de "Abyss (The Abyss)" (1989). 

 
Este último decidió a partir de ello hacer una expedición submarina, y manifestó que todavía tenía una «inquietud mental» por vivir la vida que había rechazado cuando decidió cambiar las ciencias por las artes en la universidad. Así que cuando se realizó una película en formato IMAX a partir de las grabaciones del naufragio, el cineasta buscó patrocinadores en Hollywood para llevar a cabo una expedición al sitio del naufragio, sin todavía tener la intención de hacer una película en torno a los sucesos. Tiempo después escribió un boceto para una cinta sobre el Titanic y se lo presentó a los ejecutivos de 20th Century Fox, quienes le dieron «luz verde» al proyecto, a pesar de que no estaban muy convencidos sobre el éxito que pudiera llegar a tener. Cameron no comenzó a escribir el guion sino hasta después de realizar las tomas del verdadero Titanic y de estudiar detenidamente a cada uno de los personajes y pasajes históricos del barco, ya que quería honrar a todos los que habían muerto en el naufragio.


Si bien Jack (interpretado por Leonardo Di Caprio) y Rose (interpretada por Kate Winslet) son personajes ficticios, varios otros secundarios como Margaret «Molly» Brown (pasajera de primera clase interpretada por Kathy Bates), Thomas Andrews (diseñador del barco interpretado por Victor Garber), Bruce Ismay (presidente y director de la línea de barcos de vapor White Star Line interpretado por Jonathan Hyde), y Edward John Smith (capitán del buque interpretado por Bernard Hill) son personas que realmente vivieron los acontecimientos históricos de 1912. También son reales las tomas del verdadero Titanic hundido en el fondo del Océano Atlántico que figuran en las escenas iniciales, para las cuales se destinaron tres millones de dólares estadounidenses del presupuesto total de la producción.


Harland and Wolff, los constructores del RMS Titanic, abrieron sus archivos privados al equipo realizador del filme para compartir planos del barco que se pensó que estaban perdidos. Para los interiores del barco, el equipo del diseñador de producción Peter Lamont buscó artefactos de esa época. No obstante, la apariencia moderna del barco hizo que cada utensilio debiera ser creado desde cero. Fox adquirió 40 acres (161.874 m²) de la costa sur de Playas de Rosarito, Baja California en México, y se comenzó a construir un estudio ahí el 31 de mayo de 1996. Se construyó una cisterna especial para realizar tomas del barco reconstruido y que simulase estar en el océano. Su capacidad era de 17 millones de galones y proporcionaba tomas de 270° de vista océanica. El barco se edificó a escala completa, aunque Lamont removió secciones redundantes en la superestructura y en la cubierta delantera para que el barco pudiese caber en la cisterna, mientras que las secciones restantes se completaron con modelos digitales. Los botes salvavidas y embudos se redujeron en un 10%. Cabe añadirse que para construir los pescantes se contrató a la empresa sueca Welin Davit, la misma que había confeccionado los pescantes del transatlántico original. La cubierta de los botes y la cubierta A (que albergaba los camarotes y la sala de lectura, entre otros; para más información, puede consultarse el artículo RMS Titanic) eran sets de trabajo, y el resto del bote constituía solamente escenarios tipo plató de acero. Dentro de la cisterna había una plataforma elevadora de 15 metros (49 ft) para que el barco pudiera inclinarse durante las escenas del hundimiento. Arriba de la cisterna, había a su vez una grúa larga en forma de torre de 49 metros (161 ft) en una vía de 183 metros (600 ft) que actuaba conjuntamente como una edificación y una plataforma de iluminación así como para facilitar el manejo de las cámaras.
A partir de fotografías y modelos se reprodujeron, tal y como fueron en el transatlántico original, los camarotes y la gran mayoría de los objetos de utilería y los decorados, como son los cuartos, la alfombra, los diseños y los colores. «Las escaleras de la primera clase del transatlántico, que poseen un rol prominente en el guion, se construyeron con madera real y de hecho sí se destruyeron en la filmación del hundimiento». Para darle todavía más autenticidad a la reproducción del barco, se contrató a dos historiadores del Titanic, Don Lynch y Ken Marschall.

La película nos cuenta la historia de Jack (DiCaprio), un joven artista que gana en una partida de cartas un pasaje para viajar a América en el RMS Titanic, el trasatlántico más grande y seguro jamás construido. A bordo conoce a Rose (Kate Winslet), una joven de una buena familia venida a menos que va a contraer un matrimonio de conveniencia con Cal (Billy Zane), un millonario engreído a quien sólo le interesa el prestigioso apellido de su prometida. Jack y Rose se enamoran, pero el prometido y la madre de ella ponen todo tipo de trabas a su relación. Mientras, el gigantesco y lujoso trasatlántico se aproxima hacia un inmenso iceberg.



James Cameron logró con mucho éxito, entrelazar una maravillosa historia de amor ficticia, inspirada en el "Romeo y Julieta" de Wiliam Shakespeare; ambientandola en el histórico naufragio del transatlántico. Para ello contó con un impresionante elenco de actores, entre los que destacan el duo protagonista con Leonardo Di Caprio y Kate Winslet, haciendo que se lanzaran sus respectivas carreras; a su vez también es necesario reivindicar secundarios de lujo como los citados anteriormente Kathy Bates, Bernard Hill, Jonathan Hyde, y Victor Garber; que junto con Billy Zane, Frances Fisher, Bill Paxton, o David Warner, entre otros; logran darle mucho empaque al film. Todo ello aderezado con una factura técnica perfecta, con unos alucinantes efectos visuales (que vistos hoy en día aun quitan el hipo, sobretodo después de su reestreno en 3D en este 2012); una efectiva y hermosa banda sonora compuesta por James Horner, con la estupenda y exitosa canción "My heart will go on" interpretada por la cantante canadiense Celine Dion; y un excelente guión que logra conmovernos con su magnífica historia de amor, y ponernos el corazón en un puño con el trágico y espectacular naufragio; dejandonos con sin aliento durante sus más de tres horas de metraje, que hace de esta película una obra maestra, cumbre del artesano realizador James Cameron, y una de las mejores realizadas en los años noventa.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/RMS_Titanic#Cultura_popular
http://es.wikipedia.org/wiki/Bruce_Ismay
http://es.wikipedia.org/wiki/Titanic_%28pel%C3%ADcula_de_1997%29
http://www.filmaffinity.com/es/film814379.html
www.imdb.com/title/tt0120338/


LA SEMILLA DEL DIABLO (Rosemary's Baby)
Roman Polanski 1969
La Semilla del Diablo (Rosemary's Baby en su título original, y El bebé de Rosemary en Hispanoamérica) es la segunda película que dirigió el realizador polaco Roman Polanski en Hollywood. Está protagonizada por Mia Farrow y John Cassavetes, bien secundados por una espectacular Ruth Gordon, que obtuvo el premio Oscar a la mejor actriz de reparto, Sidney Blackmer, Maurice Evans y Ralph Bellamy. Y está producida por el director y actor de películas de bajo presupuesto y Serie B William Castle.

La película nos cuenta la historia de un joven matrimonio Rosemary (Farrow) y Guy (Cassavetes) que se mudan a un apartamento situado frente a Central Park (New York), sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen amigos de Minnie (Gordon) y Roman Castevet (Sidney Blackmer), unos vecinos que los colman de atenciones. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo; pero, cuando Rosemary se queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es normal.

El maestro Polanski, al igual que hizo con la notable "Repulsión" (1965), construye una historia de terror psicológico apoyada en la ambigüedad de la atormentada protagonista, y en el miedo a lo cotidiano, creando una atmósfera axfisiante que va in crescendo según avanza la trama. Al contrario que en la obra maestra realizada unos años después por William Friedkin "El Exorcista", Polanski no muestra nada, pero construye una genial y sutil historia, que mantiene el suspense hasta su enrarecido e inolvidable final.

En "Rosemary's Baby: A Retrospective" una edición especial en DVD de la película, el guionista y director Roman Polanski, el productor ejecutivo de Paramount Pictures, Robert Evans, junto con el diseñador de producción, Richard Sylbert, rememoran algunos detalles sobre la producción. En dicho DVD Robert Evans recuerda que Willian Castle le trajo las primeras galeradas de la novela de Ira Levin y le pidió comprar los derechos para la adaptación cinematográfica aún antes de que Randon House, la editorial del escritor, publicara la novela. Como los responsables de la Paramount habían reconocido el potencial comercial de una posible adaptación, pronto estuvieron de acuerdo en que William Castle, que tenía una excelente reputación como productor de películas de terror de bajo presupuesto, podría producir, aunque no dirigir la adaptación de película.

Por aquel entonces Robert Evans, quien ya conocía y admiraba las películas europeas de Roman Polanski, confiaba en poder convencerle para que se involucrara en el proyecto, y con ello debutar en su primera producción para el cine estadounidense. Pronto Polanski recibió de manos de Robert Evans, una primera y rústica versión del guion de Rosemary's Baby y quedó fascinado. Tanto es así que leyó la novela original en una sola noche. A la mañana siguiente llamó a Robert Evans y le dijo que aquel guion era un proyecto muy interesante para su debut como cineasta en Estados Unidos, y que no sólo le gustaría dirigirlo, sino participar en la redacción del guion final.

En su lectura de la novela, Roman Polanski imaginó al personaje principal, Rosemary, como una chica robusta fisíca y mentalmente, pero también normal y corriente, ni guapa ni fea. Para ello pensó que el papel lo podría interpretar en un principio la actriz Twesday Weld. Pero Robert Evans, tenía sus dudas al respecto: ya que el libro todavía no había alcanzado la posición de bestseller, Evans no confiaba en que el título del film por sí mismo garantizase la atención del público, y que para ello, se necesitaba de otra actriz más conocida. Con un papel secundario en Guns at Batasi y la, por aquel entonces no estrenada A dandy in Aspic no parecía que Mia Farrow tuviera una gran filmografía, pero su papel de Allison MacKenzie en la serie de televisión Peyton Place, así como su reciente matrimonio con Frank Sinatra la convertían en una actriz interesante para el papel, según Evans. A pesar de su apariencia endeble y alicaída, Polanski finalmente le hizo una prueba. Desgraciadamente, aceptar este papel supuso muchos problemas en el matrimonio de Mia Farrow. Frank Sinatra quien le exigió a su mujer que abandonara su carrera cuando se casaron, fue el primero en protestar, y a la larga le pidió el divorcio a mitad de la filmación, y ante todo el equipo de rodaje. Mia Farrow, en un intento de salvar su matrimonio, le suplicó al productor Robert Evans que le resciendiera su contrato; sin embargo él la convenció para que siguiera en el proyecto, cuando le mostró metraje del film todavía no montado. Tras verlo Mia Farrow decidió continuar, por que Evans le aseguró que, con esta película, conseguiría la nominación al premio Oscar a la mejor actriz protagonista, cosa que nunca sucedió.

Para interpretar el papel de Guy Housewood, el marido de Rosemary, Robert Redford fue la primera opción, pero éste, por alguna razón, rechazó el papel. Pronto se pensó en Jack Nicholson, pero finalmente se impuso el criterio de Polanski y se eligió a John Cassavetes.

Mia Farrow tuvo que lucir una peluca en prácticamente la primera mitad del metraje, y no fue hasta después, cuando ya lucía su embarazo ficticio, que se la pudo ver con su auténtico peinado, el que ella misma anuncia como la última moda de Vidal Sassoon (famoso peluquero estadounidense). Como contrapartida a esto, también la actriz estadounidense vivió momentos muy amargos durante el rodaje. Una de las escenas de la película más cargadas emocionalmente, era aquella en la que, en medio de una fiesta celebrada en su apartamento, sus amigas echan de la cocina a Guy, su marido, mientras tratan de consolarla a causa del embarazo tan traumático de Rosemary. Dicha escena fue rodada en un sólo día. Pero justo después de filmar la primera toma de la escena, un mensajero irrumpió en el set de rodaje, trayendo consigo toda la documentación referente al divorcio de Mia Farrow enviada por Frank Sinatra. Cuando la actriz leyó los documentos rompió a llorar sobre el suelo de la cocina, tal y como el personaje de Rosemary hace al comunicar a sus amigas lo extrañamente mal que siente su embarazo. Alarmado, Polanski quiso suspender la filmación de aquella escena por aquel día y concentrarse en otras que no implicaran la presencia de la actriz. Pero la Farrow, en un arranque de profesionalidad, le suplicó al director continuar con el plan de trabajo original, y la escena se pudo terminar sin más complicaciones.



El productor del filme, William Castle, tiene un cameo en la escena en la cual Rosemary habla por teléfono desde una cabina pública. Es el hombre con habano que espera el turno para hablar por teléfono.

En el filme también aparece brevemente la exuberante Victoria Vetri (vista en "Cuando los dinosaurios dominaban la tierra" (When Dinosaurs Ruled the Earth)" (1970) de Val Guest), acreditada con el seudónimo Angela Dorian. Curiosamente, en la escena conjunta con Mia Farrow, ésta rompe el hielo preguntándole si ella es Victoria Vetri, la actriz. Victoria responde que nada de nada, que ni siquiera la conoce.

La película tuvo una lamentable secuela titulada "Look What's Happened to Rosemary's Baby", rodada para televisión en 1976 por el montador del film original Sam O'Steen. Ruth Gordon fue la única actriz del reparto original que repitió su papel de Minnie Castevet, el cual le había valido el Oscar a la mejor actriz secundaria. En el telefilme se narran las andanzas del "bebé de Rosemary", ya adulto, que intenta asumir su condición de hijo de Satán, nada menos.

Después de esta, Polanski realizó "Macbeth" (1971) y la genial "Chinatown" (1974); y tuvo lugar el brutal asesinato de su esposa Sharon Tate a manos del sanguinario psicópata Charles Manson y su familia; de la que se ha hablado que tiene similitudes con esta película. 

Mucho se ha escrito sobre la vida de Roman Polanski, más allá del mundo del cine, haciendo hincapié en asuntos escabrosos de su vida y de sus desgracias personales. Quizá debido a ello, la cultura popular ha querido dotar a esta película, de una serie de mitos o leyendas que lo único que han conseguido es mantener, en cierta forma, la popularidad de ésta, convirtiendola en una película de culto, y posiblemente, en la mejor realizada por el cineasta polaco, junto con "El Pianista" (2001).


Fuentes:
http://www.filmaffinity.com/es/film721028.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Rosemary%27s_Baby_%28pel%C3%ADcula%29
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1114.html
http://tepasmas.com/curiosidades/semilladiablo
http://es.wikipedia.org/wiki/William_Castle

CONTACT (Idem)
Robert Zemeckis 1997
Tres años después de que firmara la que posiblemente sea su mejor película "Forrest Gump", el director estadounidense Robert Zemeckis, realizó esta gran película de ciencia ficción titulada Contact.
El film se basa en la única novela de ficción escrita por el popular astrónomo, exobiólogo y divulgador científico Carl Sagan, ya que huelga decir que sus otras novelas son de divulgación científica.
[Spolilers] Contact nos cuenta la historia de Ellie Arroway (Jodie Foster), quien perdió a sus padres a temprana edad, es una científica que trabaja en la búsqueda de señales de inteligencia extraterrestre en el SETI Search for ExtraTerrestrial Intelligence, o Búsqueda de Inteligencia Extraterrestre. Es ridiculizada por otros científicos y, principalmente, por el Doctor David Drumlin (Tom Skerritt), su antiguo profesor y el consejero de ciencia de la Presidencia. Drumlin en última instancia cierra su investigación, por considerarla un gasto inútil de tiempo y dinero público. Ellie y sus amigos buscan que alguna entidad privada avale su investigación. Reciben una subvención del millonario S.R. Hadden (John Hurt), por lo que SETI puede continuar.

Es detectado un mensaje extraterrestre como una secuencia de números primos, proveniente de la estrella Vega. El mensaje es finalmente decodificado, resultando ser un esquema para una nave de un solo pasajero. Hubo controversia sobre la finalidad de la máquina pero se construyó con la ayuda de países de todo el mundo.

Comienza la disputa sobre quien debe ser el pasajero, decantándose por el Dr. Drumlin. Un fanático religioso que rechazaba el proyecto consigue infiltrarse hasta la zona de lanzamiento donde hace estallar una bomba, destrozando la nave y matando a Drumlin.

Hadden informa a Ellie sobre una segunda máquina, secreta, construida cerca de la Isla Hokkaidō, y con ella viaja a través de agujeros de gusano y orbita alrededor de múltiples estrellas, entre ellas Vega. En un planeta de ese sistema solar divisa luces, indicio de la existencia de una civilización tecnológica. Mantiene contacto con una forma de vida extraterrestre pero vuelve a la Tierra sin pruebas, debido a que la videocámara que llevaba consigo, sólo captó interferencias.

Se especula fue un fraude hecho por el millonario Hadden, quien para entonces está muerto. Sin embargo, un informe secreto indica que el tiempo durante el cual Ellie entró en contacto fue registrado, ya que grabó aproximadamente 18 horas de interferencia y durante dicho tiempo, en la Tierra sólo pasaron unos segundos y no tantas horas. Finalmente Ellie consigue una subvención del gobierno para continuar con el proyecto SETI.

Esta notable película cuenta con un excelente reparto actoral, en el que todos y cada uno de los personajes son fascinantes, y lo dan todo; como por ejemplo una soberbia (como casi siempre) Jodie Foster, que interpreta a una apasionada científica que lucha contra viento y marea por su proyecto; también se puede destacar el personaje interpretado por William Fichtner, el científico ciego Trent; al igual que Tom Skerrit, que borda el arrogante personaje David Drumlin, rival de la científica Ellie (J. Foster). Todo ello apoyado en secundarios de lujo como Matthew McConaughey, David Morse, Angela Basset, James Woods, o John Hurt, entre otros.

A mi me encantó, creo que es una de sus mejores películas, junto con Forrest Gump, y la maravillosa e infravalorada Naufrago (de la que algún día de estos puede que también le haga su correspondiente reseña) que ha realizador el director estadounidense Robert Zemeckis. 

Es una película emocionante, con mucho suspense, y con un ritmo trepidante que hace que sus casi dos horas y media de metraje te mantengan pegado a la pantalla. Quizá por donde pierda la película sea en su desenlace, bastante flojito, algo que hace que no sea una obra maestra; pero sí que se puede decir que es una de las mejores muestras cinematográficas de ciencia ficción de estos últimos veinte años, en el que no se muestra a los extraterrestres como hostiles, y al correspondiente ejercito estadounidense salvando al mundo con su arsenal de armas. 

Me gusta mucho el trabajado y sólido guión de James V. Hart & Michael Goldenberg, y el trato que se le da al tema sobre la religión y la fe en Dios, y la correspondiente confrontación de ciencia y fe, que hace que nos replanteemos la existencia o no de un ser superior (llamase Dios), y que por mucho avance tecnológico y científico, no pueda demostrarse pasando a ser un tema de fe. 


La protagonista Ellie (interpretada por Jodie Foster) es una científica que no cree en Dios, y el estado se muestra reacio a que lidere la tripulación de la maquina, y por consiguiente que represente a la humanidad, aunque esté muy cualificada para serlo, simplemente por su falta de fe. Pero después de unos drásticos acontecimientos, y casi en secreto, llega a tripular la maquina, y debido a las consecuencias de la maquina (huelga decir que la esfera simplemente cayó al mar, en cuestión de segundos) aunque para Ellie fue una experiencia, que a través de un agujero de gusano, la llevó a reunirse con un ser superior (encarnado por su padre) durante varias horas, haciendo que Ellie, sin pruebas científicas que demuestren ese encuentro, tenga que explicar su encuentro a esa misma humanidad que antes era reacia por su falta de fe, y ahora se muestra contradictoria, y exige pruebas de talante científico. Para mi esto es lo mejor de la película, aunque hay algunos no les gustó demasiado, y lo consideran otro punto en contra.
Mención aparte para la grandiosa partitura compuesta por Alan Silvestri, que ya trabajó con Zemeckis en su trilogía de Regreso al Futuro, o en la oscarizada Forrest Gump, entre otras.

La científica Jill Tarter.
Como dato curioso, es necesario decir que, al igual que la película, el personaje de Ellie existe en la vida real. Jill Tarter, directora del Proyecto Phoenix, tiene muchas similitudes con el personaje de Foster, aunque no está directamente basado en Jill, a lo que ella dijo:
"Carl Sagan escribió un libro acerca de una mujer que hace lo que hago yo, pero no acerca de mí. ", explica Tarter. "Él hizo su tarea, que incluye muchas experiencias en la construcción del personaje que son comunes en la científicas que estudian y trabajan en una profesión dominada por hombres, entonces Ellie me es muy familiar." 

El científico Kent Cullers.
Al igual que el personaje Kent Clark, el entrañable científico ciego interpretado por William Fichtner, también está inspirado en cierto modo en una persona real, el director del Proyecto Phoenix, y el líder del equipo que detecta señales es Kent Cullers, un físico ciego con doctorado en física. Según Cullers:
"la primera versión del guión incluía una parte pequeña por la que me encontraron suficientemente competente para hacer mi propio personaje en la película. Sin embargo, conforme se avanzaba, vieron que se necesitaba de un verdadero actor."


En conclusión, los científicos certifican que Contact es la película que, a pesar de unas pequeñas objeciones, es indescriptiblemente más exacta en su representación de SETI que cualquier película hecha en la historia de Hollywood. Ahí queda eso.

Esta reseña me gustaría dedicarsela a Rafa B. (Bogart), porque es una de sus películas favoritas, y porque se lo prometí.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Contact_%28pel%C3%ADcula%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Alan_Silvestri
http://es.wikipedia.org/wiki/Carl_Sagan
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Zemeckis
http://www.filmaffinity.com/es/film815526.html
http://www.imdb.com/title/tt0118884/
http://www.aoc.nrao.edu/epo/contact/index-s.html

SEVEN (Idem)
David Fincher 1995


En 1995, el que era realizador de videoclips musicales (como por ejemplo de la banda americana de rock Aerosmith en su álbum Get a grip (1994)) y de la irregular tercera parte de la saga Alien, revolucionó para siempre el género del thriller con psycho-killers con la impactante obra maestra Seven.

Este peliculón está magistralmente interpretado por unos impresionantes Morgan Freeman, Brad Pitt, y un Kevin Spacey, que sobre salir muy poco en la película (ni siquiera salía en los títulos de crédito al principio del filme) borda a la perfección al enfermizo psicópata asesino, pasando a la historia como uno de los mejores villanos del cine, junto a Hannibal Lecter de "El Silencio de los Corderos", o Norman Bates del clásico del maestro del suspense Alfred Hitchcock "Psicosis".

(Spoilers)

Ya desde el inicio, con esos impactantes títulos de crédito, con las imágenes del susodicho psicopata cortandose las yemas de los dedos con una maquinilla de afeitar, y todo ello amenizado con el remix del tema "Closer" de Nine Inch Nails hecho por Coil, hace prever que no era la típica película policiaca clásica de siempre, sino que se avecinaba como una película dificil de olvidar, y destinada a pasar a la historia.





A lo largo del metraje, poco a poco se van desgranando esos atroces crímenes, inspirados en los siete pecados capitales de Dante Alighieri hizo en su famosa obra La divina comedia.

Empezando por la gula, en el cual el hombre obeso que encuentran asesinado fue obligado a comer y seguir comiendo, ya que John le apuntaba con una pistola y una vez lo golpeó con esta. También paró la tortura dos veces para ir a comprar comida. Tenía un balde para el vómito. La garganta se inflamó y hubo hemorragia interna, lo que causó su muerte. Luego siguió con la Avaricia, en la cual un abogado que en palabras de John Doe era «un sinvergüenza que se pasó la vida liberando asesinos, violadores y secuestradores». Basándose en la obra de Shakespeare El mercader de Venecia, que en un texto decía «un kilo de carne, sin huesos ni nervios», refiriéndose a un kilo de carne que había de arrancarse, decidió que la carne sobraba de su vientre, las bien conocidas «llantitas» o «michelines», y provocó un desangramiento hasta la muerte. 


Luego sigue con la pereza con un tipo que se hacía llamar Victor. Encuentran sus huellas en la escena del crimen de «la avaricia», por lo que van a investigar. En su apartamento descubren su cuerpo, amarrado a una cama y con fotos, la primera de un año antes exactamente. Le falta una mano que había sido usada en la escena del crimen para inculparlo. Un policía, al acercársele mucho, se lleva un susto, pues Victor no está muerto sino en coma. El médico dice que no puede hablar, pues la capacidad cerebral se ha visto dañada por culpa de la tortura; además, se ha arrancado la lengua a mordiscos y sus músculos están atrofiados. Muere en el hospital.


Luego le sigue la lujuria, en la cual John Doe había mandado fabricar un cinturón con una cuchilla por delante. Un hombre y una prostituta son obligados a copular usando la cuchilla, lo que provoca heridas fatales en la vagina y órganos internos. El cuerpo de la prostituta no se muestra, pero el hombre que fue obligado a tener sexo con ella está seriamente perturbado y no puede hablar, además de que la policía tiene bien cuidada la escena del crimen. Huelga decir que el actor Leland Orser que interpreta al hombre que copula con la prostituta, para hacer creible su papel, se pasó tres días sin dormir.

Luego sigue con la soberbia, en la cual el asesino le corta la cara a una mujer que era reconocida por su rostro y tiene dos opciones: llamar a emergencias, y vivir pero sin su rostro, o tomar unas pastillas que tiene en la otra mano y morir. La mujer toma las pastillas.



Y para terminar la envidia y la ira. En la envidia John Doe es el penúltimo pecado y la esposa de Mills la última víctima que encontrar. Luego de que una camioneta de servicios postales se acerca al lugar donde suponen que encontrarán los cuerpos Mills se queda con John. Cuando Somerset se da cuenta de lo que tiene la caja, corre hacia Mills. John, a base de indirectas, le hace saber a Mills que fue a visitar a su esposa, pues envidiaba su vida. Quiso jugar a ser un esposo ejemplar, pero no lo consiguió, y se llevó de recuerdo su cabeza, matándola y también matando al bebé que hubiera llegado a nacer. Y en la ira David Mills es el último pecado tras hacer de John Doe la víctima. Después de comunicarle a Mills el asesinato de su mujer, éste comienza a balbucear, mientras Somerset, que esta regresando de la furgoneta donde acaba de ver la cabeza de la esposa de Mills en una caja recibida por mensajero (el espectador no ve la cabeza), no para de gritarle que tire la pistola con la que apunta a Doe. Somerset trata de convencerlo de que, si dispara a John, éste habrá ganado. Mills, cegado por «la ira», le dispara varias veces. Es arrestado y conducido en un coche de policía, seriamente perjudicado mentalmente, a la cárcel. Esto da lugar a uno de los finales más sorprendentes y mejores de la historia del cine, que hace que cuando terminas su visionado se te quede el nudo en el estómago, y se te graba a fuego para siempre en tu cabeza.


Uno de los mayores logros de Seven reside en esa ciudad sin nombre, en el que las calles siempre estan llenas de gente, de habitantes ruidosos y una opresiva lluvia que parece interminable. Fincher quería mostrar una ciudad que fuese «sucia, violenta, contaminada y a menudo deprimente. Visualmente y estilísticamente esa fue la forma en que quisimos retratar este mundo. Todo lo necesario para ser tan auténtica y cruda como fuese posible».

A este fin, Fincher trabajó con Arthur Max para crear un mundo sombrío. «Creamos un escenario que refleja el decaimiento moral de sus habitantes», dice Max. «Todo se está cayendo a pedazos y nada esta funcionando adecuadamente». La melancolía de la película, oscura, fue creada mediante un proceso llamado bleach bypass, a través del cual la cantidad de brillo en la película se vincula dependiendo de la oscuridad, imágenes sombrías en la película e incremento global de calidad tonal. 



La fuerza visual de la ciudad sin nombre engulle a los personajes, pasando a ser la verdadera protagonista a lo largo de la película, y hace que la ciudad del clásico de Ridley Scott "Bladerunner" (1982) sea un parque temático. Muchas son  las películas que la han intentado imitar, pero sin embargo nunca la han podido superar. 

Seven fue estrenada el 22 de septiembre de 1995 en 2.441 cines, donde recaudó 13,9 millones de dólares en su semana de estreno. Continuó recaudando 100,1 millones en Norteamérica y 227,1 millones en el resto del mundo, para llegar a un total de 327,3 millones de dólares recaudados.

La película recibió críticas negativas por parte de muchos periódicos pero fue generalmente bien recibida por los críticos. Actualmente tiene una puntuación del 85% en Rotten Tomatoes y se encuentra en el número 28 en el ranking de las 250 películas votadas por los usuarios de IMDb.


New Line Cinema reestrenó Seven en Westwood, California en navidad y en Nueva York el 29 de diciembre de 1996, para intentar generar posibles nominaciones en los Premios Óscar para Freeman, Pitt, Fincher y Walker.

Walker recibió una nominación para los premios BAFTA al mejor guion original. Richard Francis-Bruce fue nominado para los premios Oscar por su montaje. Y el extensivo uso del bleach bypass realizado en la película por el director de fotografía Darius Khondji ha sido destacado como una gran influencia para las técnicas fotográficas del cine contemporáneo, especialmente a finales de la década de los 90. La película ganó un MTV Movie Award como mejor película.


A raíz del estreno de Seven se hicieron una serie de películas sobre psicópatas metódicos con un fin «intelectual» en su discurso, pero ninguno de estos filmes logró el impacto que causó Seven.


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Se7en
http://es.wikipedia.org/wiki/David_Fincher
http://www.filmaffinity.com/es/film575149.html
Reseña de Seven (1995) extraida del libro de Steven Jay Schneider "1001 películas que hay que ver antes de morir".


OVEJAS NEGRAS (Idem)
José María Carreño 1990

Ovejas Negras es la única película realizada por el malogrado cineasta español José María Carreño, que fue crítico en la revista Fotogramas. Se trata de un drama disfrazado de comedia negra, con ecos de Buñuel, en el que se enfrenta sin excesiva acritud a los fantasmas de un pasado que muchos reconocemos como propio. Sin llegar demasiado lejos en sus planteamientos, retrata certeramente el claustrofóbico ambiente de un colegio religioso de los años cincuenta, evitando cualquier tipo de demagogia.

SINOPSIS:

Adolfo de la Cruz, un hombre de 45 años, visita al Padre Benito, antiguo profesor suyo y actual rector del colegio donde estudió cuando era niño. Desea contarle una historia protagonizada por él mismo en sus años escolares. La acción retrocede a los años 50. Adolfo es un niño solitario y observador atemorizado por el pecado, la muerte, el infierno y el demonio. Ayudar y apartar del mal camino a las ovejas negras será su misión en la vida.

Esta estupenda película obtuvo el gran premio del público en la Mostra de Valencia en 1990, y también obtuvo una nominación al premio Goya a la mejor dirección novel. Esta protagonizada por un jovencísimo Juan Diego Botto, unos solventes Gabino Diego, Marivel Verdú, y Miguel Rellán, y un desternillante José Sazatornil "Saza".

El director José María Carreño comentaba de ella:

Ovejas Negras es una película muy personal: creo que el tono que tiene es dificil en principio porque está entre la seriedad y la broma. Es una comedia sin muchas situaciones cómicas o al mismo tiempo es un drama visto con una sonrisa. Me parecía muy tentador y a la vez muy peligroso utilizar ese tono.

También decía que era una película meditada...

Quería llevar la película casi montada en la mente. Cuando hacía un plano sabía cuál iba antes y cuál iba después. Lo hacía por dos motivos: primero, porque me sentía más seguro, pues era mi primer largometraje; segundo, porque es mi concepción del cine, necesito tener la película montada de antemano.
Y sobre el carácter autobiográfico...
Lo que pueda haber de autobiográfico está en el ambiente, la época, el tipo de educación, el clima moral. A nivel de peripecia no tiene nada que ver con mi vida. Yo recibía ese tipo de enseñanza. Me la tomaba en serio pero la trangredía como casi todos los niños.
Fuentes:
http://www.fotogramas.es/Peliculas/Ovejas-negras
Los comentarios del director y la sinópsis están extraidos del dvd original de la película.




LOS PUENTES DE MADISON (The Bridges of Madison County)
CLINT EASTWOOD 1995


Los puentes de Madison (título original en inglés: The Bridges of Madison County) es una película estadounidense de 1995 dirigida por Clint Eastwood e interpretada por el propio Eastwood junto a Meryl Streep, Annie Corley, Victor Slezak y Jim Haynie, entre otros. El guión, escrito por Richard LaGravenese, es una adaptación de la novela homónima de Robert James Waller.

La película se sitúa en 1965. Relata la historia de Francesca (Meryl Streep), una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa, que se había casado con un soldado estadounidense y emigrado a Estados Unidos. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera, en la feria del Estado de Illinois, conoce a un fotógrafo, Robert Kincaid (Clint Eastwood), que ha llegado al condado de Madison (Iowa) para realizar una serie fotográfica sobre los puentes cubiertos de la zona para National Geographic, y se enamora de él.

Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos descubren después de su muerte.
La película se divide en dos partes bien diferenciadas, la de sus dos hijos en el presente, cuando Francesca (Streep) ha fallecido y deja en su testamento unos diarios en el cual relatan la historia de ella con Kincaid (Eastwood); y luego tenemos la principal, ambientada a mediados de los años sesenta, y en el cual Francesca (Streep), mientras su marido e hijos hacen un viaje de cuatro días a una feria, ella mantiene una relación adultera con un fotografo del National Geografic llamado Kincaid (Eastwood).

Y es en esa historia principal, magistralmente interpretada por unos soberbios Clint Eastwood (es verdaderamente increible como infravaloran las dotes interpretativas de Eastwood en Hollywood, que ni siquiera lo nominaran al Oscar por esta impresionante actuación, llena de matices), y Meryl Streep (sin duda alguna, una de las mejores actrices que ha dado Hollywood en estos últimos veinticinco o treinta años); la que ha hecho que esta película sea ya un clásico moderno del cine. Dirijida de forma sólida por Clint Eastwood, con unas localizaciones preciosas, una notable banda sonora de Lennie Niehaus (responsable de muchas de las partituras de los films de Eastwood como El Sargento de Hierro (Heartbreak Ridge) (1986), Bird (1988), Sin Perdón (Unforgiven) (1992), Un mundo perfecto (A perfect world) (1993), Poder Absoluto (Absolut Power) (1997), entre otras).

Se trata de una película muy emotiva, en la cual cabe destacar algunas secuencias que han pasado a la historia del cine, sobretodo ese impresionante final bajo la lluvia, en el que un Eastwood magistral llora por amor, mientras Streep, dentro de la camioneta, se decide entre escaparse con él, o cumplir con su responsabilidad familiar. Lo dicho, impresionante.

También cabe destacar el notable guión adaptado por Richard LaGravenese (responsable de El amor tiene dos caras (1996) de Barbra Streisand, El Hombre que susurraba a los caballos (1998) de Robert Redford, o Agua para elefantes (2011) de Francis Lawrence, entre otras), en el que sobresalen perlas como:
-Pensé que él había estado ahí sólo momentos antes. Estaba tumbada dónde el agua se había deslizado por su cuerpo... y me pareció intensamente erótico. Casi todo lo relacionado con Robert Kincaid había empezado a parecerme erótico.

-No se si voy a poder hacerlo.
-¿El qué?
-Intentar concentrar toda mi vida entre hoy y el viernes.

-Creo que los lugares en que he estado y las fotos que he hecho durante mi vida me han estado conduciendo hacia ti.

-Esa clase de certeza solo se presenta una vez en la vida.
También huelga decir que no todo son virtudes en esta notable película, lo que hace que no sea una obra maestra es la otra historia, ambientada en el presente en la que sus protagonistas son los hijos de Francesca (Streep). Los hijos están interpretados penosamente por Annie Corley, y sobretodo con Victor Slezak, que no empañan el resultado global de la película, con secuencias y diálogos que rozan el ridículo por su estupidez, exceptuando la secuencia en el puente, que a decir verdad es preciosa y es muy emotiva.


Pese a estos bajones puntuales en la historia, se trata de una película notable, llena de grandísimos momentos, con actuaciones sublimes de dos de los mejores actores del celuloide. Una película a tener en cuenta, de visionado obligatorio, y que no puede faltar en tu colección cinéfila.




Fuentes:
http://en.wikipedia.org/wiki/Lennie_Niehaus#Discography
http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_LaGravenese#Filmography
http://mundifrases.com/tema/los-puentes-de-madison/946
http://es.wikipedia.org/wiki/Los_puentes_de_Madison
http://www.filmaffinity.com/es/film983192.html


Si quieres conseguir esta película, aquí tienes un enlace de Gong:


FORREST GUMP (Idem)
ROBERT ZEMECKIS 1994


Forrest Gump es una película cómico-dramática de 1994 basada en la novela del mismo nombre de 1986 escrita por Winston Groom. La película tuvo un gran éxito comercial, llegando a ganar 677 millones de dólares en todo el mundo, sin embargo Paramount, junto a los contables de Hollywood, reclamaron que fue un fracaso comercial y no pagaron a Groom su parte de las ganancias. Por eso, Groom se negó a que la secuela de la novela Gump and Co. fuera llevada al cine. El film obtuvo 13 nominaciones a los Premios Óscar, de los que ganó 6, incluyendo mejor película, mejor director (Robert Zemeckis), y mejor actor (Tom Hanks). También tuvo 7 nominaciones a los Globos de Oro, de los que ganó 3, el de mejor director, mejor película, y mejor actor.

La película cuenta la historia de un hombre simple a lo largo de su vida, conociendo figuras de relevancia histórica y siendo testigo de eventos de magnitud, pero siempre sin darse cuenta de lo que está pasando a su alrededor ni de su significado, debido a su cociente intelectual de 75. Esta película difiere sustancialmente del libro en el que está basada. 

Argumento de la película: (SPOILERS) 

Comienza la historia de Forrest

Sentado en la parada del bus, vestido de traje, Forrest Gump cuenta la historia de su vida a una mujer que se encuentra sentada junto a él (las personas cambian regularmente a lo largo de la película).

Gran parte de la filosofía de Forrest proviene de su madre. Forrest a veces recuerda su frase favorita, diciendo "Mamá siempre decía 'la vida es como una caja de bombones" y "tonto es el que hace tonterías". Forrest revela que recibió su nombre en honor a un ancestro lejano, Nathan Bedford Forrest, quien fue uno de los fundadores del Ku Klux Klan, como un recordatorio de que "a veces hacemos cosas que simplemente no tienen sentido". A raíz de su bajo coeficiente intelectual, por el que normalmente necesitaría educación especial, su madre hace lo necesario para incorporarlo a una escuela pública. En su primer día de escuela, conoce en el bus escolar a Jenny, quien, la audiencia sabría luego, sufría abusos sexuales por parte de su padre.

 
En sus primeros años de vida, Forrest tenía la espalda encorvada y usaba soportes en las piernas para mantenerse erguido y caminar. Estos soportes lo hacían caminar torpemente. Vivía con su madre en una casa en la que alquilaban las habitaciones. En una ocasión la madre de Forrest lo encuentra bailando con un muchacho que toca su guitarra. La madre le dice a Forrest que no moleste al joven viajero, el joven le dice que no es molestia y le pide a Forrest que continúe bailando, como Forrest no podía bailar muy bien por los metales en sus piernas su paso es único y este joven conocido como The King toma ese paso, convirtiéndose en una de las cosas más conocidas del famoso Elvis Presley. Debido a sus metales en las piernas tampoco podía correr. Cuando un grupo de pendencieros trata de cazarlo con sus bicicletas, Forrest comienza a correr urgido por Jenny, al grito de "corre, Forest, corre". Al comenzar a correr, los soportes metálicos de sus piernas se despedazan y caen, y Forrest corre velozmente por todo el pueblo. Desde ese día Forrest le toma gusto a correr y a todos los lugares a donde se dirige lo hace corriendo.

Fútbol americano en Alabama

Años más tarde, mientras está escapando de los mismos pendencieros, Forrest corre en su huída a través del campo de fútbol americano superando velozmente al receptor que va a atrapar un pase durante un juego de la Secundaria Greenbow, mientras es observado atónito por el entrenador y el staff del equipo de la Universidad de Alabama. Una beca escolar le permite entrar a Forrest a la universidad. Su habilidad como corredor con el equipo de fútbol americano de Alabama Crimson Tide otorga gran éxito al equipo dirigido por el legendario Bear Bryant. Es también seleccionado como All American. El equipo es invitado a la Casa Blanca, donde Forrest puede vagar libremente y toma 15 botellas de Dr Pepper. Al saludar al presidente John F. Kennedy este le pregunta cómo se siente, a lo que Forrest responde "quiero hacer pipí".

 
Gump mantiene su amistad con Jenny, a pesar de que ella asiste a un colegio sólo para chicas, posiblemente Judson College. Gump aparece en televisión el 11 de junio de 1963, parado detrás del gobernador George Wallace en el Foster Auditorium durante una protesta en contra del fin de la segregación racial universitaria (hecho conocido como la "Parada en la puerta de la universidad"). Se gradua después de cinco años. Su título no se revela, pero se ve que él asistia a clases de economía.
 
Forrest en Vietnam

En el día de su graduación, se le aproxima un sargento de ejército y lo recluta. Gump dice que él cabe en el ejército "como un pastel en un molde" y es el número uno en su pelotón. Luego de armar su fusil M14 en tiempo récord, su sargento de pelotón le dice , "¡Yo lo recomendaría a usted para Oficial Soldado Gump, si no fuese una pérdida perder a un hombre tan capacitado!" Su único amigo es Benjamin Buford "Bubba" Blue (Mykelti Williamson), quien lo sabe todo del negocio de las gambas. Las gambas aparecen cocinadas de mil formas en la mente de Bubba. Bubba y Forrest acuerdan asociarse para dedicarse al "negocio de las gambas" una vez que dejen el ejército. Mientras que Forrest es blanco y Bubba es negro, descubren que tienen vidas, filosofías de vida, y madres similares (Bubba: "Mi mamá dice eso también."). Una de las escenas más emotivas de la película es la de la muerte de Bubba, al ver que deja atrás todas sus ilusiones e ideas sobre las gambas, y en la que Forrest dice: "Bubba quería ser capitán de barco, pero en lugar de eso murió junto a aquel río de Vietnam".

 
Una noche, mientras están acostados, un camarada le da a Forrest una edición de Playboy y le dice "mira el pecho de esa chica." Forrest gira una página y reconoce que la chica en esa página es nada más ni menos que Jenny, vistiendo sólo el suéter de su colegio. La foto provoca que sea expulsada, y comienza a tocar la guitarra desnuda, haciendo de "Bob Dylan" en un cabaret. Forrest va a visitarla y ve cuando unos hombres son groseros con ella mientras está tocando el tema Blowin' in the Wind de Bob Dylan. Él los golpea y trata de rescatar a Jenny, pero este incidente provoca que ella sea despedida.

La pareja más tarde recuerda los buenos tiempos, y Jenny recuerda cuando ellos se escondían de su padrastro en la plantación de maíz, y ella le rogaba a Dios que la convirtiese en ave. Entonces le pregunta a Forrest, "¿Crees que podría volar si salto de este puente?…" Esto preocupa a Forrest, pero Jenny olvida la situación y le pide a un conductor que la lleve. Forrest le avisa de su próxima partida a Vietnam, y ella le aconseja que no trate de ser un héroe, y que si está en problemas, simplemente corra.

Mientras sirve en el ejército en la guerra de Vietnam, bajo el mando del Teniente Dan (Teniente Daniel Taylor, Gary Sinise), lleva camaradas heridos de su sección (incluyendo a Bubba, quien muere) para salvarlos de una emboscada, ganando así la Medalla de Honor. Cuando recibe la medalla, el presidente Lyndon Johnson le pregunta dónde le dispararon, Forrest responde "Me dispararon en el pompis, señor." Johnson bromea sobre ver la herida, a lo que Gump baja sus pantalones para mostrar la herida al presidente. Durante este rescate, el Teniente Dan pierde sus piernas, y Bubba es fatalmente herido y muere en brazos de Forrest. Cuando asisten a una reunión de "Las Panteras Negras" el compañero de Jenny la golpea y Forrest se le lanza encima. Mientras Forrest se recupera de su herida, se convierte en un experto jugador de ping-pong y asiste a China durante el período diplomático conocido como el Período Ping Pong. Cuando recibe su medalla, accidentalmente encuentra otra vez a Jenny, quien para este tiempo era hippie. Forrest se transforma en un héroe nacional y le ofrecen 25.000 dólares para apoyar una marca de paletas.

 
Forrest aparece en El Show de Dick Cavett con John Lennon. Cuando Forrest recuerda sus experiencias en la China comunista, le da a Lennon la idea para su canción Imagine. En referencia a la letra de la canción, Lennon remarca, "¿Sin posesiones?" y entonces "¿y tampoco religión?". Dick Cavett agrega, "Difícil de imaginar," a lo que Lennon responde, "Es fácil si lo intentas, Dick."

Al salir del estudio, Gump encuentra al teniente Dan en silla de ruedas, ahora un amargado, alcohólico que ha perdido la fe en Dios. Durante la Fiesta de Año Nuevo, el teniente promete que se volverá socio de Gump si éste logra ser capitán de un buque, pensando que Forrest nunca lo lograría. Cabe también destacar la escena en la que Forrest dice: "¡Feliz Año Nuevo, teniente Dan!" y se ve a Dan deprimido, con todo el papel picado esparcido por el pelo. Más adelante, en casa de Dan, se encuentran ambos con prostitutas, y Forrest rechaza la situación, ellas los insultan y el Teniente Dan, enojado, cae de la silla, y Forrest le dice: "Lo siento, teniente Dan, le he estropeado su fiesta de año nuevo, pero es que ella olía a cigarrillos". Durante la guerra de Vietnam y también en compañía del teniente Dan, ocurren cosas trágicas y emotivas (la muerte de Bubba o la fiesta de Año Nuevo del teniente Dan, sin piernas), que hacen llorar, y a la vez, reflexionar.
 
Forrest hace historia política

Visitando al Presidente Richard Nixon luego de su gira en China, es invitado por el Presidente a quedarse en complejo Watergate. Su sueño se ve interrumpido cuando ve luces en las oficinas frente a las de su habitación. Creyendo que esa gente tenía problemas con la caja de fusibles, Gump llama a la oficina de seguridad para avisar al equipo de mantenimiento, provocando inadvertidamente el escándalo Watergate.

 
Cuando su tiempo de servicio termina, Gump regresa a casa con el cheque de 25.000 dólares. Luego de comprar algunas cosas a su madre y para él, usa los restantes 24.562,47 dólares para comprar su barco camaronero al cual bautiza "Jenny", como su "novia" - Forrest: "el nombre más bonito que jamás he escuchado: Jenny" - y arranca con el negocio de las gambas, manteniendo la promesa hecha a Bubba. El teniente Dan se le asocia en la aventura, la "Bubba-Gump Shrimp Corporation". El negocio es un fracaso hasta que Dan y Forrest estaban fuera de puerto durante el huracán Carmen, que destruye todos los barcos camaroneros del área, dándoles un instantáneo monopolio en el mercado de las gambas convirtiendo a Forrest en un millonario. Durante el huracán, el teniente Dan se enfrenta sus demonios. Posiblemente de su 'encuentro con Dios' en el huracan, toma una decisión sabia y aconseja a Forrest invertir en Apple Computer, antes que la compañía crezca a la fama (Forrest pensaba que era una compañía de frutas), haciendo que Forrest sea aún más rico.

Incluso aunque el teniente Dan dice que está loco, Forrest le da a la madre de Bubba la parte correspondiente a Bubba, quien subsecuentemente se va de su humilde casa a una lujosa mansión y toma como cocinera a una mujer blanca, ya que ella, su madre, su abuela, su bisabuela y su tatarabuela habían sido cocineras de millonarias familias blancas. Forrest también dona dinero para la iglesia y un hospital para pescadores de Bayu LaBatre (el poblado donde vivía su amigo Bubba).

 
Gump regresa a casa de su madre y encuentra que ésta está enferma. Ella muere un tiempo después de su regreso. Jenny se reúne con Forrest luego de haber atravesado los peores momentos de su vida, incluyendo adicción a las drogas y prostitución. Ella se queda con él por un tiempo (que Forrest luego definiría como los mejores momentos de su vida), hasta que Forrest le pide matrimonio (Escena bastante emotiva si se sabe interpretar). Ella contesta: "No debes casarte conmigo" y Forrest, que supuso saber por qué lo decía, dijo: "Yo no soy muy listo, pero sé lo que es el amor". Esa misma noche, Jenny pone a prueba el amor de Forrest teniendo sexo con él, pero huye a la mañana siguiente. Luego de su partida, Forrest comienza a correr a través del país. Corre de costa a costa, y luego comienza de nuevo, corriendo continuamente a lo largo de "3 años, 2 meses, 14 días, y 16 horas".

 
Su dedicación inspira un movimiento de corredores, incluyendo a una multitud que corre tras él. A lo largo del camino, Forrest es avisado que había pisado excremento de perro, respondiendo que "It happens", inspirando la frase "Shit happens". También durante esta carrera, le dan a Forrest una camiseta amarilla por un vendedor de camisetas quien quiere grabar su rostro en una camiseta de alguna manera pero no puede dibujar bien ni tampoco tiene cámara. Gump se ensucia de barro al pasar un camión y se seca con esa camiseta, dejando una gran cara sonriente impresa y diciéndole "que tengas un buen día," inspirando así un fenómeno de cultura pop.
 
Volviendo al presente

Un día, decide dejar de correr y recibe una carta de Jenny pidiéndole que la visite. Para este momento en el relato de Gump, Forrest muestra la carta de Jenny a la mujer que está sentada en el banco donde narra buena parte de su vida, y está le dice que esa dirección está a sólo "cinco cuadras" bajando por Henry Street, en Savannah, Georgia. Forrest se reúne con Jenny y su pequeño hijo. Jenny le dice que el niño se llama Forrest, y luego que él es su padre (Jenny se quedó embarazada la noche que se acostó con Forrest). Forrest, le pregunta llorando a Jenny: "¿es listo o es como...?", a lo que Jenny contesta: "es muy listo, de los más listos de su clase". Jenny también le cuenta que tiene un virus desconocido, cuyos síntomas son indicativos de sida o hepatitis, rastros de su pasado con drogas y prostitución.

Jenny y Forrest Jr. se mudan con Forrest en Greenbow, Alabama, y Jenny y Forrest se casan finalmente. El teniente Dan, quien tiene una nueva novia y prótesis para las piernas van a la boda.

 
Jenny finalmente muere "un sábado a la mañana," 22 de marzo de 1982 quedando Forrest a cargo del pequeño Forrest (Haley Joel Osment), un niño brillante. Forrest ordena que la casa en la que creció Jenny sea derribada, ya que le hacía recordar a ella en vida de los abusos de su padrastro. La muerte de Jenny provoca en Forrest a preguntarse sobre la naturaleza de la vida cuando se dice; "No sé si mamá o el teniente Dan tenían razón. No sé si cada uno tiene un destino, o si estamos todos como flotando alrededor empujados por una brisa, pero creo, que tal vez es ambos, tal vez ambos ocurren al mismo tiempo".

Al final de la historia, vemos a Forrest con su hijo esperando en la parada el autobús, en el primer día del pequeño Forrest en el colegio. Cuando Forrest abre el libro que su hijo se lleva al colegio para leer, la pluma blanca del principio de la película cae de entre las páginas, y cuando el autobús se va, la pluma, cogida por una fuerte brisa, se eleva hacia el cielo.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Forrest_Gump
http://www.filmaffinity.com/es/film444796.html


JESUCRISTO SUPERSTAR (Jesus Christ Superstar)
NORMAN JEWISON 1973


Jesucristo Superstar es la adaptación cinematográfica de una opera rock presentada primero en un álbum doble en 1970 con libreto de Tim Rice y música de Andrew Lloyd Webber, y después en una exitosa obra de teatro que fué presentada en 1971 en Broadway, representada durante varios años, dando lugar a numerosas giras y llegando a alcanzar más de 3.000 representaciones. E incluso tuvo su representación en España en 1975, pasando a la historia como el primer gran musical que se realizó en España, siendo una apuesta personal de Camilo Sesto, que invirtió más de 12 millones de pesetas de las de entonces en realizar el proyecto, y adaptada por Nacho Artime y Jaime Azpilicueta al español, y grabado con las voces de Camilo Sesto como Jesús, Teddy Bautista como Judas, Ángela Carrasco como María Magdalena, Alfonso Nadal como Pilatos, Charly Chausson como Caifás y un amplio elenco de artistas acompañados por el grupo Los Canarios.



Getsemaní interpretado por Camilo Sesto... Para Escuchar, Click en Play

La película fue dirigida por Norman Jewison y protagonizada por el genial actor de teatro, cantante y compositor Ted Neeley como Jesús de Nazaret; el impresionante cantante, actor de cine y teatro Carl Anderson como Judas Iscariote; la cantante y actriz estadounidense Yvonne Elliman como Maria Magdalena; Barry Dennen como Poncio Pilato; Bob Bingham como el Caifás; Kurt Yaghjian como el Anás; Josh Mostel como el Rey Herodes; Philip Toubus como San Pedro; y Larry T. Marshall como Simón el Zelote.

El doble álbum original de 1970 contaba con Ian Gillan (cantante de Deep Purple) como Jesús, Murray Head como Judas Iscariote, Yvonne Elliman como Maria Magdalena, Victor Brox como el Caifás, Brian Keith como el Anás, John Gustafson como Simón el Zelote, Barry Dennen como Poncio Pilato, Paul Davis San Pedro, y Mike d'Abo como el Rey Herodes. Solo Yvonne Elliman y Barry Dennen repiten sus respectivos papeles en la película. El director del film Norman Jewison quería a Ian Gillan para el papel de Jesús, pero él declinó la oferta porque se iba de gira con Deep Purple.


Ghetsemane interpretado por Ian Gillan de la versión original del doble álbum...
Para Escuchar, Click en Play


La historia resalta los enfrentamientos políticos y personales entre Jesús y Judas Iscariote, que no se narran en la Biblia. Está narrada desde el punto de vista de Judas. La acción tiene lugar durante la última semana de la vida de Jesús. Se inicia en Betania el Jueves anterior a la entrada en Jerusalén y finaliza con la crucifixión. Las letras no son fieles a la historia bíblica en la mayoría de los casos, con un mensaje virulentamente antimilitarista y antiracista.

La película comienza con la llegada de todos los actores en un autobus (o colectivo) y la obertura está dedicada a la identificación de los personajes, entre ellos de Jesús, quien emerge de en medio del grupo al tiempo que es investido con una sencilla túnica blanca, mientras extiende sus brazos, creando el centro de la atención al momento en que suenan los acordes que identifican la melodía principal.

En la escena siguiente, Judas hace un análisis crítico de la actitud de la gente hacia Jesús y la forma como su imagen se idealiza, alejándola de lo que él considera son los valores primarios que deberían defenderse, como la ayuda los pobres y necesitados. Judas acusa a los seguidores de Jesús de tener "demasiado Cielo en sus mentes" y teme que sean perseguidos por el gobierno de Roma, al verse amenazados por las afirmaciones de que Jesús es el "hijo de Dios" y "Rey de los Judíos".




A lo largo del musical y la pelicula, se nos hace meditar sobre el tratamiento que darían los Medios de comunicación de masas (TV y Prensa) y las autoridades a Cristo, si apareciera en la actualidad.

Fue una de las películas más controversiales de su época por presentar a los actores como "hippies", por presentar la pasión de Cristo desde el punto de vista de Judas, por presentar a un Jesús más humano y menos Dios y porque es una ópera rock; todos los diálogos son canciones interpretadas por los actores en ese género musical.

La película está filmada en Israel y otras localizaciones de Oriente Próximo. Tuvo una nominación a los premios Óscar por su estupenda banda sonora, en la cual el tema "No sé cómo amarle (I Don´t Know How to Love Him)" interpretado por Yvonne Elliman (Maria Magdalena) fue un éxito de ventas.



También estuvo nominada a seis Globos de Oro incluyendo el de mejor película, y en Chile el film se mantuvo por espacio de 2 años en cartelera marcando un hito en continuidad. Esta es la ópera rock más famosa de la historia, junto a Hair, Tommy, o The Wall.




Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Jesucristo_Superstar_%28pel%C3%ADcula%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Jesucristo_Superstar
http://en.wikipedia.org/wiki/Jesus_Christ_Superstar_%28album%29
http://www.elmundo.es/elmundo/2005/11/21/cultura/1132575255.html
http://www.joseantoniocarrasco.es/musicas/jesucristosuperstar/index.php?selection=0&showresults=1&x=53&y=10




LA CONVERSACIÓN (The Conversation)
FRANCIS FORD COPPOLA 1974

Si hay una película en la historia del cine en la que muestra, de la mejor manera, posible, el tema de la paranoia es esta. La Conversación es un filme escrito y dirigido por el maestro Francis Ford Coppola entre sus dos primeras entregas de la saga de "El Padrino".

La pelicula cuenta la historia de Harry Caul, un detective cuyo prestigio como especialista en vigilancia y sistemas de seguridad es reconocido por todos sus colegas, es contratado por un magnate para investigar a su joven esposa. Deberá escuchar sus conversaciones con un empleado de su cliente, del que parece estar enamorada. La misión, para un experto de su categoría, resulta a primera vista inexplicable, ya que la pareja no ofrece ningún interés fuera de lo corriente. Sin embargo, cuando Harry da por finalizado su trabajo, advierte que algo extraño se oculta tras la banalidad que ha estado investigando, ya que su cliente se niega a identificarse, utilizando siempre intermediarios... 


La película empieza con una secuencia inicial sublime, un larguísimo y lento picado, iniciado a vista de pájaro y que, poco a poco, va fijando la cámara sobre un mimo en una concurrida y amenizada plaza de la ciudad de San Francisco. Cerca del mimo se encuentra Henry Caul, el protagonista de la historia, genialmente interpretado por Gene Hackman. Él es detective privado y músico de jazz aficionado. En esa plaza, el protagonista y su equipo graban, desde varios puntos de vista, la conversación de la pareja. Una escena que fue homenajeada por Tony Scott en su película "Enemigo Público" de 1998, protagonizada por Will Smith y Gene Hackman que interpreta a un personaje similar.

Con un sólido guión firmado por el mismo Coppola, una utilización del sonido impresionante (destacando esos geniales pitidos electrónicos de la secuencia inicial), apoyada en un sublime elenco de actores, empezando por el citado Gene Hackman, seguido por el gran John Cazale del que luego hablaremos un poco de él, Robert Duvall, y unos jovencísimos Terry Garr y Harrison Ford; y cuenta también con un impresionante y sorprendente giro final.


Esta película fue rodada el mismo año que la segunda parte de "El Padrino" por un Francis Ford Coppola pletórico y en estado de gracia, que aquel año acapararia los premios Oscar teniendo sus dos fims (El Padrino II y La Conversación) nominados a Mejor Película, arrasando con la del padrino, pero también ganaría la Palma de Oro en el prestigioso festival de Cannes por La Conversación, que de no haber coincidido con la del Padrino, seguro que hubiera sido más conocida.


EL GRAN JOHN CAZALE...


Fue un actor y teatro estadounidense que nació en 1935 y murió en 1978 víctima de un cancer de pulmón. 


Desde sus inicios como un admirado actor de teatro, se transformó en uno de los actores secundarios favoritos de Hollywood, comenzando en El Padrino de Coppola, donde interpreta a Fredo, el débil hermano Corleone. "Cazale rompió corazones con personificaciones de hombres volátiles, vulnerables y vacilantes, incluyendo al compañero de Pacino en el trágico robo en Tarde de perros", escribió David Germain de Associated Press, quien lo describe como un actor "cuyo intenso rostro es conocido por aquellos serios fanáticos del cine, pero su nombre a menudo es olvidado". En su última película, El Cazador (The Deer Hunter), Cazale tomó lo decisión de continuar actuando a pesar de habérsele diagnosticado cáncer de pulmon, y falleció poco después de haber completado su papel. Tenía 42 años.
Cazale fue descrito como de "un increíble intelecto, una persona extraordinaria y un muy buen y dedicado artista" por Joseph Papp, productor del New York Shakespeare Festival. Un documental y tributo acerca de Cazale, titulado I Knew It Was You (en España como Descubriendo a John Cazale), fue proyectado en el Festival de cine de Sundance de 2009 y cuenta con entrevistas a actores de la talla de Al Pacino, Meryl Streep, Robert De Niro, Gene Hackman, Richard Dreyfuss, Francis Ford Coppola y Sidney Lumet, entre otros.
Nominado al Globo de Oro, su corta carrera incluye cinco películas muy exitosas como las dos primeras películas de El Padrino, todas ellas fueron nominadas como Mejor película en los Premios Óscar (las otras tres son La Conversación, Tarde de perros y The Deer Hunter).  
Doce años después de su muerte apareció en una sexta película, El Padrino III (1990), utulizando imágenes de archivo. El Padrino III también fue nominada como mejor película. Esto marca un lógro único conseguido por Cazale: cada largometraje en el que apareció fue nominado como mejor película en los premios Oscar.


Cazale fue para muchos una persona amable y gentil fuera de la pantalla, descrito por los más cercanos a él como "a menudo tímido" y "muy sensible emocionalmente". Su buen amigo y frecuente compañero, Al Pacino, colaboró en tres largometrajes y varias producciones teatrales. Aunque nunca recibió una nominación al Oscar, escribió Bruce Fretts, él "fue la personificación del aforismo actuar y reaccionar, proporcionando el contrapeso perfecto a sus recurrentes compañeros, los más volátiles emocionalmente Al Pacino y Robert De Niro". Pacino comentó una vez: "Todo lo que yo quería hacer era trabajar con John por el resto de mi vida. Él era mi compañero de actuación".

Fuentes:
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2264.html
http://es.wikipedia.org/wiki/La_conversaci%C3%B3n
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Cazale 
http://www.filmaffinity.com/es/film963644.html 


LOS GOONIES (The Goonies)
RICHARD DONNER 1985

En 1985, el cine comercial y juvenil estaba en un momento de auge. El éxito de títulos como “E.T. El Extraterrestre” había dejado claro que el futuro de la industria ya no estaba en manos del público adulto, sino de los más jóvenes, que abarrotaban las salas en busca de historias repletas de fantasía y aventura ideadas expresamente para ellos. En este contexto, con la interacción de talentos como Steven Spielberg (productor), Richard Donner (director) o Chris Columbus (guionista), llegó a las pantallas “Los Goonies” una cinta llamada a convertirse en un título generacional, una historia, que tras 25 años, aquellos que tuvieron la fortuna de verla en la gran pantalla siguen recordando con cariño y admiración.

SINOPSIS:

Mikey Walsh es un chico que vive en Astoria (Oregón), un pueblo costero de los Estados Unidos. Su padre, se ve angustiado por los problemas que lo enfrentan a unos inversionistas que pretenden hacer un campo de golf en el barrio donde viven Mikey y sus amigos, Los Goonies.

Una tormentosa tarde Mikey pasa el tiempo en su casa junto a sus amigos. Aburridos suben al desván donde encuentran una gran variedad de objetos antiguos y extraños. Entre ellos descubren sin querer un mapa que indica la ubicación de un supuesto tesoro perteneciente a un tal "Willy el Tuerto", un pirata desaparecido con su tripulación hace muchos años. El grupo decide entonces ir en busca de ese tesoro que podría solucionar económicamente el problema por el que esta pasando el padre de Mikey y que en caso de no resolverse podría derivar en la disolución de "Los Goonies" como grupo.

La búsqueda del Tesoro los llevará a una aventura bajo tierra escapando de las trampas de los piratas y de los Fratelli, una familia de gánsters que ansía hacerse también con el botín.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Goonies#Argumento

CON LA MAGIA DE STEVEN SPIELBERG:

En 1982 cuando Steven Spielberg dirigió “E.T. El Extraterrestre” se encontró con varias dificultades a la hora de convencer al estudio, Universal Pictures, para que invirtiera su dinero en una cinta marcadamente infantil y juvenil. Hasta ese momento el cine destinado a este tipo de público y protagonizado principalmente por un reparto de jóvenes actores solía contar con pequeños presupuestos y su estreno estaba destinado a las matinées. El desbordante éxito de “E.T.” cambió por completo este panorama. Los estudios empezaron a demandar este tipo de cintas, y las salas se llenaron de historias protagonizadas por niños, donde los adultos tenían un papel muy secundario o inexistente. Como es habitual, muchas de estas películas se basaron en canibalizar de manera evidente y sin creatividad los patrones marcados por Steven Spielberg, sin embargo otras supieron hacer avanzar este incipiente subgénero. El propio Spielberg produjo durante esta década algunos de sus títulos más famosos, como “Gremlins”, “Regreso al Futuro”, “El Secreto de la Pirámide”, o “Bigfoot y los Henderson”.

Justo después de “Gremlins”, el productor ideó una historia acerca de un grupo de amigos que se embarcaban en la búsqueda de un legendario tesoro pirata, con el fin de ayudar a sus padres a pagar una deuda que estaba a punto de tirar abajo el tranquilo pueblo costero en el que vivían, los muelles de Goon. Como muchas de los temas que barajaba Spielberg por aquella época, la idea principal era partir de los viejos seriales para reformularlos y darles un empaque moderno de cara a las nuevas generaciones.
 
Fuentes: 
http://www.elblogoferoz.com/post/2010/06/14/ADIVINA-QUIEN-VIENE-AL-CINE-Los-Goonies-25-Anos-en-los-Muelles-de-Goon-Por-Manuel-E-Diaz-Noda.aspx
http://listas.20minutos.es/lista/desmontando-los-goonies-el-clasico-infantil-del-cine-ochentero-264269/ 

EL RODAJE:

Donner filmó la película prácticamente de forma cronológica, para que eso ayudase a los jóvenes actores. 

Del mismo modo intentó que los actores improvisaran mucho, según sus palabras "Ellos venían con grandes ideas y yo era el primero en oírlas. Tuvimos mucha improvisación, eran capaces de meterse en sus personajes y se convertían en un grupo unido. Eran maravillosos. Ellos empezaron a ser esas personas. Había ocasiones que parecía que no estábamos trabajando. Sí eso no sucedía en ellos de forma instintiva, sabía que algo estaba mal". 

Josh Brolin opina sobre el director "Donner era increíble. Él era una fuerte y dominadora fuerza en el set, lo que me gustaba mucho, pero él también nos animó a improvisar. El sabía exactamente lo que quería, pero nos permitió hacer que nos sintiéramos cómodos trabajando dentro de esas directrices".


Jeff Cohen que interpreta a Gordi tiene la misma opinión "Él quiso que nosotros habláramos como hablan los niños, y que actuáramos como actúan los niños. Era real, niños reales en esta extraña y divertida aventura".

Para obtener una respuesta más natural de los chicos al ver por primera vez el barco pirata, Richard Donner explica como lo consiguió "Nunca deje que los chicos vieran el barco. A ellos se les prohibió la entrada en el plató desde el primer día, desde el comienzo de su construcción. El día que ellos entran en escena saliendo disparados y cayendo al agua, se giran y ven el barco por primera vez. Los traje a todos de espaldas. Todos sabían lo que iban a ver, pero no tenían ni idea de lo que iba aparecer. Y así en la película cuando ellos se giran y ven el barco por primera vez, esas son sus reacciones reales". 



DAVE GRUSIN Y CINDY LAUPER: Banda sonora y Canción Pop de éxito:


Dave Grusin músico procedente del terreno del jazz, se había caracterizado especialmente por sus trabajos para Sydney Pollack, sin embargo, aquí demostró que podía variar perfectamente de registro, adaptándose por completo al tipo de partitura que necesitaba esta película. De acuerdo al canon, Grusin preparó una serie de leitmotivs que definían no sólo a algunos de los personajes principales, sino también ambientes determinados y reiterativos. Todos ellos se combinaron y desarrollaron a lo largo de todo el metraje hasta formar un amplio tapiz musical. De esta manera, la película se abre con la huida de los hermanos Fratelli, en el que encontramos ya un tema frenético que va a marcar la idea de persecución, así como la presentación de algunos de los principales leitmotivs. Frente a la simplicidad de algunos temas identificativos de los personajes, Grusin desarrolló una partitura repleta de colorido, que alterna momentos épicos y heroicos (la ya mencionada persecución inicial, o el enfrentamiento en el barco tras el rescate de “Gordi” y “Sloth”), con otros más intimistas (todas las incursiones del tema de los muelles de Goon, especialmente en la reunión final), humorísticos (sobre todo los guiños metacinematográficos a 007, Superman, o el Capitán Blood) o fantasmagóricos (las referencias a Willie el Tuerto a medida que se van acercando al tesoro, ofreciendo su versión completa tras el descubrimiento del barco y los restos de toda la tripulación pirata).

 
En “Los Goonies” encontramos también la incorporación de canciones pop propias de la época, dirigidas principalmente al público juvenil que fue a ver la película. De todas ellas destaca especialmente “The Goonies 'R' Good Enough” de Cindy Lauper. La canción fue compuesta expresamente para la película y pasó a convertirse en su tema principal, pese a que sólo aparece de manera testimonial y breve en una de las escenas de la casa antes del inicio de la aventura. Como dato anecdótico tenemos que en el video clip de la canción aparecen también los actores de la película interpretando a sus personajes, algo poco corriente en aquel momento, donde si acaso se utilizaban escenas de la película como material de recurso.

Fuentes:
http://www.elblogoferoz.com/post/2010/06/14/ADIVINA-QUIEN-VIENE-AL-CINE-Los-Goonies-25-Anos-en-los-Muelles-de-Goon-Por-Manuel-E-Diaz-Noda.aspx
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Goonies:_Original_Motion_Picture_Soundtrack



STEVEN SPIELBERG RECLUTA A CHRIS COLUMBUS: Un guión genial: 
Para desarrollar aquel argumento, el productor Steven Spielberg, contrató a un joven escritor llamado Chris Columbus, quien ya había participado en el guión de “Gremlins”. Columbus, poco a poco, y bajo la influencia de Spielberg, pasó a convertirse en un guionista y, posteriormente, director especializado en historias protagonizadas por niños. De su pluma salió también el libreto de “El Secreto de la Pirámide”, y años más tarde fue el responsable del éxito de las dos primeras partes de “Solo en Casa” y la franquicia de Harry Potter. Para “Los Goonies”, Columbus escribió un inspirado guión en el que un heterogéneo grupo de personajes debía superar con ingenio, humor y valentía una constante sucesión de pruebas cada vez más peligrosas, mientras eran perseguidos por una banda de criminales que quería arrebatarles el tesoro. Como si de un videojuego se tratara (al fin y al cabo, los ordenadores personales estaban ya adentrándose en cada casa y los jóvenes de la época empezaban a descubrir los placeres que este tipo de entretenimientos podían ofrecer), los protagonistas no podían pasar a la siguiente fase de su aventura sin haber resuelto la anterior. 

Fuentes:
http://www.elblogoferoz.com/post/2010/06/14/ADIVINA-QUIEN-VIENE-AL-CINE-Los-Goonies-25-Anos-en-los-Muelles-de-Goon-Por-Manuel-E-Diaz-Noda.aspx
http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Goonies


ANECDOTAS Y CURIOSIDADES:
  • En la última escena de la película, el barco pirata en alta mar, contenía realmente una miniatura del robot "R2D2" de la película "Star Wars", y que fue añadida por los maquetistas en el rodaje.
  • El segundo álbum musical de La Oreja de Van Gogh, El viaje de Copperpot, está inspirado en Chester Copperpot, un cazador de tesoros mencionado en la película.
  • Richard Donner, director de la película, tuvo una breve participación hacia el final del metraje, interpretando a un policía.
  • Existieron al menos 6 escenas rodadas que no se incluyeron en el metraje final. En los años 90 se reeditó en DVD donde aparecen 3 de estas escenas. En una de las escenas finales, cuando los niños son finalmente rescatados en la playa, el personaje del pequeño chino "DATA", hace referencia con la frase "El pulpo fue lo peor", a una escena eliminada, donde los niños eran atacados por un pulpo gigante. Escena recuperada en la edición de DVD.




  • El videoclip de la canción de Cyndi Lauper para la película, tiene como protagonistas a los niños y a los luchadores del "Presing Catch" o lucha libre americana WWF, de la época (André el Gigante, Roddy Pipper, etc.)
  • El barco pirata que aparece en la película fue construido a escala real. Al terminar el rodaje fue ofrecido a quien le pudiera interesar, pero como nadie se interesó por él, acabó siendo desmontado.
  • John Matuszak (Sloth) antes de ser actor, fue jugador de fútbol americano profesional. En la película se le ve haciendo de Sloth, y lleva la camiseta de los Oakland Raiders, equipo de la NFL en el que jugó.
  • Cuando al final de la película salen los padres de los chicos, algunos de ellos son sus verdaderos padres, y otros eran miembros del equipo de la película.
  • El mapa original de la película se lo quedó Sean Astin (Mickey), pero su madre lo tiró a la basura pensando que era un papel viejo y sin importancia.
  • John Matuszak (Sloth) aparece en una escena con una camiseta de Superman. Richard Donner, el director de la película, dirigió la película Superman en 1978.
  • En un episodio de Padre de familia aparecen Los Goonies. Incluso Peter pide a Gordi que haga su "Supermeneo". En otro episodio, cuando Meg trabaja en el hipermercado, ésta tiene que bajar a un sótano para darle chocolatinas a Sloth.
  • En la versión original, la asistenta de casa de Mickey es de un pais hispano-hablante, al igual que el pirata Willy el tuerto ("Guille" en la versión inglesa), pero al doblarlo al castellano tuvieron que hacer que hablara italiano.
  • En una de las ultimas escenas de la película,en la playa, cuando el padre de Mickey rompe los papeles de venta de la casa y los tira al aire, puede verse perfectamente como, después de un segundo, aparece otro montón de papeles de otro lado. 
  • Michael Jackson visitaba frecuentemente el set del rodaje, ya que era amigo de Spielberg. Hay un guiño hacía él en la película cuando Gordi dice: "Vale que Michael Jackson no entro en mi casa. Pero su hermana sí".
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Goonies#Curiosidades