Discos Rescatados

En esta sección me gustaría rescatar del olvido grandes discos, joyas realizadas por grandes artistas, más conocidos o no tanto, de la historia de la música. Iré añadiendo los discos poco a poco, según vayan surgiendo. Espero que os guste...


28 Marzo 2015...
DAVID BOWIE Hunky Dory 1971
David Bowie es uno de los grandes personajes en la historia del rock y una de las figuras más eclécticas, significativas e influyentes que ha conocida la música popular. Desde sus inicios en el movimiento mod de los años 60, la extensa trayectoria de David Bowie ha transcurrido por múltiples formas sonoras, siendo partícipe principal del glam-rock o la electrónica experimental, transmutándose regularmente en artista de clave vanguardista, proto-punk, cabaretera, soul, ambient, hard-rock, dance-pop o simplemente explotando con talento las disposiciones clásicas del pop-rock.

En 1967 apareció su primer Lp, “David Bowie” (1967), un disco pop psicodélico y barroco producido por Mike Vernon que no logró cosechar buenos resultados comerciales, propiciando la ruptura de su contrato con Deram. El disco consecuente, denominado en el Reino Unido "David Bowie" (1969) y en los Estados Unidos "Man of Words/Man of Music", que finalmente terminó llamándose "Space Oddity", nombre dado en el año 1972. Fue la primera producción de Tony Visconti (a excepción del single homónimo) para Bowie en un notable disco con trazas de cantautor con resonancias folk, prog rock y psicodélicas en el que colaboraron músicos como Rick Wakeman, Paul Buckmaster o Herbie Flowers; no obstante, a pesar del éxito del single "Space oddity", el álbum no acabó de funcionar económicamente. Su tercer Lp, "The Man Who Sold the World" (1970), un excelente álbum conceptual de hard rock acerca de un travestí con el cráneo rasurado, tampoco logró convertir a Bowie en una estrella, ya que aunque parezca algo inaudito, el Lp no logró triunfar, empezándose a considerar el single "Space odditty", cada vez más como un éxito aislado.



En consecuencia, Bowie afirmó (falsamente) ser gay, disfrutó de la consiguiente publicidad, escribió canciones sobre un astronauta, que dieron pie al impresionante álbum que nos concierne, "Hunky Dory", que le hizo convertirse en el músico más influyente de la década de los setenta. 

Glamour estelar para el venidero Ziggy, quien contó en este magnífico disco con la ayuda inestimable al piano de Rick Wakeman, y con su amigo y gran instrumentista Mick Ronson en la guitarra y arreglos.

"Hunky Dory" es un LP de predominio acústico destacado por la creatividad en su imaginaria lírica, con influencias de Lou Reed, Neil Young, Syd Barrett o Bob Dylan, para un mundo de ambiguas identidades sexuales con retazos oníricos, vidas aparentes, homenajes varios (Warhol, Dylan) y dedicatorias paternales ("Kooks"  está escrita para su hijo Zowie). Un álbum repleto de temas de primera categoría; con joyas como "Queen Bitch"; la hermosa balada "Quicksand"; el desgarrado tema rock "The Bewlay Brothers"; el exitoso single "Changes"; y la cumbre del Lp "Life on Mars?", en la cual Neil McCormick, crítico musical del Telegraph, la situó como la primera de las 100 mejores canciones de todos los tiempos, comentando al respecto: "'Life on Mars?' es un glorioso y extraño himno, donde la combinación de agitación, melodía, anhelo de vida e imágenes poéticas logra un efecto muy particular al arte de la canción: ser a la vez completamente impenetrable y sin embargo resonante con significado personal. Quieres levantar la voz y cantar, pero las frases abstractas de la letra de Bowie te obligan a completar la canción con algo de ti mismo sólo para dar sentido a la experiencia musical. Y, como todas las grandes canciones, tiene una melodía preciosa."



Cabe mencionar que Bowie llegó a la sesión fotográfica para la portada abrazando un álbum de fotos de la actriz alemana Marlene Dietrich, y el retrato coloreado posee una cualidad cercana a la de una reina del cine en decadencia.




Fuentes:
Texto extraído (en parte) de la reseña escrita por Bruno McDonald, para el libro coordinado por Robert Dimery:
1001 Discos que hay que escuchar antes de morir. (ISBN: 978-84-253-4330-8)
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article491.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1546.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Life_on_Mars%3F
http://es.wikipedia.org/wiki/Hunky_Dory


21 Agosto 2014...
GENE CLARK No other 1974
Extraordinario disco de Gene Clark, antiguo miembro de The Byrds. Menos comercial que "Gene Clark With The Gosdin Brothers" (muy influenciado por los Beatles), es una obra maestra que muestra el talento de este compositor. Su sensibilidad melódica y su emocional ejecución vocal sobre reflexivos textos hacen de este álbum un recomendable trayecto por las excelencias de autoría de este subestimado personaje; ya que, desde su edición en 1974, "No Other" ha sido injustamente olvidado.

Para llevar a cabo ésta obra maestra, Gene Clark reunió a los mejores de entre los principales músicos de sesión del mundo: Butch Trucks, Chris Hillman, Danny Kotchmar, Timothy B. Schmidt, Carlena Williams, Cindy Bullens, Ronnie Barron, Clydie King, Venetta Field, y Shirley Matthews. Sus talentos combinados, guiados por la capacidad de Clark para narrar historias melancólicas, hicieron del álbum una ambiciosa y expansiva aventura que unía country, rock, pop, jazz, blues, y psicodelia. Este híbrido, cuya publicación rechazó más tarde el sello, nunca ha sonado tan encantador desde entonces: el tema de apertura del álbum "Life's Greatest Fool", tira por tierra gran parte de la mala reputación del disco.


En éste disco (a veces denominado el "Sgt. Peppers" de Gene Clark) experimenta e intenta expandir sus sonidos más allá de sus raíces; sin embargo, su naturaleza melódica y sencillez en estructuras siempre se encuentran presente; y además, resulta sobrecogedor la factura vocal de Clark y su apego íntimo a los textos.


"No Other" es una maravilla con subyugantes temas, tales como: "No Other", "Strenght Of Strings", "From a Silver Phial" o "Lady Of The North", que contienen las constantes de la escritura de Clark: melodía, clase, emotividad, y atmósfera...


Visto en perspectiva, en el contexto de la música de Los Ángeles post Byrds, "No Other" se señala a sí mismo como un disco innovador e influyente. Quién lo escuche reconocerá inmediatamente una destreza musical que marcaría el camino a los infinitamente más exitosos Fleetwood Mac.

Fuentes:
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article544.html
http://www.rockdelux.com/noticias/p/el-homenaje-a-gene-clark.html
Reseña de Gene Clark "No Other" (1974), escrita por Burhan Wazir.
Extraída del libro: 1001 DISCOS Que hay que escuchar antes de morir
Coordinado por Robert Dimery
ISBN: 978-84-253-4330-8


30 Enero 2014...
FAITH NO MORE The Real Thing 1989
Formados como banda pospunk en 1982, el quinteto despidió al vocalista Chuck Mosley en 1988, tras una díscola gira por Inglaterra en la que no dejó de beber y pelearse con la banda. Su sustituto fue Mike Patton, un guapo joven de veinte años californiano, poseedor de una gama de multioctavas y una curiosa capacidad para los juegos de palabras. El nuevo miembro resultó ser toda una inspiración. 

Este tercer álbum de Faith No More se apartó de la inestabilidad de sus inicios y fue todo un punto de inflexión para la banda; abarcando un amplio espectro muy bien trabajado, que va del horror burlesco de "Surprise! You're Dead" a la balada de salón "Edge of the World", pasando por el tema que titula el álbum, que es un rock progresivo convulso y atronador, también al tema instrumental con toques orientales "Woodpecker From Mars", y hasta un excelente cover de Black Sabbath "War Pigs".


Lanzaron tres singles memorables. "From Out of Nowhere" es un tema de amor de carretera adornado con un persistente riff del teclista Roddy Bottum; en tanto que el sincopado pop del tema "Falling to Pieces" evidencia las tendencias funky del bajista Bill Gould y del batería Mike Bordin; pero el que se lleva la palma es el impresionante tema "Epic", una dramática sinfonía de bolsillo con versos rapeados y un estribillo a coro, con Jim Martin a la guitarra y un majestuoso solo de piano final. Un tema que los encumbró a lo más alto.

A pesar de que posteriormente sacaron discos maravillosos, como el recomendable "Angel Dust"; este "The Real Thing", sin lugar a dudas, es su disco fundamental y que tuvo una gran influencia en grupos de nu metal como Korn o Limp Bizquit.

Fuentes:
Reseña de "Faith No More | The Real Thing (1989) escrita por Manish Agarwal para el libro "1001 Discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery.
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Real_Thing



29 Octubre 2013...
LOU REED Transformer 1972
A raíz del reciente fallecimiento del músico neoyorkino Lou Reed, a través de esta sección me gustaría rescatar el que posiblemente sea su mejor y más exitoso álbum en solitario.

A mediados de 1970, Lou Reed decidió abandonar la influyente banda que él mismo había formado, la Velvet Underground, con el sabor amargo de la derrota y el rencor. Después de que la discográfica MGM despidiera a la banda, debido a que el flamante presidente de la compañía, Mike Curb, decidiera eliminar a todas las bandas relacionadas con las drogas o el hippismo. Y también tras lanzar un convencional cuarto álbum, titulado "Loaded", grabado con la discográfica Atlantic Records. Reed decidió irse a casa de sus padres, en Londres (Inglaterra) para empezar su andadura en solitario.



Lou Reed y David Bowie en 1972.
En 1972, tras firmar con la RCA, lanzó su primer álbum en solitario de nombre homónimo, que estaba formado con temas sobrantes de su anterior banda, y reinterpretados por músicos de estudio. El álbum fue un fracaso comercial y crítico, alcanzando sólo el puesto 189 en Billboard 200. Entonces Reed decidió dejar de lado el rock experimental acercándose al glam rock, con la ayuda de sus amigos David Bowie y Mark Ronson.



En aquella época, Bowie había producido grabaciones brillantes y dramáticas con su guitarrista Ronson, siendo verdaderas estrellas del movimiento glam. Así que ambos se esforzaron por extraer del habitualmente árido poeta y músico una mezcla estimulante de decadencia afectada y melodías inolvidables. El resultado de ello fue este soberbio segundo álbum en solitario, titulado "Transfomer", en el que la perspectiva urbano-sexual, tan cínica como melancólica, ambigua y provocadora, de la escritura de Reed, se ve enriquecida con la teatralidad glam-rock de Bowie/Ronson para ofertar joyas como "Vicious", "Perfect Day", "Make Up", "Satellite Of Love", "New York Telephone Conversation" y el clásico "Walk On The Wild Side". 



Collage con la portada y contraportada del álbum.

Los arreglos vocales son tan espléndidos como las guitarras ardientes; la presencia de un bajo firme (interpretado por Klaus Voorman, bajista habitual de John Lennon) y un saxofón proporciona un ambiente cabaretero (mención especial merece la colaboración de Herbie Flowers, que introduce una magnífica tuba en dos de los temas del álbum); y también la ambigüedad sexual de la portada y contraportada que atrajeron al público adolescente. 





En deinitiva, Transformer es el logro comercial más importante de Lou Reed, y la historia de su éxito, solo en las listas de Reino Unido, abarca tres décadas. Sin lugar a dudas, es un trabajo magistral, lleno de ingenio, ironía y un ecléctico muestario sonoro.


Fuentes:
Reseña de Lou Reed - Transformer (1972) escrita por Ignacio Juliá para el libro: 
"1001 Discos que hay que escuchar antes de morir" de Robert Dimery.
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Velvet_Underground
http://es.wikipedia.org/wiki/Transformer
http://es.wikipedia.org/wiki/Lou_Reed_(%C3%A1lbum)
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article624.html


1 Agosto 2013...
QUEEN A Day at the Races 1976
Tras haber reventado las listas de éxitos y consagrarse con la impresionante obra maestra "A Night at the Opera" y el tema "Bohemian Rhapsody", Queen tenían un dilema bastante grande, ya que para el próximo álbum de estudio el listón lo habían puesto demasiado alto. Así que corría el 1975, y decidieron darle una vuelta de tuerca a su sonido para su nuevo álbum, titulado también como una famosa película de los Hermanos Marx "A Day at the Races".

Para este álbum, Queen dejaron de lado el tono socarrón, y suntuoso en sus arreglos vocales e instrumentales, y crearon un buen puñado de bellas canciones con un sonido más puro, más directo, y menos pomposo. Solo se aprecian retazos de su anterior álbum en temas como el impresionante tema gospel "Somebody to Love" en el que que Freddie Mercury se inspiró en los temas de la cantante Aretha Franklin, del que Mercury era un ferviente admirador; el genial tema progresivo "The Millonaire Waltz" que contiene un solo de guitarra con fraseos de vals; y la desenfadada y divertida "Good Old-Fashioned Lover Boy" que contiene unos cambios armónicos muy interesantes.



Donde queda patente ese cambio de sonido es en temas como "Tie your mother down" que es un potente tema de hard rock de alto octanaje que recuerda a grupos como "Slade"; también en la hermosa balada "You Take My Breath Away" en la cual se aprecia la desnudez de su sonido, ya que solo se oye la cálida voz de Mercury, y el piano; o en la balada "Teo Torriate (Let us cling together)" que tiene la particularidad de tener el estribillo cantado a medias en inglés y japonés.



Los detractores de Queen pueden argumentar la pomposidad y excesiva teatralidad de su oferta sonora o su acomodo en el mainstream a lo largo de su dilatada trayectoria, pero lo que es innegable es su demostrada pericia instrumental, su habilidad para la creación de memorables himnos rockeros, su talento para la escritura de composiciones de valía en base a una múltiple disposición estilística que tanto bebe del rock, como del pop, del vodevil, del rock progresivo, del ragtime, del gospel o de la ópera. Por no hablar de la capacidad de transferir a su música una ingente dosis de espectáculo, en gran parte debido a la excepcional capacidad de Freddie Mercury, uno de los mejores cantantes y frontman de la historia del rock.

En definitiva, este "A Day at the Races" puede que baje un poco el listón con respecto de su anterior álbum, pero eso no quita para que este sea un álbum sobresaliente, recomendable, e injustamente infravalorado.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Queen#A_Day_at_the_Races
http://es.wikipedia.org/wiki/A_Day_at_the_Races
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1834.html
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article680.html

4 Diciembre 2012...
EDUARDO BORT Eduardo Bort 1974


Me gustaría rescatar del olvido una de esas joyas de rock progresivo o sinfónico que se realizó en España a mediados de los años setenta, en plena época dorada de este estilo de música en el que triunfaban grupos como Triana, Mezquita, Los Canarios, Bloque, Maquina, Iceberg, Atila, o unos primerizos Medina Azahara. Esa gran joya oculta en cuestión se trata del álbum debut de título homónimo de un virtuoso guitarrista valenciano llamado Eduardo Bort.

Antes de entrar en el disco en sí, es necesario realizar una breve introducción para conocer este grandísimo artista.


Eduardo Bort es un guitarrista bien reputado en la balbuceante (y reprimida) escena de la psicodelia española de la época (junto a artistas como los citados anteriormente). Desde los doce años y de forma autodidacta, comienza a estudiar música a partir de la guitarra. Comienza a trabajar con varios grupos de la época hasta consolidar su primer grupo estable llamado "Los Exciters" con el que empieza a realizar actuaciones en el año 1964. Luego vuelve a Valencia y entra a formar parte como guitarra solista del famoso grupo "Los Boodgies". Más adelante quiere hacer su propia música, y para ello, forma un nuevo y legendario grupo llamado "La Oveja Negra".

En los años setenta se instala en París, donde forma el sello-grupo independiente Out Music. Graba en los principales estudios europeos: Garage Studios en Montreaux (Suiza), Paris Studios Davouts, Chateaux Euroville Studios (donde habitualmente graba Elton John), Bercley Studios, Milan Studios; y en L
ondres: Morgan Studios, Olimpyc Studios, y Air studios.


Considerándose suficientemente preparado vuelve a España para hacer realidad el deseo de comenzar su carrera discográfica. Trabaja y elabora minuciosamente, con excelentes músicos valencianos (Grupo Yann), los temas para su primer LP titulado "Eduardo Bort" en Enero y verano del 1974, y que comentaremos más adelante.


Después de una época marcada por trabajos independientes y problemas personales lanza su segundo LP titulado "Silvia", y entre los años 1984 al 1986, realiza una gira de conciertos para su promoción.

Invitado por el presidente de Guatemala Vinicio Cerezo y organizado por el Ministerio de Cultura Elmar René Rojas, Eduardo Bort participa actuando en el Primer Festival Internacional de la Canción por la Paz durante los días 14, 15 y 16 de Febrero del 1986. Durante meses Bort vivió en Guatemala dando conciertos por las principales ciudades y en el precioso Gran Teatro del Centro Cultural de la capital.

En los años siguientes viaja a Sudamérica y comienza así una nueva étapa en el que su afán es montar un circuito en el que poder trabajar con músicos de cada país.

Sus últimos trabajos se han desarrollado en diferentes giras que ha realizado por Japón y en la actulidad está preparando un nuevo álbum.



Entrando de lleno en el álbum que nos concierne, este álbum de debut se trata de uno de los mejores álbums debut de la historia de la música española, y sin lugar a dudas, una auténtica joya de la discografía patria, e internacional.


Es el único álbum lanzado durante la década de los setenta por Bort. Se trata de una obra en la que se combinan los grandes recursos que el autor puede demostrar en las guitarras, con enorme calidez en la acústica, e impresionante solidez en la eléctrica que suele sonar dura, ácida, penetrante y distorsionada. Excelentes contrastes con la delicadeza de los teclados, plenos de sutileza. Son momentos distinguidos los pasajes de mellotron en manos de Pepe Dougan y Vicente Alcañiz. Bort pasa con destreza de los momentos reflexivos e intimistas a paisajes intensos casi explosivos. Se logran climas de cierta rarefacción psicodélica que son bien acompañadas por las voces que cantan en un inglés de incierta pronunciación, aunque no desmerece, siendo un mal menor.



El álbum deja una agradable impresión, y no parece haber impostadas artimañas, sin sonar pretencioso, pero sin embargo está absolutamente logrado, plenamente progresivo, y decididamente adictivo. En los estupendos seis temas que componen esta obra, se dan rienda suelta al rock duro, también la psicodelia deudora de la década de los sesenta, el sinfonismo, los regionalismos, baladas y vestigios jazzeros que conforman esta obra maestra de artesanía musical para la posterioridad, 100% recomendable e imprescindible.



Fuentes:
http://www.eduardobort.com/
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article4819.html


18 Abril 2012...
TELEVISION Marquee Moon 1979

Television es una banda estadounidense de rock que es considerada una de las más importantes de la primera ola del punk de Nueva York de mediados y finales de los años 70.

Está formada por el excepcional y virtuoso guitarrista Tom Verlaine y Richard Lloyd como segundo guitarrista haciendo característico el entrelazado de las dos guitarras formaron un sonido muy personal, y único. Bill Ficca a la batería, y Fred Smith al bajo y la voz.

Desde su fundación en 1973 hasta 1975, un año antes del lanzamiento de su disco debut, Richard Hell se encargaba de tocar el bajo y era también el vocalista. 



Fue la primera banda de rock que tocó en el famoso club CBGB OMFUG, en el que posteriormente tocarían artistas como Patti Smith, Ramones, Blondie y Talking Heads, entre otras bandas importantes de punk y new wave.

Marquee Moon, lanzado en 1977, está considerado como uno de los mejores álbumes debut de la historia del rock, y de la música en general. La prestigiosa revista Rolling Stone lo incluyó en su lista de los mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 128. 

El sonido de Marquee Moon por momentos se acerca al punk (Television fue una de las bandas más importantes de la escena de Nueva York y del club CBGB), pero con ciertos aspectos más cercanos al art rock. El centro de atención es la forma en que se entrelazan las guitarras de Tom Verlaine y Richard Lloyd. Si bien al momento de su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número 28 en el chart británico, el álbum no ha vendido muchas unidades en Estados Unidos, haciendo de Marquee Moon, sin embargo, un álbum de culto y uno de los más importantes de la escena de Nueva York.





Tom Verlaine.
Influenciados por bandas como la Velvet Underground y solistas como David Bowie, el grupo, ubicado en la legendaria escena punk del CBGB, exhibe desde una apostura rock revolucionaria, quizá sin pretenderlo, con una perspectiva vanguardista y elementos jazz, una resonancia con bizarras y angulares sinuosidades eléctricas, además de hipnóticas y envolventes estructuras ejemplificadas en temas como “See No Evil”, “Friction”, “Venus” o el hechizante título homónimo "Marquee Moon", punto cumbre del álbum. Este tema fue escrito por Tom Verlaine, y fue evolucionando desde los primeros shows en vivo de la banda a mediados de los 70, si bien cuando fue tocada en vivo por primera vez ya era un tema épico de 8 minutos con complejos cambios de escalas. A medida que la banda tocaba ese tema, cada vez se volvía más complicado y desafiante. Fue así que Richard Hell se vio forzado a dejar la banda ya que, aparentemente, no tenía la suficiente habilidad y condiciones técnicas como para tocar la canción, siendo reemplazado por Fred Smith.




A pesar de la duración de la canción, la cual generalmente hubiera sido demasiado larga para la mayoría de las radios, la canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido, teniendo un modesto éxito y alcanzando el puesto número 30 de los charts.

Existen varias versiones de la canción hechas por la misma banda. En la versión original en vinilo la canción terminaba en un fade out, cerca de los 10 minutos, pero las reediciones del álbum en CD incluían los 10:40 de la toma. Además está la version aparecida en el álbum The Blow Up de 1982, la cual dura cerca de 15 minutos. Television solía utilizar esta canción para improvisar lo que llevaba a la canción a pasar los 15 minutos de duración. La canción fue grabada en una sola toma. Billy Ficca, el baterista, creyó que la banda estaba ensayando.

Hay dos solos de guitarra en la canción, después del segundo estribillo hay un breve solo de Richard Lloyd y después del tercer estribillo hay un solo de Tom Verlaine, basado en una escala de Jazz que dura entre 5 y 6 minutos.

La canción fue considerada por la revista Rolling Stone como una de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, apareciendo en el puesto número 372.




Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Marquee_Moon
http://es.wikipedia.org/wiki/Television
http://es.wikipedia.org/wiki/Marquee_Moon_%28canci%C3%B3n%29
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article763.html


10 Octubre 2011...
NIRVANA Nevermind 1991
En este año 2011 se cumplen 20 años de la pubicación del álbum que marcó a toda una generación, y sentó las bases del estilo grunge en los noventa. El impresionante Nevermind, un álbum que lanzó a la banda estadounidense Nirvana a lo más alto del firmamento, pasando a la historia como abanderado del grunge.

Nirvana era una banda de Aberdeen, Washington, formada por Kurt Cobain y Krist Novoselic, que había firmado con el sello independiente de Seattle Sub Pop. La banda lanzó su álbum debut Bleach en 1989, con el batería Chad Channing. Sin embargo, Channing dejó Nirvana en 1990 y la banda comenzó a buscar un nuevo miembro que se hiciese cargo del puesto de manera permanente. Tras ver un concierto de la banda de hardcore punk Scream, el batería del grupo, Dave Grohl, impresionó a Cobain y Novoselic. Cuando Scream se separó inesperadamente, Grohl contactó con Novoselic, viajó a Seattle y fue invitado a entrar en Nirvana. Novoselic dijo en retrospectiva que cuando Grohl entró en la banda todo "quedó en su sitio".
Mientras tanto, Cobain se encontraba escribiendo nuevas canciones. En ese momento, Cobain escuchaba bandas como R.E.M., The Smithereens y Pixies. Se sintió desilusionado por el pesado sonido de las bandas que habían aparecido en la escena grunge de Seattle y que habían conformado la línea a seguir por Sub Pop. Cobain, pues, se inspiró en sus hábitos de escucha contemporánea para comenzar a escribir canciones más melódicas. Un acontecimiento importante fue el lanzamiento del sencillo "Sliver", publicado por Sub Pop en 1990 (antes de que Grohl se uniera a la banda), del que Cobain dijo que "era como una declaración en cierto modo. Tuve que escribir una canción pop y lo lanzaron como un sencillo para preparar a la gente para el siguiente disco. Yo quería escribir más canciones como esa". Grohl dijo que la banda, en ese momento, a menudo hacía la analogía de comparar su música con la música de niños, tratando de hacer las canciones lo más simples que fuera posible.

A comienzos de la década de 1990, Sub Pop comenzó a experimentar dificultades financieras. No tardaron en aparecer rumores sobre una posible venta de Sub Pop como filial a un gran sello y la banda decidió "eliminar el intermediario" y empezar a buscar un nuevo sello. Varias discográficas se reunieron con la banda, pero Nirvana firmó finalmente con la filial de Geffen Records, DGC Records. Para ello fueron aconsejados por su representante, quien también representaba a Sonic Youth y Kim Gordon, ídolos de los jóvenes componentes de Nirvana y, a su vez, recientes adquisiciones también de Geffen. 

Tras el lanzamiento del álbum, varios periódicos y revistas dieron buenas críticas a Nevermind. Karen Schoemer de The New York Times, escribió: "Con Nevermind, Nirvana ha triunfado indudablemente. Hay bastantes texturas sugerentes, cambios de humor, fragmentos instrumentales y juegos de palabras originales que proporcionan horas de entretenimiento". Schoemer concluyó asegurando que "Nevermind es más sofisticado y más cuidadosamente producido que lo que venían ofreciendo bandas similares como Dinosaur Jr. y Mudhoney". Entertainment Weekly calificó Nevermind como A- y el crítico David Browne argumentó que en Nevermind, Nirvana "no alberga la idea" de querer sonar "normal", comparándola con otras bandas alternativas contemporáneas. Concluyendo su entusiasmada reseña para la británica Melody Maker, Evertt True recordó que "cuando Nirvana lanzó Bleach hace unos años, el más listo de entre nosotros se imaginaba que tendrían el potencial de hacer un álbum que derribase a cualquier otro. Dios mío, vaya si nos han dado la razón".

Rolling Stone, sin embargo, otorgó a Nevermind tres estrellas de cinco, y el crítico Ira Robbins explicó: "Si Nirvana no se dirige a algo completamente nuevo, Nevermind sí posee las canciones, el carácter y el espíritu de confianza para ser mucho más que una reformulación de las radios universitarias de alto octanaje". The Boston Globe fue menos optimista con el álbum y el crítico Steve Morse señaló que "la mayoría de Nevermind está lleno de punk-pop genérico hecho con elementos que van desde Iggy Pop a Red Hot Chili Peppers". Añadió, también, que la banda tiene muy poco o nada que decir, salvo las divagaciones estúpidas del cantante y letrista Cobain".

Nevermind fue votado como el mejor álbum del año en la encuesta de The Village Voice y "Smells Like Teen Spirit" finalizó el año en lo más alto de esta encuesta como sencillo y videoclip del año. El álbum logró la mayoría de los votos y el crítico de Village Voice, Robert Christgau, escribió en la encuesta de sus compañeros que "como modesta sorpresa pop podían haber logrado un éxito modesto, como De La Soul en 1990. En lugar de ello, su álbum multiplatino constituye la primera escala de la validación pública de los valores del rock alternativo americano".

El disco empieza fuerte, con tres himnos generacionales seguidos, la impresionante Smells like teen spirit, que pese a tener un riff sencillo, es uno de los más conocidos en la historia del rock. Según Cobain, el tema hace referencia al desodorante de su ex-novia. Después tenemos la que fue el cuarto y último sencillo del disco In Bloom, un impresionante tema que trata de la juventud y la música. En él destaca la genial base rítmica que impregna Chad Channing a la bateria (que no sale en los títulos de crédito del disco, y tocaría este y el tema Polly). Este estupendo tema da paso al que, sin duda es el mejor de todos, la espectacular Come as you are, segundo single (tras Smells like teen spirit) que trata de la sinceridad y la amistad a traves del tiempo. En este tema destaca el impresionante riff arpegiado decadente y opresivo, pero a la vez melódico y pegadizo.
 
El cuarto tema del disco es el trallazo impresionante Breed, el tema más rápido, sucio y cañero del álbum. En un principio se llamó "Imodium", y habla sobre como absorbe la sociedad a la gente joven. Acto seguido tenemos el tercer sencillo del disco, la maravillosa Lithium que nos cuenta como una persona, deprimida, abandonada por el resto del mundo, intenta creer en la religión. Su salida es el suicidio, pero opta por buscar refugio en conocer a Dios.
 
El sexto tema es Polly, que cuenta la historia del secuestro y tortura de una chica. Es un tema bastante simple, así querida por Cobain. La batería, como he mencionado antes, la toca Chad Channing. Kurt usó una guitarra con 5 cuerdas de Nylon para esta canción; fue grabada en Smart, y no quiso volver a grabarla. Acto seguido tenemos Territorial Pissings, otro estupendo trallazo, un tema antimachista, que ataca a la gente q se cree superior por ser hombre. Después tenemos la notable Drain you, un tema de amor en el que destaca el impresionante solo psicodélico. 


El noveno tema es la notable Lounge Act, con un genial riff guitarrero de Cobain, y que trata sobre la visión que se tienen de las cosas, del acierto al tratarlas. Acto seguido tenemos Stay away, un tema con una fantástica base rítmica de Grohl a la batería, unos poderosos punteos del bajo a cargo de Novoselic, y un acojonante riff guitarrero de Kurt. Este tema critica a toda esa gente "niñata", que se acomoda en cierto sentido. Y para cerrar tenemos los dos temas más tristes del álbum, On a plain y Something in the way. El primero es uno de los temas más profundos del disco, y el segundo nos habla de cuando Cobain vivió bajo un puente al separarse sus padres. Esa separación fue una de las experiencias más traumáticas para él.

Nevermind no sólo popularizó la escena grunge de Seattle, sino que llevó al rock alternativo al público masivo, demostrando su viabilidad cultural y comercial. El éxito de Nevermind sorprendió a las bandas contemporáneas a Nirvana, que se sintieron empequeñecidas por el impacto que había logrado la banda de Cobain.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Nevermind
http://ripmetal.blogspot.com/2007/07/nirvana-nevermind-1991.html
http://www.elportaldelmetal.com/critica/nirvana-nevermind

Esta reseña va dedicada a mi amigo Alex...

21 Julio 2011...
JOE COCKER Mad Dogs & Englishmen 1970
Si existe un cantante, en la historia musical, que sea tan prolífico en realizar grandiosas versiones de otros artistas, incluidos a The Beatles, ese sin lugar a dudas es Joe Cocker.

Joe Cocker es un gran cantante británico, que fusiona de una manera realmente impresionante el rock con el blues, y el soul. En 1969 publicó su primer álbum, el maravilloso "With a Little Help From my Friends", que contiene siete versiones, incluida la espectacular versión del tema de The Beatles que da título al álbum, y "Feelin' Alright" una fantástica versión de Traffic en la que Joe Cocker la supera ampliamente con esa fantástica introducción de ritmos latinos y ese sentimiento y garra que pone Cocker en su desgarrada voz; y tres temas propios.

Pocos meses después participó en el histórico Festival de Woodstock, realizando una de las actuaciones más memorables de dicho festival, en la que interpretó cinco temas, sobresaliendo la impresionante "With a Little Help From my Friends".

También en 1969 publicó su segundo álbum de estudio llamado "Joe Cocker!", con el que triunfó con el excelente tema de The Beatles "She Came In Through the Bathroom Window", y "Delta Lady", un tema compuesto por el genial Leon Rusell.

En 1970 realizó una grandiosa gira por Estados Unidos titulada "Mad Dogs & Englishmen" actuando en 48 ciudades en apenas dos meses, con un espectacular show que mezclaba el rock, el blues, y el soul. Los conciertos fueron filmados en video, y a mediados de ese año, se publicó un disco doble en vivo que recogía actuaciones en el Fillmore East de Nueva York y un video documental sobre la gira.



En ese doble álbum en vivo que vamos a tratar, sin duda alguna es la cumbre de este genial cantante, que junto con una grandiosa banda realizó un apabullante recital de buen rock and roll, blues, y soul que quita el hipo.

Los músicos que rodearon a Cocker formando la gran banda eran: Leon Russell (guitarra y piano), Chris Stanton (piano y órgano), Don Preston (guitarra ritmica), Carl Radle (bajo), Jim Gordon (batería), Jim Keltner (batería), Chuck Blackwell (percusión y batería), Sandy Konikoff (percusión), Bobby Torres (congas), Jim Price (trompeta) y Bobby Keys (saxo tenor), además de las coristas Daniel Moore, Donna Weiss, Matthew Moore, Pamela Polland, Rita Coolidge, Claudia Lennear, Bobby Jones, Donna Washburn, Nicole Barclay.
Musicos muy conocidos procedentes de otras formaciones, aparte del mencionado León Russell, como Carl Radle y Jim Gordon (exTraffic), procedentes de Delaney y Bonnie y posteriormente con Derek and The Dominos, los cuales son reclutados por Cocker para la gira. También destacar la pareja Jim Price y Bobby Keys (acompañamiento de vientos de los Rolling Stones) y los primeros pasos de la gran Rita Coolidge, con ascendencia aborigen (Cherokee). Precisamente “Delta Lady” es una composición de Russell dedicada a la Coolidge.




De los temas que componen este doble álbum en vivo destaca la impresionante versión de "The Rolling Stones" "Honky Tonk Women", la potente versión de "Bird on a Wire" del legendario Leonard Cohen, la exquisita versión de "Traffic" "Feelin' Alright", la preciosa balada "Superstar" con la cálida voz de Rita Coolidge e interpretada maravillosamente por Leon Rusell al piano; la gran versión de "The Beatles" "She came in through the bathroom window"; la maravillosa composición de Leon Russell "Delta Lady" y sobretodo "The Letter" una impresionante y exitosa versión de "The Box Tops".


Este maravilloso álbum fue número 2 en Estados Unidos y llegó a disco de platino, como los dos anteriores, elevando al inglés al olimpo de la música rock.

Tras tener altibajos en el resto de la década de los setenta y problemas con el alcohol y las drogas, en los ochenta logró rehabilitarse, y regresó a un primer plano musical gracias a sus colaboraciones en algunas bandas sonoras de éxito, como "Up Where we Belong" que interpretó junto a Jennifer Garnes para la película "Oficial y Caballero" (1982) de Taylor Hackford, llevandose un premio Oscar; o "You can live your hat on" que salía en la película "Nueve semanas y media" (1986) de Adrian Lyne.

En los noventa continuó sacando buenos álbums, como el impresionante disco en directo "Joe Cocker Live" (1990) o el maravilloso disco de estudio "Have a little help" (1994).

Actualmente alterna colaboraciones con otros artistas, junto con la publicación de algún que otro álbum, y esporádicamente participa en alguna gira.

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Joe_Cocker#Discograf.C3.ADa
http://clasicosdelrock.wordpress.com/2008/09/21/joe-cocker-with-a-little-help-from-my-friends/
http://fitoblues.blogspot.com/2010/11/joe-cocker-mad-dogs-englishmen-1970-uk.html
http://www.filmaffinity.com/es/film949234.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Nueve_semanas_y_media

21 Julio 2011...
ELVIS Aloha from Hawaii: Via Satellite 1973
Elvis Presley fue uno de los cantantes estadounidenses más populares del siglo XX considerado como un ícono cultural y conocido ampliamente bajo su nombre de pila, Elvis. Se hace referencia a él frecuentemente como «El Rey del rock and roll» o simplemente «El Rey».
 
Aloha from Hawaii: Via Satelite fue un concierto  musical que fue encabezado por Elvis Presley y fue transmitido en vivo vía satélite el 14 de enero de 1973. Fue la emisión más vista por un artista individual en la historia de la televisión. El concierto tuvo lugar en la Arena del centro de convenciones internacional en Honolulu (ahora conocido como el Neal S. blaisdell Arena) y salió al aire en más de 40 países en Asia y Europa (que recibió la transmisión al día siguiente, también en horario estelar). A pesar de la innovación de satélite, los Estados Unidos no fue emitido el concierto hasta el 4 de abril de 1973 (el concierto tuvo lugar el mismo día que el Super Bowl VII). El show especial fue el  más caro del momento, con un coste de 2,5 millones de dólares.

El 8 de julio de 1972, inspirado en una visita reciente hecha por el Presidente de los Estados Unidos Richard Nixon a China, el administrador de Presley, Tom Parker, anunció que habría un satélite en todo el mundo broadcast de Hawaii para permitir que todo el mundo la oportunidad de ver un concierto de Presley "ya que es imposible para nosotros actuar en todas las grandes ciudades"

Parker declaró inicialmente que se llevaría a cabo en Octubre o Noviembre de 1972 pero esta fecha fue cambiada a comienzos de 1973 después de MGM mostró preocupación por la que se enfrentaron con el lanzamiento de su película documental de Elvis On Tour. Parker celebró otra Conferencia de prensa el 4 de septiembre de 1972 en Las Vegas para confirmar que se transmitirá el concierto, ahora titulado Aloha en Hawaii, el 14 de enero de 1973. La prensa les dijo que se esperaba una audiencia de mil millones a sintonizar para ver el "primer entretenimiento especial para ser transmitido en vivo en el mundo", aunque Parker no tuvo en cuenta el hecho de que muchos países, incluyendo partes de Europa y América, no veria el concierto en vivo debido a la hora de emisión. Dos semanas después de la Conferencia de prensa de Las Vegas, Parker recibió una carta del columnista del Honolulu Advertiser Eddie Sherman, que había leído en las cuentas de noticias que no iba a haber ningún cargo por la entrada a los conciertos, en lugar de ello se requería una donación para obras benéficas. Sugirió a Parker que, como Presley había grabado y todavía estaba realizando la canción que I'll Remember You escrita por Kui Lee, las donaciones podrían ir a la Kui Lee Cancer Fundation que se estableció después de la muerte del escritor en 1966. Viendo con impaciencia la oportunidad para dar a conocer la naturaleza de beneficencia de Presley una vez más, Parker estuvo de acuerdo. 



Presley realizó tres conciertos, el 17
y el 18 de noviembre en Honolulu, las fechas originalmente se habían planeado para la emisión por satélite, y dieron una Conferencia de prensa el 20 de noviembre para promover el especial. 

Presley llegó a Hawaii nuevamente el 9 de enero de 1973 para comenzar los ensayos. Los ensayos se realizaron en el Hilton Hawaiian Village mientras era construido el escenario principal. Aunque hubo varios problemas técnicos, los ensayos fueron un éxito en general.

Presley grabó un concierto el 12 de enero de ensayo como un Fail-Safe, en caso de que algo fuese mal con el satélite durante el real broadcast - sin embargo, nada salió mal durante la emisión del 14 de Enero. Para ambos programas, Presley fue vestido con un traje blanco de "american eagle" diseñado por el proyecto de ley Belew. La emisión fue dirigida por Marty Pasetta, que era entonces encargado de dirigir las ceremonias del Oscar.



El rendimiento y la venta de mercancía del concierto recaudó 75.000 dólares para el fondo de cáncer Kui Lee en Hawaii.
 
Presley realizó un repaso de antiguos y recientes éxitos como "Steamroller Blues", "See See Rider", "Early Morning Rain", "Burning Love", "Blue Suede Shoes", "A Big Hunk o' Love", "Suspicious Minds", y "Can't Help Falling in Love". El cantó con su rango vocal y fuerza baladas como las de los Beatles "Something", "I'm So Lonesome I Could Cry", "It's Over", "Welcome to my World", "I'll Remember You" y "What Now My Love".



El doble álbum que contiene la música del concierto fue todo un éxito, consiguiendo alcanzar la primera posición en el "Billboard Pop Albums" en 1973, y fue certificado cinco veces de Platino por la RIAA. 

Los músicos que acompañaron a Elvis fueron:
 
James Burton (lead guitar)
Charlie Hodge (acoustic guitar/vocals)
Glen Hardin (piano/keyboards)
Ronnie Tutt (drums)
John Wilkinson (rhythm guitar)
Jerry Scheff (bass)
J.D. Sumner & the Stamps Quartet (vocals)
Kathy Westmoreland (vocals)
The Sweet Inspirations (vocals)
Joe Guercio & his Orchestra



Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Elvis_Presley
http://elvispresley.foroactivo.com/t3336-38-aniversario-de-aloha-from-hawaii-via-satellite
http://en.wikipedia.org/wiki/Aloha_from_Hawaii:_Via_Satellite

23 Junio 2011...
GRAND FUNK We're An American Band 1973
Ignorados por la crítica de su época, el power trío Grand Funk Railroad, influenciado por gente como Cream, Hendrix o Rolling Stones, fue una de las primeras bandas de hard rock de los Estados Unidos que logró un seguimiento masivo por parte de unos entregados fans, quienes vibraban con las impetuosas actuaciones en vivo y las enérgicas composiciones rock de base blues ofertadas por la banda de Michigan.

El grupo, formado en el año 1968 en Flint, derivaba de la formación Terry Knight & The Pack, un combo 60′s de rock llamado en principio The Jazz Masters, que estaba integrado por el cantante y guitarrista Terry Knight, el bajista Mark Farner  y el batería Don Brewer. Con la incorporación a la banda del bajista Mel Schacher, antiguo componente del grupo de garaje ? & the Mysterians, Farner pasó a ocupar el puesto de guitarrista y vocalista, mientras que Knight dejaba el instrumento para trabajar como productor y representante de la banda, ahora denominada Grand Funk Railroad, apelativo derivado de la Grand Trunk Railroad de Michigan.

En 1969 firman con Capitol Records y en este sello publican su primer Lp, “On Time” (1969), un meritorio trabajo que contenía temas como “Time Machine“, “Are you ready” o “Heartbreaker“. Este debut vendió en grandes cantidades, llegando al puesto 27 en las listas americanas. Los primeros años de la década de los 70, con una astuta promoción publicitaria de Knight, continuaron el éxito de “On Time”, intensos y vigorosos discos de retumbante rock’n'roll como “Grand Funk” (1970), número 11 en el Billboard, “Closer to home” (1970), número 6, el estupendo directo “Live Album” (1971), número 5, “Survival” (1971), con versiones de Traffic y los Rolling Stones, número 6, “E Pluribus Funk” (1971), número 5, prorrogaron su protagonismo en el mundo del hard-rock de incisión comercial, corroborado por sus multitudinarios conciertos, siendo los únicos, tras los Beatles, en abarrotar el Shea Stadium de Nueva York.
 
 

Para su nuevo disco en estudio, “Phoenix” (1972), la banda de Michigan incorporó a un cuarto componente, el teclista Craig Frost, que vino a ensanchar el clásico terceto instrumental de guitarra, bajo y batería. Otro hecho importante para el futuro del grupo ocurrió en esta período, el despido de Terry Knight como productor y manager, siendo producido este album por el propio grupo. Los conflictos legales posteriores con Knight por el derecho a la utilización del nombre provocaron un período de descanso en la frenética labor de la banda, que alcanzó con este Lp el puesto número 7 en el Billboard.
El grupo acortó su nombre a Grand Funk y grabó con producción de Todd Rundgren, el ex líder de The Nazz, su disco más popular y exitoso, “We’re an American Band” (1973), un gran trabajo que los llevó al puesto 2 en Lps y al 1 en singles con el impresionante temazo homónimo que abre el album. Rundgren repitió en "Shinin' On" (1974), otro excelente disco que contenía un cover del clásico de Little Eva, escrito por Carole King y Gerry Goffin, "The Loco-Motion", que los llevaría de nuevo al número 1.
 
El Lp, como era norma usual en su carrera, se colocó entre los diez más vendidos en los Estados Unidos, esta vez en el puesto número 5. Estas numerosas ventas y sus nutridos conciertos hicieron de Grand Funk Railroad uno de los grupos de rock más populares y triunfantes de la primera mitad de los años 70.
 
"All the girls in the world Beware!!!" (1974), disco de menor nervio, simpática portada y producción de Jimmy Ienner, el productor de Raspberries, incluía los singles de éxito "Bad Time" y "Some Kind of Wonderful". 


Tras el excelente directo "Caught in the act" (1975) y el flojo "Born to die" (1976), Lp que dio inicio a su declive comercial, la banda firmó con MCA, grabando un único Lp, "Good Singin', Good Playin'" (1976), album producido nada más y nada menos que por Frank Zappa, quien no logró levantar el vuelo del cuarteto. Después de este traspiés a nivel ventas, Grand Funk Railroad terminó su trayectoria en 1976. Mark Farner, el alma mater de la banda, formó su propio grupo, Mark Farmer Band, y grabó varios discos de poco interés, como "Mark Farner" (1978) y "No Frills" (1979).
 

En 1979, los restantes miembros de Grand Funk Railroad publicaron "Flint" (1979), un Lp llamado igual que su nuevo proyecto, Flint, nombre emanado de su ciudad natal.
 
Después de estas poco satisfactorias aventuras, Farner y Brewer, con el bajista Dennis Bellinger, reiniciaron la andadura de Grand Fulk Railroad. Grabaron "Grand Fulk Lives" (1981) y "What's funk" (1983), el cual contenia una excelente versión del clásico de James Brown "It's a man's world", pero ante la mediana recepción crítica y comercial, el grupo volvió a separarse.
 
Mark comenzó a grabar discos de rock cristiano y los demás se unieron a la Silver Bullet Band de Bob Seger.
 
En 1996, Grand Funk Railroad se reunió una vez mas para ir de gira ante 260,000 personas en 14 shows con las localidades completamente agotadas, durante un periodo de tres meses. En 1997, la banda daria tres conciertos mas, con localidades agotadas en Bosnia y realizó un doble álbum en vivo llamado "Bosnia". Despues de tres años de giras, sacaron un triple álbum recopilatorio llamado "Thirty Years of Funk: 1969-1999" en el que rescataban tres temas de Terry Knight & The Pack, y  además contenia tres temas nuevos. En el 2000, trás la marcha de Farner, que decidió seguir con su carrera en solitario, Brewer y Schacher decidieron enganchar al cantante lider Max Carl proveniente de "38 Special" y al teclista Timothy Cashion y continuaron como Grand Funk Failroad  viajando constantemente desde entonces, construyendo a una nueva audiencia y recuperando fans de la banda setentera.
 
La nueva encarnacion de Grand Funk toca alrededor de 30 conciertos por año, flamantemente rompiendo records de audiencia en Buffalo, New York y Orlando Florida, al convocar a mas de 20,000 fans en ambos conciertos. la banda está presuntamente escribiendo material con planes de efectuar un retorno proximo que incluiria el tema "Who took down the stars", una balada inspirada en los acontecimientos del 9/11, escrita por Carl.

Fuentes:
http://www.bilbaoisrock.com/2010/11/25/temazo-grand-funk-were-an-american-band-1973/
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article168.html
http://www.tipete.com/userpost/descargas-gratis/gran-funk-railroad-live-bosnia-2-cd%C2%B4s-1997mu-descarga-gratis-megaupload

ANALISIS DEL ÁLBUM:

Producido por Todd Rundgren, este disco de Grand Funk Railroad contiene ocho sólidos temas hard rock de raíz blues con interpretaciones llenas de sentimiento y una densa atmósfera con vibrante interacción instrumental.

Son piezas sobresalientes con sentir y alma de clásico rock’n’roll en donde hay cabida para el palpitante hard-blues-rock, los medios tiempos y los cortes lentos, himnos con estribillos que contagian su canto y solos de guitarra, batería, teclados… incluso de moog.


El álbum empieza fuerte con el tema de nombre homónimo. La historia de este tema, de acuerdo con el critico y escritor sobre rock Dave Marsh en su libro The Heart of Rock and Soul, señala que Grand Funk fue de gira con el grupo británico Humble Pie a principios de 1973. Después de una actuación, los dos grupos estaban bebiendo y conversando en un bar, cuando se pusieron a dicurtir sobre el rock inglés y el estadounidense. Fue ahí cuando el baterista Don Brewer se levantó y después de dar datos sobre sus héroes del rock gringo como Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Little Richard y Elvis Presley, anunció con orgullo, "Somos una banda de América!" toda una declaración de intenciones. Despues de ese episodio Brewer escribió la canción a la mañana siguiente, y fue la canción más vendida en el mundo en septiembre de 1973. El single de esta canción fue editado en un vinilo trasparente, ademas el canal de television VH1 en su conteo de las 100 canciones mas grandes del rock la colocó en el puesto 99.

We're an American Band... Para Escuchar, Click en Play

El segundo tema del álbum es la notable Stop Lookin’ Back, un tema que trata historias de perdedores marcados por el fracaso pero todavía con el espíritu animoso. Acto seguido tenemos otro de los puntos álgidos del álbum, la excelente Creepin', que trata las protestas sociopolíticas de matiz ecologista con perspectiva pesimista sobre el mañana y la pasiva actitud de la masa. Este tema es un medio tiempo, interpretado magistralmente por Mark Farner, y en el que cabe destacar la gran labor de Frost en los teclados, sublime.

Creepin'... Para Escuchar, Click en Play

El cuarto tema del álbum es Black Licorice, un notable hard rock genialmente interpretado por Brewer para cerrar la Cara A, que trata excitantes encuentros sexuales.

La Cara B empieza por la impresionante The Railroad, un tema que trata desarrollos épicos con narraciones sobre explotación, luego tenemos la notable Ain't Got Nobody, que trata los lamentos solitarios de desamor. Este tema da paso al que posiblemente sea el mejor tema del álbum, Walk like a man, un soberbio hard rock que trata ironías sobre el comportamiento masculino con el hedonismo como fin vital. Huelga decir que este tema fue el segundo sencillo que salió del álbum, y alcanzó la posición #19 en el Billboard chart Us, y el #16 en el chart Canadiense RPM. Y para cerrar el álbum tenemos la también excelente Loneliest Rider, que trata diatribas en contra del colonialismo sufrido por los indios americanos.

Walk like a man... Para Escuchar, Click en Play

En 2002 se reeditó en compact disc remasterizado con cuatro bonus track, una nueva remezcla de We're an American Band, un mix acústico de Stop lookin' back, y dos temas inéditos, las excelentes Hooray (con un impresionante solo de guitarra) y The End.

Fuentes:
http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1820.html
http://en.wikipedia.org/wiki/We%27re_an_American_Band
http://en.wikipedia.org/wiki/Grand_Funk_Railroad_discography#Singles
http://detrasdelacancion.blogspot.com/2009/02/were-american-band-grand-funk-railroad.html


17 Junio 2011...
PRIMAL SCREAM Give out but don't give up 1994
Continuando esta sección de "Los Mejores Discos de la Historia", que a decir verdad la tengo bastante abandonada ultimamente, vamos a tratar el álbum  Give out but don´t give up de la genial banda escocesa Primal Scream, publicado después de su fabuloso Screamadelica (1991).

Bobby Gillespie formó Primal Scream en 1984 cuando todavía era baterista de Jesús & Mary Chain, banda de punk rock. Su debut, Sonic Flower Groove, se editó en 1987 y mostraba claras influencias de los Rolling Stones, New York Dolls y MC5 al igual que su sucesor Primal Scream de 1989.

Pero el sonido del grupo empezó a mutar con la irrupción del acid house que a fines de los '80 dominaba la escena alternativa. La banda quedó fascinada con el nuevo sonido dance y comenzó a experimentar con algunos temas de su álbum Primal Scream reclutando al DJ Andrew Weatherall encargado de hacer los remixes. Screamadelica (1991), producido por Weatherall, Hugo Nicholson y Jimmy Miller - antiguo colaborador de Rolling Stones y The Orb-, estuvo fuertemente signado por este nuevo rumbo musical que fusionaba dance, pop, rock, acid house y dub y que violaba los límites de cada estilo en forma creativa y original. Más allá de catapultar a Primal Scream al éxito internacional, el disco fue el puntapié inicial para que el dance y el techno ingresaran en el mundo del rock en forma masiva y definitivamente le cambiaron la cara al rock británico de los '90.

Con el esperadísimo Give Out But Don't Give Up de 1994 el grupo retornó a sus raíces más rockeras. El álbum incluye el sencillo "Rocks", que fue el primer Top 10 en los charts de la banda y el único hasta la fecha, alcanzando el número siete en las listas británicas. El single no fue bien recibido, con la revista NME llamándolos "traidores del baile". El álbum, Give But Don't Give Up fue lanzado en mayo con críticas variadas. Mientras que algunos elogiaron el nuevo sonido de la banda influido por The Rolling Stones, algunos desestimaron el álbum calificandolo como cansino y demasiado ceñido a sus influencias.

La revancha vino con Vanishing Point de 1997 y una vuelta al sonido experimental que reconstruyó en buena medida su prestigio. En el 2000 editaron el feroz y agresivo XTRMNTR que también reflejó una ideología crítica hacia el mundo. Dentro de esa línea, se encuentra Evil Heat del 2002, disco en el que se incorpora de manera relativamente estable, Kevin Shields de My Bloody Valantine. Dirty Hits es una excelente compilación de sus mejores tracks, y además cuanta con las participaciones de la supermodelo Kate Moss en "Some Velvet Morning", un éxito en las radios con tendencia electrónica.

Sin piedad, aniquilaron toda su influencia electrónica para Riot city blues, disco que marca su retorno al rock de sus comienzos. El álbum recibió críticas variadas. Y en el 2008 regresaron con Beautiful future, un disco que fusiona krautrock y pop, según las propias palabras de los músicos.

LAS CANCIONES DEL ÁLBUM:
El álbum empieza fuerte, con la genial Jailbird, tema que destila influencias a The Rolling Stones, The Faces, e incluso a The Black Crowes, un tema hard rockero con unos coros impresionantes, con pinceladas funk realizadas con sintetizador, y un pegadizo ritmo. A este tema le sigue el soberbio Rocks, primer single del álbum y sin duda su tema más conocido hasta la fecha, al igual que el primero, es un tema hard rockero que destila influencias stonianas. Este tema fue utilizado en la película de Michael Lehmann Cabezas Huecas (Airheads) (1994) protagonizada por Brendan Fraiser, Adam Sandler, y Steve Buscemi, lo cual ayudo bastante a popularizar la canción.

Jailbird... Para Escuchar, Click en Play



El tercer tema del álbum es la maravillosa balada de rock sureño (I'm Gonna) Cry Myself Blind, uno de los puntos álgidos del álbum, y sin duda uno de los mejores temas en la carrera del grupo británico, junto con los dos primeros temas. El cuarto tema es Funky Jam, un tema funk como bien dice su nombre donde se nota el toque de George Clinton, una verdadera leyenda del funk, y uno de los productores del álbum.

(I'm Gonna) Cry Myself Blind... Para Escuchar, Click en Play

El quinto tema es Big Jet Plane, un muy buen medio tiempo con aires sureños a lo Lynyrd Skynyrd, luego le sigue la notable balada Free, en el que destaca el saxofón, los punteos de piano en el solo de guitarra, y esos maravillosos coros gospel. El séptimo tema es Call on me, un genial tema rock con influencias de The Faces y Rod Stewart, a mi me recuerda bastante al clásico Hotlegs de Rod Stewart, una verdadera maravilla.

Call on me... Para Escuchar, Click en Play

El octavo tema es el psicodélico instrumental Struttin, en el que destaca el buen uso de los sintetizadores, recordando a grupos de finales de los sesenta y principios de los setenta como Funkadelic. Acto seguido tenemos Sad and Blue, otra balada sureña con coros gospel, en el que destaca el buen solo de armónica. Luego tenemos el tema Give Out But Don't Give Up, el más flojo del álbum, una rareza que entremezcla funk, gospel, y rock. El penultimo tema es la preciosa balada sureña I'll be there for you, y para cerrar tenemos otra gran balada llamada Everybody needs somebody, sin duda un buen cierre para un álbum infravalorado por la crítica en su momento, pero sin duda, uno de los mejores hecho por este gran grupo escocés en el que la fama y las drogas se les subieron a la cabeza.

Struttin... Para Escuchar, Click en Play


Fuentes:
http://www.10musica.com/notas/20828-primal-scream
http://es.wikipedia.org/wiki/Primal_Scream#Give_Out_But_Don.27t_Give_Up_y_Vanishing_Point_.281992-1998.29
http://www.filmaffinity.com/es/film671414.html

20 Mayo 2011...
LED ZEPPELIN  IV 1971

Led Zeppelin fue un grupo inglés de rock, considerado uno de los más importantes de ese género y uno de los más populares durante la década de los setenta. Fue fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy).

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, e incluso el country. 

Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980 (debido a la muerte del batería John Bonham), la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos, y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.) de la historia de la música, solo por debajo de The Beatles. Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Box Set (10 millones). 

El cuarto álbum de la banda Led Zeppelin, el cual no tiene título, es conocido principalmente como Led Zeppelin IV, para mantener la numeración de sus álbumes anteriores, aunque también recibe otros nombres: Zoso, Runes, Four Symbols, Four, Sticks o incluso Unnamed.

 La reacción al tercer disco de Led Zeppelin no fue la esperada. La crítica esperaba un sonido más duro, y los fans reclamaban que el grupo siguiera el estilo marcado en el Led Zeppelin II. Algunos incluso intentaron minar la reputación del grupo, acusándolos de ser solo músicos famosos. Ante esto, la respuesta del grupo fue bastante airada:

"Acabamos hartos de las reacciones sobre el tercer álbum, de la gente diciendo que solamente éramos un montaje. Así que dijimos: '¡Saquemos un álbum sin título!' De ese modo, a la gente le gustaría o nada" - Declaraciones de Jimmy Page, guitarrista del grupo.
El resultado superó las expectativas. Para la mayoría de los fans y para la crítica, el cuarto álbum es el mejor de Led Zeppelin (aunque algunos seguidores prefieren Physical Graffiti, quizás por ser doble).

Fue lanzado al mercado en 1971 y vendió quince millones de copias en poco tiempo, estableciendo al grupo como una de las bandas más importantes de la década. Con el tiempo, ha llegado a vender veintidós millones de copias, siendo el álbum más vendido de la banda y convirtiéndose a su vez en el segundo álbum más vendido de los años 1970, sólo por detrás de The Wall de Pink Floyd, y en uno de los más vendidos de todos los tiempos, ocupando la cuarta posición en el ranking de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA (Recording Industry Association of America).

LISTADO DE CANCIONES:

El álbum empieza con "Black Dog", un impresionante tema de hard rock, sin duda uno de los temas más conocidos de la banda, y una de las canciones más famosas de rock de la década de los 70. Fue editado como sencillo el cual incluía Misty Mountain Hop en la cara B. Black Dog fue el primer single de Led Zeppelin IV y llegó al puesto 15 de las listas americanas.La autoría de la canción se le atribuye a Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones, complementada con el sonido estruendoso de John Bonham a la batería. Esta canción se publicó en el año 1971. El riff sobre el que se construye la canción es el del bajo, cortesía de John Paul Jones. También que los arreglos vocales están influenciados por "Oh Well" de Fleetwood Mac es algo admitido por el propio Robert Plant. 
Black Dog... Para Escuchar, Click en Play
El segundo tema es "Rock and Roll", y como el título lo dice, un tema de rock and roll con pinceladas blues de factura impecable, en el que destaca la armonía de la base rítmica (batería-bajo), realmente impresionante. Es uno de los clásicos de la banda, y una de las mejores canciones de rock hechas en los años setenta. 
Rock and Roll... Para Escuchar, Click en Play

El tercer tema del álbum es la folklórica "The Battle of Evermore". Esta canción fue compuesta por el guitarrista Jimmy Page en Headley Grange valiéndose de la mandolina que pertenecía a John Paul Jones, bajista del grupo. El vocalista Robert Plant había estado leyendo sobre el folklore británico y esto lo inspiró a escribir las letras de la canción. Plant sintió que haría falta otra voz para grabar el tema e invitó para ello a la cantante Sandy Denny, miembro del grupo británico de folk Fairport Convention. Este es el único tema que Led Zeppelin grabó con un vocalista invitado. Esta canción, al igual que "Misty Mountain Hop", "Ramble On", "Tangerine" y "Over the Hills and Far Away", hace referencia a la obra de J. R. R. Tolkien, más precisamente a la novela El Señor de los Anillos.

El cuarto tema del álbum es "Stairway to heaven", considerada por muchos como uno de los puntos culminantes de la historia del rock. Es una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio de los EE. UU., aunque no se ha publicado nunca en sencillo. El enorme éxito de la canción y la negativa de la banda a editar esta canción en sencillo ha podido contribuir a que Led Zeppelin IV sea uno de los álbumes más vendidos de la historia. No está enteramente claro si el título de la canción está inspirado en el título de una película. En las famosas revistas Guitar World y Rolling Stone, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia, también la marca de instrumentos Gibson colocó este como el mejor en su lista de "Los Mejores 50 solos de la historia". 

"Stairway to Heaven" ha sido acusada de contener mensajes satánicos cuando se reproduce hacia atrás aproximadamente en la mitad de la canción, dando como resultado el siguiente mensaje: "Oh here’s my sweet Satan. The one whose little path would make me sad, whose power is Satan. He’ll give you 666, there was a little toolshed where he made us suffer, sad satan". 

Este mensaje, en su traducción al español, significa: "Oh aquí está mi dulce Satán. Aquel cuyo estrecho camino me hiciera triste, cuyo poder es de Satan. Él te dará 666, había un pequeño cobertizo donde él nos hacia sufrir, triste Satán".

Esta afirmación fue negada por los miembros de la banda. Robert Plant, cantante y compositor de la letra de la canción, manifestó:
 
"En primer lugar, ¿A quién se le hubiese ocurrido eso? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con 'Stairway to Heaven', estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy americano, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían 'compra este álbum' escondido"

Por su parte, después de la polémica formada alrededor de la banda por sus supuestas connotaciones ocultas, la discográfica Swan Song Records, fundada por la banda en 1974, negó todas estas acusaciones comunicando que sus vinilos "sólo giran hacia delante".

Stairway to Heaven... Para Escuchar, Click en Play

El quinto tema del álbum es "Misty Mountain Hop", un medio tiempo rock que comienza con el bajista Jones tocando el teclado. Es notable la presencia de teclado y guitarra en partes casi iguales, por lo que el sonido es más melódico, y una de las baterías más fuertes de John Bonham registradas en estudio. La canción cuenta con un riff sobre el que Page y Jones armonizan con el uso de guitarra y teclado. Esta repetición del riff se basa en la guitarra y suena a funk y a bassline. En el minuto 2:11, la banda comete un error de sincronización, pero sin embargo consideraron que el resto era demasiado bueno como para tener que regrabar todo. Lo que se suele interpretar de la letra de la canción es un encuentro con la policía después de haber ido a fumar marihuana al parque, y dejando de ir a las Montañas Nubladas (donde vuelan los espíritus), lo que parece una referencia al libro de Tolkien El hobbit.

El sexto tema es "Four Sticks". El título surgió del hecho de que el baterista John Bonham tocó este instrumento con dos sets de dos palillos, en total cuatro. Su decisión de tocar esta canción con cuatro palillos se debió a que se sentía frustrado de no poder tocar con la intensidad correcta, a su criterio. Finalmente, cuando tomó el segundo par y golpeó lo más fuerte que pudo la batería, pudo grabar lo que consideró la toma perfecta, y esa fue la que la banda usó. Este tema fue especialmente difícil de grabar, y requirió más intentos de los usuales. El guitarrista Jimmy Page una vez dijo que "se suponía que (esta canción) debía ser abstracta". El efecto abstracto fue muy bien logrado por la duración de la canción, en la que se destaca la actuación de la guitarra. Luego de un intento frustrado por sacar esta canción adelante, Page inventó un riff de pura frustración, que finalmente se usó en el tema Rock and Roll.

El séptimo tema es "Going to California", posiblemente el mejor tema acústico que ha hecho la banda, El sonido melancólico y perteneciente al estilo folklórico de este tema, con la voz de Robert Plant como principal, la guitarra acústica de Jimmy Page y la mandolina de John Paul Jones contrasta con las guitarras más pesadas del resto del disco. La canción es sobre la cantante canadiense Joni Mitchell, a quien Page y Plant admiraban mucho.
Going to California... Para Escuchar, Click en Play

Y el octavo y último tema del álbum es el hard rock "When the Levee Breaks", un buen cierre para un disco histórico e imprescindible.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin
http://es.wikipedia.org/wiki/Led_Zeppelin_IV


17 Mayo 2011...
AC/DC  Back in Black 1980

Ac/dc es una de las bandas de rock más famosas del planeta. El disco que nos ocupa es el laureado Back in Black, posiblemente el mejor álbum de los australianos, y uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Tambien huelga decir que es el segunda álbum más vendido de la historia por detrás de Thriller de Michael Jackson con más de 50 millones de copias vendidas a alrededor del mundo.

En 1980, Ac/dc era un grupo consagrado de rock que bebía las mieles del exito conseguido un año antes con su álbum "Highway to Hell", un gran álbum que les llevo de gira por Europa y Estados Unidos (incluso vinieron por primera vez a España para tocar en el legendario programa de televisión española "Aplauso", siendo esta la última actuación del cantante Bon Scott). Cuando todo parecía ir muy bien la desgracia les cayó una noche en la que estaban parando en Londres. Ese 19 de febrero de 1980 perdieron a su vocalista, el carismático Bon Scott. La causa de su fallecimiento fue una intoxicación etílica. Scott bebió de más en un club nocturno de Londres llamado "MusicMachine" (mejor conocido como "Camden Palace", y luego renombrado como "The KOKO"). 
Su íntimo amigo Alistair Kinnear lo llevó a descansar a su automóvil que estaba estacionado frente al número 67 de Overhill Road en East Dulwich, en la zona sur de la ciudad. A la mañana siguiente, Kinnear llevó a Scott al hospital King's College en Camberwell, donde fue declarado muerto. La tradición oral dice que se ahogó con su propio vomito, lo que fue desmentido por el mismo Kinnear años después en una revista de rock la cual figura su nombre en la biografía de AC/DC escrita por Susan Massino. Tras la muerte de Bon Scott, la banda se planteó continuar, y finalmente reclutaron (gracias a que un fiel seguidor de Ac/dc, que al enterarse que el grupo australiano estaba buscando vocalista, les envió una carta con una cinta de cassette del popular grupo británico Geordie) al inglés Brian Johnson, y de quien se dice, era el vocalista preferido de Scott (en los años setenta Geordie y el grupo donde militaba Bon Scott, Fraternity, compartieron escenario en un concierto en el Reino Unido, llamandole especialmente la atención la actuación del vocalista). Johnson se encontraba sin grupo, trabajaba de mecánico en la ciudad inglesa de Newcastle y estaba considerando si iba a continuar en el mundo de la música. Sin embargo, aceptó el reto y después de una pequeña audición en la que bordó el tema "Whole lotta Rosie" entre otras, entró con el resto del grupo a grabar el álbum.


El álbum Back in Black contiene diez canciones (cinco a cada lado en su edición en Lp). El primer tema es el impresionante himno "Hells Bells", con un poderoso riff inicial acompañado del golpeteo de las campanas, toda una declaración de intenciones. Un tema que ha pasado a la historia del rock y de la música en general, toda una maravilla sonora. El segundo tema es el poderoso "Shoot to thrill", un notable tema en el que destaca la base rítmica y el impresionante solo de guitarra del maestro Angus Young. Recientemente a vuelto a lanzarse como sencillo, siendo utilizada como banda sonora de la película de Jon Favreau "Iron Man 2". 

Hells Bells... Para Escuchar, Click en Play

Shoot to thrill... Para Escuchar, Click en Play

El tercer tema es "What Do You Do for Money Honey", un tema de brillante ejecución, con unos agudos muy buenos de Johnson, secundado por unos buenos coros en el estrivillo, y un notable solo de guitarra como de costumbre. Acto seguido tenemos el impresionante cañonazo de "Given the Dog a Bone", uno de los temas más potentes del álbum. Y para cerrar la Cara A del Lp tenemos "Let Me Put My Love into You" un notable tema rock genialmente interpretado por Brian Johnson, y destacando el buen hacer de Cliff Richards al bajo.

Given the dog a bone... Para Escuchar, Click en Play



Para abrir la cara B del álbum tenemos el impresionante himno "Back in Black", un tema con un perfecto y sutil riff de guitarra, siendo uno de los puntos álgidos del álbum, todo un clásico de la banda, y uno de los mejores temas en la historia del rock. Acto seguido tenemos otro de los grandes himnos de la historia del rock, y posiblemente la mejor canción del grupo australiano, la impresionante "You shook me all night long", que bien canta Johnson, y que riff y solo de guitarra, antológico, sin duda uno de los puntos álgidos del álbum.


You shook me all night long... Para Escuchar, Click en Play


El tercer tema de esta cara B del álbum es "Have a Drink on Me", un notable tema rock con pinceladas bluseras, seguidamente tenemos el genial trallazo "Shake A Leg", toda una explosión de adrenalina, y para cerrar esta cara B y este magnífico álbum tenemos el himno "Rock And Roll Ain´t Noise Pollution" toda una declaración de intenciones -el rock and roll no es basura-, ahí queda eso, un buen broche de oro final para un disco histórico y trascendental en el devenir del rock ochentero.

Shake a leg... Para Escuchar, Click en Play

Rock And Roll Ain´t Noise Pollution... Para Escuchar, Click en Play

Un álbum enteramente dedicado a la memoria del tristemente desaparecido vocalista Bon Scott, hecho con mucho respeto. En 2005, Robert Dimery lo incluyó en el libro "1001 Discos que hay que escuchar antes de morir".


Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/AC/DC
http://es.wikipedia.org/wiki/Back_in_Black_%28%C3%A1lbum%29
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Discos_incluidos_en_el_libro_%221001_discos_que_hay_que_escuchar_antes_de_morir%22#B
http://www.elportaldelmetal.com/critica/acdc-back-black

11 Mayo 2011...
JAMIROQUAI  A Funk Odyssey 2001

Jamiroquai es un grupo inglés de Acid Jazz, Jazz Funk, Música Disco, y Electrónica. Fue formado en 1992 bajo el liderazgo del cantante Jason "Jay" Kay, junto a Toby Smith (teclados), Stuart Zender (bajo), Nick Van Gelder (batería) y Wallis Buchanan (didgeridoo). Con el tiempo, la banda ha sufrido numerosos cambios, tanto es así que ninguno de los primeros integrantes permanece actualmente, con la obvia excepción de Jason Kay.

"A Funk Odyssey" es su quinto álbum, y sin duda, es su trabajo más variado y mejor elaborado hasta la fecha. Jay comenta que tiene buenas razones para sentirse orgulloso del alcance democrático de su música. No había ningún plan maestro cuando se metió en un estudio para grabar el tema que le lanzó al estrellato a él y a su sombrero tejano. 

El nombre original para el álbum iba a ser 2001: A Funk Odyssey, pero se borró el 2001 porque la casa discográfica no quería una fecha en el título.

El álbum representó el mayor éxito comercial de la banda, donde el Funk y la Música Disco se apoderaron del grupo, dejando totalmente de lado sus raíces Acid Jazz.

El disco empieza con el tema "Feel so Good" que hace referencia a los buenos tiempos y es todo un clásico de la música disco. A esta le sigue "Little L" que se convertiría en el primer single del disco, un muy buen tema funk.

Feel so Good... Para Escuchar, Click en Play

Little L... Para Escuchar, Click en Play

El tercer tema del álbum es el genial "You give me something", un tema que haría estremecer toda la noche a las pistas de baile. Acto seguido nos encontramos con "Corner of the earth", un precioso tema con pinceladas de música latina. Uno de los puntos álgidos es el quinto tema del álbum, el impresionante "Love Foolosophy", un tema funk discotequero que contiene un estrivillo muy pegadizo.

You give me something... Para Escuchar, Click en Play 

Love Foolosophy... Para Escuchar, Click en Play

"Stop Don't Panic" es la rareza del álbum, es una especie de rock electrónico con pinceladas funk. El séptimo tema es la preciosa balada "Black crow" con una introducción de guitarra acústica muy buena. Después le sigue la crítica social de "Main Vein", un tema funk discotequero en el que destaca el gran trabajo de la voz femenina en el estrivillo.

Mein Vein... Para Escuchar, Click en Play

El noveno tema es el techno contundente de "Twenty zero one". Y para cerrar el álbum la impresionante y elegante balada con pinceladas de bossa-nova "Picture of my life", sin duda uno de los puntos álgidos del disco, y uno de los mejores temas en la carrera de este gran artista.

Picture of my Life... Para Escuchar, Click en Play
 
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/A_Funk_Odyssey
http://es.wikipedia.org/wiki/Jamiroquai
http://lazamponiadepan.blogspot.com/2009/04/jamiroquai-funk-odyssey-2001.html

5 Mayo 2011...
THE BEATLES  The White Album 1968

The White Album es el noveno álbum de la banda más famosa del pop británico de todos los tiempos, The Beatles. Este álbum marcó un punto de inflexión en la banda de Liverpool, cada uno de los miembros del grupo empezó a demostrar el rango y profundidad en su talento de composición individual, que seguiría en su respectivas carreras solista una vez separado el grupo. 

Fue la primera publicación de la banda desde la muerte de su mánager Brian Epstein, y el primero publicado por su propio sello discográfico "Apple Records". Originalmente se iba a llamar A Doll's House, pero una banda inglesa de rock progresivo llamada Family ya había publicado un álbum titulado "Music in a Doll's House" a principios de 1968.

Las canciones de The Beatles fueron en su mayoría escritas y grabadas durante un periodo de turbulencias en el grupo. Después de visitar al Maharishi Mahesh Yogi en la India y durante un periodo productivo de composiciones a principios de 1968, el grupo regresó al estudio para grabar durante el mes de mayo hasta octubre de 1968. 

Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles, lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la historia de la música. Los otros álbumes con disco de diamante son The Beatles/1962-1966, The Beatles/1967-1970, Abbey Road, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y 1. Alcanzó el nº 1 en el Reino Unido y Estados Unidos. En 2003, la revista musical Rolling Stone lo colocó en el puesto número 10 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Pitchfork describe el álbum como «grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes.» Allmusic señala: «Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo»; a pesar de todo «Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes», es visible que Harrison se ha convertido en «un compositor que merecía una demostración más amplia» y la composición de Starr «es un placer»
Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas. El romance de Lennon con la artista vanguardista Yoko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney. Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison. También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como «autor de música para abuelitas», calificando la canción "Ob-La-Di, Ob-La-Da" como «música-basura para abuelitas». Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo:

«Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos.» 

McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: 

«Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos», lo cual siempre había sido «la mejor cosa de The Beatles.»
LOS TEMAS DEL ÁLBUM:

Back in the Ussr... Para Escuchar, Click en Play


Muchas de las canciones de este álbum son personales y se refieren a personas en particular, por ejemplo "Dear Prudence", que fue escrita para la hermana de la actriz Mia Farrow, Prudence, que asistió a un curso de meditación trascendental en Rishikesh, India (curso al que también asistió el grupo en 1968), y mientras meditaba sufría de alucinaciones. Tuvo que ser mantenida en su cuarto por un tiempo, para asegurar su estabilidad, y después, cuando se le permitió, tenía miedo a salir de ahí. Lennon escribió esta canción para intentar apaciguarla. De hecho, muchas de las canciones fueron compuestas en este viaje a la India. Es importante señalar la influencia del cantautor escocés Donovan, también presente en esta estancia en la India, y que enseñó a Lennon y a McCartney la técnica del punteo en la guitarra que éstos usarían en algunas de las canciones del álbum, como "Blackbird", "Julia" o "Dear Prudence".

Dear Prudence... Para Escuchar, Click en Play


"Sexy Sadie" habla de Maharishi Mahesh Yogi, quien dictaba las clases de meditación, y, según algunas fuentes, trató de seducir a Mia Farrow. "Glass Onion" es la canción de Lennon para todos esos fans que pasaban su tiempo tratando de encontrar significados escondidos en las letras de las canciones del grupo; se refiere a otras canciones de los Beatles. Por otro lado, "Julia" es una balada acústica dedicada a la madre de John y a su nueva pareja, Yōko Ono.

Sexy Sadie... Para Escuchar, Click en Play


Julia... Para Escuchar, Click en Play


El álbum corre por un inusual abanico de géneros, desde el pop con canciones como "Birthday" y "Back in the U.S.S.R.", el rock pesado con guitarras en "While My Guitar Gently Weeps" en el que Eric Clapton tocaría el solo de guitarra por invitación de Harrison, el blues británico en "Yer Blues", el proto heavy metal en "Helter Skelter", los montajes con diferentes sonidos en "Revolution #9" y las baladas acústicas como "Blackbird" y "Julia".

While My Guitar Gently Weeps... Para Escuchar, Click en Play





El único instrumento occidental al que la banda tuvo acceso durante su estancia en la India fue la guitarra acústica, y muchas de las canciones (como "Dear Prudence", "Julia", "Blackbird" y "Mother Nature's Son") fueron escritas y ensayadas durante su estancia. Estas canciones fueron grabadas por los compositores, a menudo como solistas o sólo con una parte del grupo presente.

Yōko Ono hizo su primera aparición en un disco, añadiendo coros en "Birthday" junto con Pattie Boyd. Ono también cantó coros y una línea solista en "The Continuing Story of Bungalow Bill" y fue una fuerte influencia en el collage musical de Lennon, "Revolution #9".

Birthday... Para Escuchar, Click en Play


John Lennon exploró la desnudez musical en "Julia", la locura maniática en "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey", encarnizados ataques en "Sexy Sadie", visiones políticas en "Revolution #1", e incluso se dio el tiempo para colaborar con Yōko Ono en "Revolution #9". Los cambios de Lennon se manifestaron sobre todo en la letra de sus canciones.

Revolution #1... Para Escuchar, Click en Play


Paul McCartney exploró diferentes estilos musicales, incorporando baladas pop en "I Will", heavy metal en "Helter Skelter", pop con piano en "Martha My Dear", surf rock al estilo Beach Boys en "Back in the USSR" y canciones swing al estilo de Frank Sinatra en "Honey Pie".

Martha My Dear... Para escuchar, Click en Play


George Harrison utilizó sus habituales influencias hindú en "Long, Long, Long", pero además compuso una canción religiosa de súplica como "While My Guitar Gently Weeps", una broma sobre chocolates ("Savoy Truffle") y un comentario social ("Piggies").

Long, Long, Long... Para Escuchar, Click en Play


El debut oficial de Ringo Starr como compositor único de un tema se produjo en este disco, con "Don't Pass Me By". Antes había sido coautor de "What Goes On", que apareció en el álbum Rubber Soul, de 1965; además, es vocalista líder en "Good Night".

Don't Pass Me By... Para Escuchar, Click en Play


Good Night... Para Escuchar, Click en Play

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Beatles
http://es.wikipedia.org/wiki/The_Beatles_%28%C3%A1lbum%29